CURVE - PUBIC FRUIT (1992)

La primera vez que escuché este grupo fue en 1991 con una de sus mejores canciones, ‘Coast Is Clear’, y quedé atrapado por la increíble sensualidad de la vocalista, también por la musicalización, buena base rítmica e inclusive innovaciones para la época, como elementos de la nueva escena electrónica. Se trataba de una banda que emergía como parte del nuevo Shoegaze pero se diferenciaba de los demás grupos por su sonido, mensajes y también por la oscura actitud de su vocalista. Explorar en la música de Curve fue un deleite en aquel 1991 de grandes cambios.

Curve fue un dúo de Londres formado por Dean García (bajo, percusión programada, teclados, capas de guitarra) y Toni Halliday (vocalista y guitarrista ocasional). Ambos eran los compositores de la música, en tanto Toni se hacía cargo de las letras. Aunque para muchos era algo nuevo lo que hacían, tanto Dean como Toni llevaban años en la escena musical Británica.

Toni Halliday en sus inicios, fue la vocalista de una banda Punk llamada Photofitz. Esta aventura sucedió entre 1978 y 1980. Al no trascender, decide iniciar su carrera como solista, no sin antes participar como corista en uno de los singles de la banda New Wave, Bonk (‘The Smile And The Kiss’, 1983) e intentar hacerse finalmente conocida en su propio proyecto, The Uncles, junto a Christine Pike, publicando en 1984 apenas un single de tendencia Pop Rock. En 1985 y 1988 fue invitada como voz adicional y corista en los discos de Robert Plant, ‘Shaken ‘N’ Stirred’ y ‘Now And Zen’, respectivamente.

Paralelamente, en 1985, Toni Halliday formó junto a Dean García la banda State Of Play con Olle Romo (baterista de Eurythmics) y Julie Fletcher. Como tales publicaron un único álbum, ‘Balancing The Scales’ (1986) y dos singles. El estilo del disco iba desde el Pop Rock hasta Crossover. El poco después famoso Alan Moulder (futuro esposo de Toni Halliday) se hizo cargo de la ingeniería y mezclas. En el disco también colaboraba Dave Stewart, músico, compositor y productor de Eurythmics.

En 1989 Toni Halliday publicó su álbum solista ‘Hearts And Handshakes’, compuesto y producido por Toni y Alan Moulder (también teclados, guitarra, percusión), con Flood colaborando en mezclas y guitarras, Olle Romo (Eurythmics) en batería, Dave Stewart (Eurythmics) en guitarra y el propio Dean García en bajo, entre otros. El disco produjo cuatro singles poco conocidos y fue publicado por Anxious Records, propiedad de Dave Stewart y sello desde el cual también se editarían los discos de Curve. El estilo del album era similar al de bandas de la época como T’Pau y The Other Ones, es decir, Pop standarizado que reciclaba ciertos elementos de la New Wave, del Synthpop, Folk y hasta música Celta. Es sorprendente el giro que daría apenas un par de años después.

Dean García por su parte, fue el bajista de Eurythmics en las presentaciones en directo de 1983 / 1984, es decir, las épocas de mayor pegada de la banda. También participó en el estudio, en los discos ‘Touch’ (1983) y ‘Be Yourself Tonight’ (1985). Precisamente Dean García conoció a Toni Halliday por intermedio de Dave Stewart.

Debido a todas las mencionadas conexiones de Dean y Toni con otras bandas más ligadas al mainstream, algunos críticos fueron renuentes con Curve. Pese a todo, el dúo se abrió camino y dieron mucho que hablar especialmente entre 1991 y 1993.

El estilo de Curve bien podía relacionarse con el emergente Shoegaze de aquellos meses de 1991, pero su sonido tenía elementos propios pues combinaba las atmósferas del Shoegaze con algunas pinceladas del Dark Goth y beats del Techno. Las influencias eran obvias, My Bloody Valentine y antes The Jesus And Mary Chain habían trazado el camino, pero también el sonido de bandas como Colourbox y el primer Killing Joke se dejaban sentir. Densas murallas de guitarra con riffs superpuestos a cargo de Dean García, ritmos festivos contrastando con la introspectiva oscuridad de las atmósferas y de los relatos de Toni Halliday con su voz seductora en tono grave (contralto), sumamente sensual, una vocalista hábilmente producida para que impacte también en los video-clips, con sus siempre hermosos ojos azules contorneados de maquillaje oscuro y gestos felinos y algo agresivos. Curve fue definitivamente un ‘producto’ de calidad que supo aprovechar la oleada Shoegazing con buenas composiciones, notable producción, imagen impactante y atractivos video-clips.

‘Blindfold’ (Marzo) fue el primero de los tres EPs que publicarían durante 1991. Incluía la festiva ‘Ten Little Girls’ con algunas partes rapeadas a cargo de Jonathan Chandra Pandy (JC-001), la extraordinaria y cautivadora ‘I Speak Your Every Word’, de las mejores de la primera época de Curve y la también destacable ‘No Escape From Heaven’. Steve Osborne y la banda supervisaron la producción. Alan Moulder en tanto, estuvo a cargo de la mesa de mezclas. ‘Blindfold’ EP alcanzó el # 68 del UK Singles Chart.

En ‘Frozen’ EP (Mayo 1991), la producción y mezclas fue realizada de la misma manera que en ‘Blindfold’. Incluía uno de sus himnos, ‘Coast Is Clear’. El notable video en tonos grises y azules que fue rotado por MTV fue dirigido por la reconocida Sophie Muller. ‘Coast Is Clear’ alcanzó la posición # 12 del Modern Rock Tracks de USA. ‘Frozen’ EP, por supuesto también incluía la canción del mismo nombre con sus deliciosas texturas Dreampop y base rítmica recargada de una masa de sonidos ondulantes, sello característico de Curve. Toni en tanto, siempre vocalizando maliciosa y sensualmente a la vez. ‘Zoo’, la canción que cerraba el EP, es igualmente destacable. ‘Frozen’ EP llegó al # 34 de la lista general Británica.

El tercer EP ‘Cherry’ (Octubre 1991) incluía también cuatro canciones con la misma producción y mezclas. Llegó al # 36 del UK Singles Chart. En ‘Cherry’ sobresalían otras dos joyas de su discografía, la intensa y atmosférica ‘Clipped’ con un radiante video dirigido por Keir Halliday, y la perturbadora ‘Die Like A Dog’ con su potente bajo, guitarras afiladas y ritmo energético.

Finalmente, ‘Pubic Fruit’ fue publicado el 17 de Noviembre de 1992 en USA y Canadá, e incluía el íntegro de los tres EPs además como bonus, una versión extendida del nuevo single ‘Fait Accompli’. ‘Pubic Fruit’ fue el primer impulso creativo de esta gran banda liderada por Dean Garcían y Toni Halliday. En la primera y mejor época la batería estuvo a cargo de Steve Monti con Debbie Smith y Alex Mitchell en guitarras.

Para cuando fue publicado ‘Pubic Fruit’ (Noviembre 1992), Curve ya habían lanzado su álbum debut ‘Doppelgänger’ (Marzo) y los singles ‘Fait Accompli’ (Febrero) y ‘Horror Head’ (Julio), e inclusive habían colaborado en el box set ‘Ruby Trax – The NME’s Roaring Forty’, edición que conmemoraba el 40 aniversario de New Musical Express con 40 covers a cargo de 40 de las más representativas bandas de aquellos años. Curve participó con un bonito cover en clave Shoegaze del famoso ‘I Feel Love’, interpretado originalmente por Donna Summer. De hecho 'Pubic Fruit' fue como la cereza del pastel.

THE JESUS AND MARY CHAIN - PSYCHOCANDY (1985)

En 1985, la única información sobre la escena independiente a la que se podía acceder era a través de algunas notas en fanzines y en la única revista de Rock que circulaba, Ave.Rok. Pese a las limitaciones, las noticias sobre los escándalos de una nueva y ruidosa banda llamada The Jesus And Mary Chain se esparcieron como pólvora en épocas de terrorismo, crisis y apagones... de hecho escuchar 'Psychocandy' por primera vez, impactaba. Era algo genuino y novedoso. Algo realmente transgresor. Las melodías sonaban tan bien, y el ruido encima en ocasiones desesperaba, pero esa era la gracia. Acostumbrarse al ruido extremo y apreciar el contraste de ruido y melodía a la vez.

The Jesus And Mary Chain, desde sus inicios fueron considerados la banda Británica más revolucionaria desde los Sex Pistols. Los hermanos Reid ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido recubierto por considerables capas de ruido, fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos e insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia. Sus incendiarios shows duraban apenas 20 minutos y en ocasiones acababan en destrozos con un público enardecido que convertía sus presentaciones en una batalla campal. Y tocaban de espaldas como la Velvet Underground.

Según declaraciones de los hermanos Reid en aquella época, ellos "retomaron la actitud del Punk Británico con arrogancia e irreverencia", provocando destrozos en sus shows y escándalos en la prensa. Los Reid propinaban insultos a los artistas impuestos por la industria y en alguna ocasión fueron arrestados por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, Jim y William Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir, manejando a los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.

Esta banda re-dimensionó el Pop Británico, fortaleciendo propuestas como las de Creation -y su revalorización a la primera era sicodélica- con sus revivals. Combinaron la ingenuidad, dulzura, frescura y espontaneidad de sus melodías, con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, marcando con ello el nacimiento del llamado Noise de la segunda mitad de los años 80.

The Jesus And Mary Chain se iniciaron como banda en Marzo de 1984 con Jim Reid (voz, guitarra) y William Reid (guitarra, voz). Provenientes de la ciudad de Glasgow, Escocia, los Reid se desplazaron a Londres, Inglaterra, cargados con algunos demos caseros grabados en su propio porta-estudio. La banda se completaría con Douglas Hart (bajo) y Murray Dalglish (batería).

Tras el contacto con Alan McGee, propietario de Creation Records, aparece la primera muestra, el single debut 'Upside Down' lanzado en Noviembre de 1984, producido por ‘Slaughter’ Joe Foster, viejo amigo de McGee. En Febrero de 1985 llegarían al tope del chart Independiente por dos semanas. 35,000 copias vendidas. Poco después de aquel single debut, McGee les consiguió un nuevo batería, Bobby Gillespie, el mismo que sería fundador de Primal Scream. Tras el impacto de sus presentaciones, McGee negoció el traspaso de su fichaje a Blanco y Negro, sello subsidiario de WEA desde donde emprenderían su despegue definitivo.

Precediendo al primer album, publicaron el single 'Never Understand' en Marzo, con el cual ingresan por primera vez a la lista general Británica (# 47), también el maxi 'You Trip Me Up' (# 55) en Junio, y otro maxi en Octubre conteniendo la delicada 'Just Like Honey' (# 45), sin duda, un valioso precedente de ingenuidad y sencillez melódica, característica que marcaría la escena Británica de la segunda mitad de los 80.

'Psychocandy', el esperado primer album publicado el 18 de Noviembre de 1985, recopiló material producido por los hermanos Reid en cuatro años desde su Escocia natal. 'Psychocandy' estuvo repleto de hermosas melodías Pop ('Taste Of Cindy', 'The Living End', 'In A hole', 'Cut Dead'), ocultas bajo una cortina de ruido producido por acoples, es decir, feedback, o lo que es lo mismo, por el fenómeno de re-alimentación generado entre el amplificador y la guitarra. Las influencias de su sonido fueron básicamente las del Rock Norteamericano. El Rock And Roll de Bo Diddley, la Surf Music de Jan & Dean, de los Tornadoes y de los Beach Boys, el Garage Psicodélico de los 13th Floor Elevators y la Velvet Underground, el Rock And Roll de los New York Dolls, Suicide, Television y Ramones, entre otros.

'Psychocandy' llegó al puesto # 31 del chart Inglés. A pesar de los esfuerzos de Jim y William Reid por mostrar apatía e indiferencia en este album debut, 'Psychocandy' para nada pasó desapercibido. De hecho se trata de uno de los discos clave -si de influencia hablamos- en toda la historia de la música contemporánea. El Noise Pop de 'Psychocandy' como sabemos, fue un soplo de vida para mucho del sonido Británico de la segunda mitad de los años 80. Del Indie Pop al Shoegaze. 'Psychocandy' es uno de los discos fundamentales que marcó un antes y un después en la música de los 80. La generación Noise que soñó Lou Reed cuando publicó 'Metal Machine Music' en 1975 era ya una realidad.

LUSH - GALA (1990)

De hecho Lush es una de las bandas a las cuales desde siempre le he guardado especial cariño pues, tanto la música de Lush como la de Pale Saints, fue lo primero que escuché del género -aún sin nombre- Shoegazing o Shoegaze. Probablemente 4AD, sello para el cual grabaron ambas bandas, tuvo mucho que ver. Lo cierto es que representaron en su momento, un importante cambio en la propuesta del influyente sello 4AD a puertas de una nueva década. Al escucharlos, era inevitable asociarlos con Cocteau Twins, aunque Lush sonaban más enérgicos y le añadían ruido a sus melodías, como ya lo había hecho poco antes My Bloody Valentine. La base rítmica y los cambios de ésta, en algunas canciones también nos recordaba a los Throwing Muses. Por aquel entonces declararon no inventar nada nuevo, sin embargo partieron de sus influencias con una acertada combinación de texturas dando origen a nuevos matices. Su propuesta fresca y revitalizadora pronto llamaría la atención de la prensa musical. Fue así como Robin Guthrie se interesó en ellos.

Inicialmente Lush contó con la vocalista Meriel Barham dando inclusive alguna presentación con ella como voz principal, sin embargo, Meriel los abandonaría poco después para formar parte de Pale Saints.

La formación definitiva de Lush fue desde entonces Miki Berenyi (voz principal, guitarra, composición), Emma Anderson (guitarra, coros, composición), ambas lideres del cuarteto que completaba Chris Acland en batería y Steve Rippon en bajo. Esta fue la formación que grabó el Mini-LP 'Scar' (1989) y el EP 'Mad Love' (1990).

'Scar' fue grabado en los Blackwing Studios de Londres en Julio de 1989 y fue publicado en Octubre del mismo año. La producción estuvo a cargo de John Fryer y la banda. Este primer lanzamiento llegó al # 3 del UK Indie Chart y contenía seis de sus mejores canciones, entre ellas la energética ‘Baby Talk’, la sublime ‘Thoughtforms’, la apacible ‘Scarlet’, la vertiginosa ‘Second Sight’, con claras reminiscencias al My Bloody Valentine de ‘Isn’t Anything’ (1988), y cerrando este gran debut, la delicada ‘Etheriel’.

El EP 'Mad Love' (Febrero 1990) fue producido por Robin Guthrie, quien atravesaba por uno de los mejores momentos de su carrera como parte de Cocteau Twins. El resultado en 'Mad Love' fue ciertamente asombroso. Incluía uno de sus himnos, ‘De-Luxe’, una genial canción con la cual muchos conocimos a esta banda a través de sus dos video-clips para UK y USA. De hecho ‘De-Luxe’ se convirtió en su mejor canción lanzada hasta ese momento con sus cambios agresivos, contrastando con su dulce melodía, coros angelicales y con un intro / outro novedoso y sencillamente de ensueño. La provocadora ‘Leaves Me Cold’ en tanto, arrancaba de forma hiriente. El sonido de Lush en el EP ‘Mad Love’ era hasta por momentos violento y a la vez ensoñador. ‘Downer’ es otro buen ejemplo, la canción más veloz de Lush con Miki y Emma en un fantástico juego de voces, marcados efectos de guitarra y final abrupto, cerrando con una remodelada y definitiva versión de ‘Thoughtforms’. 'Mad Love' llegó al # 55 en la lista general del Reino Unido.

En Octubre de 1990 fue publicado el single 'Sweetness And Light', producido por Tim Friese-Greene, productor, co-escritor y músico de Talk Talk. 'Sweetness And Light' denotaba cierta evolución hacia un sonido algo más standard. Fue la canción de Lush de mayor éxito en USA. Llegó al # 4 del Modern Rock Tracks. En el UK Singles Chart alcanzó la posición 47. Sin duda, un gran clásico de la década de los 90 en donde apostaron por un mayor enriquecimiento en las melodías a costa de renunciar a los ritmos vertiginosos y las distorsiones algo más crudas que caracterizaron especialmente 'Mad Love'. El lado B del single incluía ‘Sunbathing’ y ‘Breeze’, esta última fue algo así como un adelanto del sonido que plasmarían en su primer álbum ‘Spooky’ (Enero 1992).

Finalmente, el album recopilatorio 'Gala' fue publicado el 13 de Noviembre de 1990. Incluía la totalidad del Mini-LP 'Scar', el 'Mad Love' EP y el 12" single 'Sweetness And Light', además de dos canciones extra, 'Hey Hey Helen', un bonito cover de Abba, y una nueva versión de 'Scarlet' con un sonido algo navideño (incluida originalmente en el sampler de Melody Maker 'Gigantic! 2').

El diseño de este genial recopilatorio encerrando la mejor época de la banda, incluía fundas interiores con acabados de lujo, pareciendo ser más portadas alternativas del disco. El creador del bonito empaque fue v23, el estudio de diseño gráfico creado por Vaughan Oliver en colaboración con Chris Bigg y Paul McMenamin. Como sabemos, este estudio mantuvo una estrecha relación con el sello 4AD entre 1988 y 1998.

THE JESUS AND MARY CHAIN - DARKLANDS (1987)

The Jesus And Mary Chain, considerada en sus inicios la banda británica más revolucionaria desde los Sex Pistols, ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido, recubierto por considerables capas de ruido, fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos e insultos, insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia.

Según sus propias declaraciones "ellos retomaron la actitud del Punk británico con arrogancia e irreverencia" provocando destrozos en las breves presentaciones que ofrecían, escándalos en la prensa e insultos que propinaban a los artistas impuestos por la industria, y por último, arrestos por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, los hermanos Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir, manejando los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.

Ciertamente re-dimensionaron el Pop británico conceptualizándolo y fortaleciendo propuestas como las de Creation Records -y su revalorización a la primera era Psicodélica- con sus revivals. Combinaron la ingenuidad vocal con dulces letras y mucha frescura y espontaneidad en sus melodías, contrastando todo ello con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, propiciando el nacimiento del llamado Noise de los últimos 80.

Luego del alucinante disco debut Psychocandy (1985), los Reid replantearon su propuesta suavizándola, es más, prescindiendo de su diferenciador ruido que los encumbró apenas unos meses antes. En Agosto de 1986 el single 'Some Candy Talking' (# 13 en UK) apareció como anticipo del nuevo camino trazado por los Escoceses, con un sonido basado en la riqueza melódica con tratamientos acústicos. DARKLANDS, segundo album publicado el 31 de Agosto de 1987, fue escrito y producido por Jim y William Reid, y co-producido por Bill Price y John Loder. Darklands estuvo predominado por bellos y dulces paisajes otoñales. Se trataba de un delicado disco electro-acústico, algo sombrío y tierno a la vez. 'Happy When It Rains', 'April Skies', 'Darklands', 'Cherry Come Too' y 'About You' fueron algunos de los momentos más inspirados. Disco imprescindible.

ECHO & THE BUNNYMEN - SONGS TO LEARN & SING (1985)

'Songs To Learn & Sing' fue una de las primeras notables recopilaciones aparecidas en los años 80. El disco perfecto para introducirse en la música de esta banda de Liverpool. Muchos conocieron más de los Bunnymen gracias a esta recopilación majestuosa desde su portada, una imagen clásica y de las más entrañables de los años 80 a cargo de Anton Corbijn, repetida hasta la saciedad en camisetas y posters.

'Songs To Learn & Sing' fue el primer album de Echo & The Bunnymen que incluía las letras de las canciones -de ahí el título- y recopilaba 11 canciones, todas lanzadas como singles entre 1980 y 1985. Cabe destacar la aparición de 'The Puppet' (no incluida en albums hasta ese momento), 'Do It Clean' (single de regalo en edición limitada del album 'Crocodiles') y 'Never Stop', aparecida en el EP Echo & The Bunnymen para el mercado USA en versión extendida. En UK Sólo se editó la versión editada. La versión incluida en 'Songs To Learn & Sing' para USA es la extendida de 'Never Stop', es decir la del EP, en tanto para UK es la editada en single, detalle tal vez poco importante para algunos pues fue perdiéndose en las re-ediciones posteriores. Además incluía 'Bring On The Dancing Horses' como nueva canción y single promocional de este album recopilatorio que llegó al # 6 del UK Albums Chart. 'Songs To Learn & Sing' se vendió en edición muy limitada con un 7" single de regalo, nada menos que el primer single de 1979 para el sello Zoo con 'The Pictures On My Wall' / 'Read It In Books'. Por último, la edición cassette (la original del 15 de Noviembre de 1985) además traía dos extras: 'Pride' y 'Simple Stuff'. Este disco, en la época fue más importante de lo que podría imaginarse en la actualidad tras la salida posterior de box sets y otras recopilaciones con mayor número de tracks.

WIRE TRAIN - BETWEEN TWO WORDS (1985)

Los 80s fueron los años en los que algunos buenos discos se convertían prácticamente en clásicos instantáneos y estos clásicos no paraban, se editaban uno tras otro. Algo que no he visto con la misma frecuencia en otras décadas. En el caso de Wire Train, supe de la existencia de este grupo observando la portada del primer album 'In A Chamber' (1984) en la vitrina de Music Nice, una pequeña tienda de vinilos importados en Camino Real. De las pocas que existían en esa época. El disco estaba sellado y era un pedido, así que, imposible escucharlo. Felizmente poco después Doble Nueve programó varias. No recuerdo haberlos escuchado en otra radio en 1984.

Esta banda de San Francisco, California bien podría haber sido confundida con cualquier banda Británica de la época por el buen sonido de sus dos primeros albums. El primer album es un buen disco, como sabemos, incluye canciones notables, especialmente 'I'll Do You', 'Everything's Turning Up Down Again' y 'Chamber Of Hellos', y algunas otras también destacables como 'Love Against Me', 'She's On Fire' y 'Never'. A pesar de la calidad de ese album debut, si tuviera que elegir entre 'In A Chamber' (1984) o 'Between Two Words' (publicado el 15 de Noviembre de 1985), me quedaría con el segundo. Me parece un disco mejor elaborado, con composiciones más redondas y buenas melodías.

Wire Train fue formado en 1980 por sus dos miembros líderes, Kevin Hunter (voz, guitarra) y Kurt Kerr (guitarra, voz), ambos, compositores de la totalidad de canciones de la banda. Poco más tarde se les uniría el Suizo Anders Rundblad (bajo, voz) y el Argentino Federico Gil-Sola (batería). Esa formación fue la que grabó 'In A Chamber' (1984). Para el disco 'Between Two Words' (1985), Brian MacLeod sería el nuevo baterista. Además ingresa en la banda un personaje clave, Peter Maunu, quien se encargó de los teclados, enriqueciendo la propuesta musical de Wire Train. Maunu además participó en la grabación como guitarra adicional dándole más consistencia al sonido desde las cuerdas, y lo más importante, se hizo cargo de la producción del album. Pese a los buenos resultados y a la calidad de Wire Train, esta banda jamás rankeó ni en UK ni en USA.

'Between Two Words' incluye 'Last Perfect Thing', canción con la cual ganaron un premio local como mejor nueva banda de San Francisco en 1985, 'I Will', canción que llamó la atención de Bono (U2) quien llegó a mencionarlos en alguna entrevista. 'Skills Of Summer' seguramente fue la que mayor exposición en los medios logró. Fue la que más sonó en Lima, pero 'Between Two Words' aún tuvo más que ofrecer, como la recordada 'Love, Love', 'The Ocean' o 'God On Our Side'. Seguramente este disco acabó en el cajón de las rebajas en algunos países donde fue editado. Recuerdo que la prensa musical Española los hacía leña desde publicaciones como RDL. Wire Train fue una gran banda y el tiempo se ha encargado de hacerles justicia. Hoy por hoy es considerada como un referente de la escena Indie.

Luego de 'Between Two Words', Kurt Kerr abandonó el proyecto y vaya que se sintió su partida. Las composiciones de Wire Train nunca fueron las mismas. Peter Maunu tampoco participó en discos posteriores y la esencia del sonido de esta banda se diluyó. 'Ten Women' (1987) apenas tuvo una canción notable ('She Comes On'), alguna que otra regular y mucho relleno. En los dos últimos discos ya el sonido fue otro, comparable con el de tantas otras bandas de la movida Alternativa de los primeros años 90. Bien por los dos primeros.

JAPAN - GENTLEMEN TAKE POLAROIDS (1980)

Japan fue formado en 1974 en la escuela de Catford, al sur de Londres, por los hermanos David Alan Batt y Stephen Batt. Cambiaron sus apellidos por los de Sylvian y Jansen respectivamente. David Sylvian (voz, guitarra y teclados) y Steve Jansen (batería) se iniciaron como trío con un amigo llamado Mick Karn (bajo, saxo). Poco después, con el ingreso de Richard Barbieri (teclados) debutaron ese mismo año recorriendo los bares de Londres con un sonido e imagen influenciados por el Glam-Rock. En Enero de 1976 se unió al proyecto Rob Dean (guitarra), proporcionando al grupo mayor dureza eléctrica y fichando bajo esta formación para el sello Alemán Hansa-Ariola, el mismo que se encargó de promocionarlos como una banda de Rock, llegando incluso a ser teloneros de Blue Oyster Cult.

Los dos primeros albums, 'Adolescent Sex' (1977) y 'Obscure Alternatives' (1978), estuvieron dominados por el sonido de la guitarra, tomando elementos tanto de Rock como de Reggae. A partir del tercero, 'Quiet Life' (1979), su estilo dio un notable giro, enraizándose en la electrónica con una constante en innovación / experimentación y recurriendo a los más diversos y lejanos motivos del Folklore de Oriente. 'Quiet Life' fue la primera de sus obras mayores, en donde la personalidad del grupo entró en un proceso de crecimiento lleno de misticismo, con el sobresaliente sonido que Mick Karn le imprimía al bajo y la extraordinaria vocalización de David Sylvian, tremendamente influencial para gente como Simon Le bon (Duran Duran).

De esta manera, Japan inició sus andanzas incrementando el culto y ganando adeptos en reducidas élites de algunas capitales del mundo. Su propuesta fue etiquetada como Art-Rock. La crítica Británica, en tanto, fue dura con ellos. Sylvian fue comparado maliciosamente con Bryan Ferry por su entonación y su pasado Glam. Asimismo, a Japan se les consideró copistas de los primeros Roxy Music y las escasas entrevistas sabotearon las ventas del album, hecho que hizo perder credibilidad en su discográfica.

Virgin fue el nuevo percutor para el lanzamiento de sus innovadoras líneas instrumentales. 'Gentlemen Take Polaroids', publicado el 15 de Noviembre de 1980, se introdujo más en la electrónica, y las individualidades del grupo se ampliaron y enriquecieron. El canal que se extrajo para que funcione como single fue justamente el que dio título al album, logrando ingresar por primera vez al chart Inglés para tan sólo quedarse en el casillero 60 en Octubre de 1980. 'Gentlemen Take Polaroids' no fue un single más, fue todo un muestrario de madurez con su exquisita base rítmica e hipnótica guitarra, en donde la electrónica acariciaba la voz de un Sylvian cada vez más exigente para con su banda. Otras buenas canciones del album: 'Nightporter', 'Swing' y 'Methods Of Dance'. 'Gentlemen Take Polaroids' fue producido y mezclado por John Punter. El disco también incluye la canción 'Taking Islands In Africa' que sería la primera composición de David Sylvian y Ryuichi Sakamoto (Yellow Magic Orchestra). Años después y como dúo publicarían algunos discos. Pero lo mejor aún estaba por llegar, 1981 fue un espléndido año para Japan. El guitarrista Rob Dean abandonó la banda por aquella época para unirse a las filas de Gary Numan y se perdió el momento cumbre de Japan.

THE SISTERS OF MERCY - FLOODLAND (1987)

'Floodland', el segundo album de The Sisters Of Mercy, publicado el 13 de Noviembre de 1987, llegó al casillero 9 del chart Británico (superando al primero tan sólo por popularidad) y vendió más de 200 mil ejemplares en los Estados Unidos durante 1988. Se extrajeron tres singles. El primero de ellos, 'This Corrosion', tendría mayor popularidad que todos los discos predecesores de las etapas anteriores de The Sisters Of Mercy: # 7 entre los más vendidos de UK. El video promocional fue rodado en Londres con no pocas dificultades, pues una inesperada torrencial lluvia echó a perder el equipo de producción. El segundo single promocional, 'Dominion', se ubicó en Marzo de 1988 en la posición 13 de UK. El video costó 50 mil libras y fue filmado en Petra, Jordania, en pleno desierto con árabes, camellos y caballos. 'Lucretia My Reflection' llegó al # 20 en UK. El video fue filmado en un molino de algodón en Bombay, India.

La popularidad de The Sisters Of Mercy con su reducida formación (Andrew Eldritch + Patricia Morrison), en lugar de decrecer con la salida de Gary Marx, Wayne Hussey y Craig Adams, aumentó considerablemente, mas no la calidad de sus discos, carentes de las atmósferas envolventes y mágicas que poseían las grabaciones iniciales. ¿La razón? Tan sólo Eldritch la sabe. Pese a todo, este segundo album es una auténtica joyita. Para la ocasión, Eldritch colgó su sombrero, dejó atrás sus sacones cambiándolos por ceñidos pantalones, y renunció a su melena, luciendo pulcramente tras sus gafas oscuras.... lavado de imagen le dicen.

NEW ORDER - MOVEMENT (1981)

"Ian solía hacernos escuchar los albums de Kraftwerk diciendo 'escuchen esto, es algo nuevo y fantástico'. Tal vez el sabía y nos estaba mostrando el camino" - Bernard Sumner en una entrevista de Paul Morley.

'Movement', el album debut de New Order publicado el 13 de Noviembre de 1981, representa algo así como el eslabón en la cadena que une a Joy Division y New Order. Se trata de un disco en donde se introduce la electrónica de forma más decisiva -respecto a 'Closer'- y que mantiene ciertas deudas con el sonido de Joy Division. La producción corrió a cargo de Martin Hannett, el mismo productor de Joy Division. Inclusive el ingeniero de sonido es el mismo del 'Unknown Pleasures', Chris Nagle. 'Movement' era un disco de luces y sombras, un nuevo punto de partida, un disco esperanzador que abría un nuevo camino por recorrer, como la luz al final del túnel. 'Dreams Never End' y 'Truth' fueron originalmente parte de un demo grabado en Julio de 1980 por Sumner, Hook y Morris, cuando aún no adoptaban el nuevo nombre. Precisamente 'Dreams Never End', la pieza estrella, se encargó de abrir el disco. Peter Hook se hizo cargo de la voz. Hook también canta en la siniestra 'Doubts Even Here'. Todo el album está plagado de buenas composiciones como 'Chosen Time', 'ICB' o 'Denial', pese al estado de ánimo de la banda, quienes aún no lograban recuperarse del fatídico suicidio de su líder, Ian Curtis. 'Movement' es un brillante debut sin más ni más.

La aparición de 'Movement' fue precedida por dos singles, 'Ceremony' / 'In A Lonely Place' en Marzo de 1981 -ambas composiciones acreditadas a Ian Curtis- y 'Procession' / 'Everything's Gone Green' en Septiembre de 1981. En Diciembre se publicó 'Everything's Gone Green' / 'Cries And Whispers' / 'Mesh'. Sin duda, todo este material inicial representa seguramente la época más valiosa para cualquier fan de Joy Division.

Como dato curioso, en Julio de 1980 apareció el primer single de una banda de Blackpool, Lancashire, llamada Section 25. Este grupo con el paso de los años se convirtió en uno de los grupos más representativos del sello Factory, sello para el cual se grabaron los discos de Joy Division y New Order. Aquel primer single de Section 25, 'Girls Don't Count', fue producido por Ian Curtis y el manager de Joy Division, Rob Gretton. La influencia de Curtis es obvia.

SIOUXSIE AND THE BANSHEES - THE SCREAM (1978)

El debut de Siouxsie & The Banshees, nada menos. La banda surgida desde las alcantarillas del Punk y gestora de un nuevo sonido... las declaraciones de Siouxsie que les comparto, las tomé de una revista llamada 'Sonido' de inicios de 1978, un número de colección dedicado al Punk Rock y que orgullosamente es parte de mi colección de libros, revistas y fanzines de música.

Siouxsie Sioux (voz) y Steve Severin (bajo), es decir, la dupla que dio vida a la banda y que sacó adelante el proyecto, se conocieron en 1975. A fines de ese año ven actuar por primera vez a los Sex Pistols y se convierten en incurables amantes de su sonido. Los seguirían a todos sus conciertos durante los días más violentos de la fiebre Punk, vestidos de forma extravagante, con un look -para la época- vanguardista y que fuera una de las fuentes de influencia para el movimiento Punk y Goth. Ese grupo de fans fue conocido como los Bromley Contingent, y se constituyó como uno de los núcleos indispensables de los iniciales conciertos de la escena Punk Rock. El grupo se disolvió a los pocos meses.

Siouxsie y Severin fundaron su propia banda Siouxsie And The Banshees en Septiembre de 1976 con Sid Vicious (batería) y Marco Pirroni (guitarra). Bajo esta formación debutaron en el 100 Club de Londres el 20 de Septiembre tomando parte de la primera fecha del 100 Club Punk Festival junto a Sex Pistols, The Clash y Subway Sect. Luego de aquel histórico debut, Sid Vicious abandona a los Banshees y se va con los Sex Pistols, y Marco Pirroni se une a The Models. Siouxsie Sioux y Steve Severin, desde entonces se convierten en el núcleo inalterable de los Banshees. Por la banda pasarían varios guitarristas a lo largo de su historia, y algunos bateristas hasta el ingreso definitivo de Budgie dos años más tarde.

En Diciembre de 1976, Siouxsie Sioux se presentó con los Sex Pistols en el show Today de la televisión Inglesa. El mismo día ingresa en la banda Kenny Morris (batería). Sin embargo, no sería sino hasta el 24 de Febrero de 1977 que los Banshees lograron completar su formación con el ingreso del nuevo guitarrista Pete Fenton. La primera formación estable y la más convincente fue conseguida con el reemplazo de Fenton por John McKay (guitarra, saxo) quien ingresó a la banda en Julio de 1977, dando mayor estabilidad al desenvolvimiento del grupo. McKay, Morris, Severin y Souxsie fue la formación definitiva que dio vida al primer album 'The Scream'.

En Noviembre de 1977 Siouxsie & The Banshees se presentan en la televisión Inglesa cantando 'Make Up To Break Up'. Luego empiezan a ser conocidos como 'la mejor nueva banda sin contrato de grabación'.

En los primeros meses de 1978 logran un acuerdo con Polydor... Por entonces Siouxsie Sioux (Susan Janet Ballion de 20 años) declaraba: "Nosotros no creemos que hemos sido contratados hasta que estemos grabando en un estudio. Ya nos han hecho demasiadas promesas y no ha habido nada en claro. Por ejemplo, la RCA nos dijo que no éramos compatibles con sus demás artistas. Virgin dice que el nombre del grupo suena feo y cosas por el estilo. ¡Pretextos! Nosotros somos un ejemplo de lo estúpidas e incompetentes que pueden ser las compañías disqueras. Nos tienen miedo y vamos a luchar en su contra. En realidad no tendríamos una razón de existir si no tuviéramos algo contra qué luchar... Nuestra competencia comercial son los Bee Gees. Por otro lado al ver que soy mujer sólo me quieren explotar como objeto sexual. Piensan que no tengo nada qué decir, pero es mentira, porque yo no soy la voz de la decadencia. Nuestras canciones hablan del desempleo y cosas de la vida diaria"

Siouxsie & The Banshees debutan discográficamente el 18 de Agosto de 1978 con el single 'Hong Kong Garden' / 'Voices'. Alcanza la posición # 7 del chart Inglés. El 13 de Noviembre fue publicado finalmente el esperado primer album, 'The Scream', producido y mezclado por Steve Lillywhite y grabado en los RAK Studios de Londres. La música de 'The Scream' fue compuesta casi en su totalidad por Steve Severin y John McKay y las letras por Siouxsie Sioux y Severin.

El nombre de la banda, The Banshees, nos mostraba alguna señal de lo que venían preparando... Las banshees según la leyenda Irlandesa del siglo VIII, eran espíritus femeninos o hadas que se le aparecían a una persona para anunciar con su llanto y gemidos la muerte de un pariente cercano. 'The Scream' de hecho es considerado uno de los discos fundadores del movimiento Gótico.

Este genial album de debut inicia con la canción 'Pure' que es algo así como un intro con los gritos de desesperación de Siouxsie, ¿o acaso el llanto de una banshee?, toda una declaración de principios en donde marcan enormes diferencias con las bandas Punk de la época. 'Jigsaw Feeling' con sus guitarras afiladas y el marcado estilo dramático del canto de Siouxsie nos sumergen de lleno en un sonido ritual que ha evolucionado en cuestión de algunos pocos meses. No más tocar sin saber hacerlo. El tratamiento siniestro de 'Jigsaw Feeling' da paso a una de las mejores composiciones del album, 'Overground' con su notable crescendo y sonido orquestado -el disco no tiene sintetizadores- y un final mágico, de esos que te borran todas las ideas y quedas desconcertado. La siguiente, 'Carcass', es una composición de Siouxsie y su ex-guitarrista Pete Fenton que solían tocar en las presentaciones de 1977. Una canción con un mensaje algo grotesco. La primera parte del disco la cierra 'Helter Skelter', original de The Beatles para una versión muy al estilo de Siouxsie, un tanto más siniestra y con final inesperado. En general, los covers que los Banshees han hecho de viejos clásicos han sido buenos. De hecho su canción más exitosa en Reino Unido, 'Dear Prudence' (# 3 - Octubre 1983) fue un cover igualmente de un clásico de The Beatles y perteneciente al mismo album, al 'The White Album' de 1968.

La segunda parte de 'The Scream' la inicia 'Mirage', una canción ligera, de estructura algo más Pop. Muy buena por cierto. Luego continúa 'Metal Postcard (Mittageisen)', publicada como single del album (# 47 en UK en Septiembre de 1979) con su ritmo marcial y con la vocalización melodramática de Siouxsie Sioux. 'Nicotine Stain' también lleva el sello de Siouxsie con sus característicos falsetes. Las guitarras en esta canción en particular son espectaculares. El estilo vocal de Siouxsie es único e inimitable. Canciones como 'Metal Postcard' o 'Nicotine Stain' nos remontan a los primeros días de la banda, con una Siouxsie debutando en el 100 Club sin saberse del todo las letras e improvisando con rezos y poesía en 'The Lord's Prayer' por casi 20 minutos, uno de los momentos mágicos de su primera presentación y que de hecho le marcó camino. Luego de la también destacable 'Suburban Relapse' con saxo incluido y final tremendista, llega el cierre del disco y a mi entender la mejor canción del album y una de las mejores de toda su discografía, 'Switch', en donde retornan los momentos de calma con saxo atmosférico, buenos cambios, acelerones y brillante ejecución de todos los instrumentos, creando diferentes momentos y estados de ánimo en apenas algo más de seis minutos. El mensaje de la canción tal vez sea salido de alguna pesadilla de Siouxsie. De hecho Siouxsie o Susan, apenas había dejado de ser la adolescente que odiaba pertenecer a la clase burguesa y que vivía en una zona residencial en las afueras de Londres. En algo menos de tres años, la vida de Siouxsie dio un giro radical dejando atrás su mandil de camarera para convertirse en un referente generacional. Una mujer con una personalidad arrolladora y una tremenda fuerza escénica. La mujer más importante del nuevo Rock al cambio de década.

'The Scream' alcanzó la posición # 12 del chart Inglés el 2 de Diciembre de 1978 y estuvo tres meses en listas.

En Septiembre de 1979 Kenny Morris y John McKay abandonan el grupo en pleno tour. Tras cinco días de pánico, son ingresados temporalmente (para balance de fechas) un nuevo guitarrista, Robert Smith (líder de The Cure) y un nuevo batería, Budgie (ex-The Slits). El experimentado Pete Budgie sería a partir de entonces el tercer miembro permanente de los Banshees junto a Siouxsie y Severin. Terminando el tour, en Enero de 1980, Robert Smith vuelve con su banda e ingresa el guitarrista Escocés John McGeoch -la mejor formación que tuvo The Banshees- abriendo una nueva etapa en la historia de esta genial banda, pero eso forma parte de otra historia.

THE SOUND - FROM THE LIONS MOUTH (1981)

The Sound es una de esas bandas a las que llegué cuando ya había finalizado los años 80. De hecho en las revistas, fanzines y artículos de la época, apenas fueron mencionados. En los últimos años aparecieron algunas biografías y en todas se menciona que se trató de una banda injustamente relegada. Afortunadamente el Internet y el sello Renascent re-descubrieron sus discos especialmente en el 2001 que es cuando re-editan los tres primeros albums. Como sabemos, The Sound es una banda tan importante como Echo & The Bunnymen o The Chameleons.

Este 'From The Lions Mouth' es, a decir de muchos, el mejor album de esta banda del Sur de Londres liderada por Adrian Borland. 'From The Lions Mouth' fue publicado originalmente por el sello Korova el 12 de Noviembre de 1981. Pasó prácticamente desapercibido para la prensa especializada. No logró rankear en listas independientes. Este segundo album de The Sound fue producido por Hugh Jones y la banda. Hugh Jones además se hizo cargo de la ingeniería de sonido en los estudios Rockfield de Gales, apenas unas semanas después de haber producido en los mismos estudios el 'Heaven Up Here' de Echo & The Bunnymen.

'From The Lions Mouth' es un disco de contrastes, con momentos lúgubres de desesperanza y a la vez valiente, sin rendición ante las adversidades, con guitarras hirientes, punzantes, y mágicos teclados. Las atmósferas son más ensoñadoras que en el debut -Jeopardy- del año anterior. Nada más escuchar 'Winning', el tema que abre este album con un sonido más pulido. 'Sense Of Purpose' es aún mejor, todo un clásico de la banda. Postpunk de primer nivel que desborda emoción y sensibilidad y también mucha vitalidad como en 'The Fire'. 'Skeletons' es otro de los momentos brillantes del album, una canción potente con un bajo muy al estilo Joy Division pero con un sonido más colorista e igualmente enérgico. A mi gusto, la mejor del disco. Otra joya es 'New Dark Age', tema que se va armando de a pocos hasta explotar y tomar forma con guitarrazos y algunos pincelazos con el teclado y con un Borland eufórico culminando en un éxtasis brutal. Un inmejorable cierre.

Adrian Borland fue un personaje a la sombra, un tipo sensible y atormentado por la esquizofrenia de la que padecía. Caía constantemente en estados depresivos agudos, escuchaba voces e incluso ya había intentado suicidarse y había sido internado en un hospital Psiquiátrico. En los últimos años grabó seis discos solistas y se le notaba de buen ánimo, pero decidió culminar las grabaciones de su último disco sin la medicación que tenía prescrita. Borland le comentó a sus padres que las pastillas lo atontaban en exceso, y quería terminar su disco con las ideas totalmente claras. A su vez estaba aterrado de volver a ser internado. La mañana del 26 de Abril de 1999 salió de casa rumbo al estudio de grabación en Londres para terminar las grabaciones de voz. Esa misma mañana se arrojó delante de un tren del metro en la estación de Wimbledon.

El 14 de Abril del 2014, al conmemorarse 14 años de la muerte de Adrian Borland, Edsel Records publicó un Box Set sumamente recomendable con cuatro CDs, incluyendo los tres primeros albums originales [Jeopardy (1980), From The Lions Mouth (1981) y All Fall Down (1982)], además de B-Sides, rarezas, BBC Sessions y grabaciones en vivo. Todo esto acompañado con un librito de 36 páginas. Un banquete para quienes gustamos de la música de The Sound.

B-MOVIE - FOREVER RUNNING (1985)

B-Movie es una banda de Mansfield, Nottinghamshire, Inglaterra, liderada por Steve Hovington (voz). Originalmente llamados The Aborted. Luego cambian su nombre por B-Movie inspirados en una pintura de Andy Warhol del mismo nombre.

En la primera mitad de 1980 participaron en el disco 'East', recopilatorio del sello Dead Good Records. Fue la primera referencia del catálogo. Las dos canciones que incluyen en ese disco son 'Refugee' y 'Man Of A Treshold', ambas con sólo guitarras. Luego B-Movie decide agregarle a su sonido un sintetizador con el ingreso de Rick Holliday, quien además le dio un toque más New Wave a las composiciones, haciéndose cargo de la producción del primer EP 'Take Three E.P.' aparecido en Julio de 1980 en Dead Good Records. A ese primer EP en 7" y a 45RPM, le siguió otro EP en el mismo sello y en formato 12" con seis temas, en el lado A 'Nowhere Girl' en una versión algo primitiva, con guitarras, eco, Steve cantando algo despreocupado y unos teclados que son los que le daban vida por completo a la versión. Lo curioso del disco por lo inusual del asunto, es que el lado A se toca en 45RPM, y el lado B trae cinco canciones que deben girar a 33RPM, incluida 'Remembrance Day' en una versión totalmente diferente a la del album 'Forever Running', por cierto, realmente muy buena, la mejor versión. Esa joyita de EP llamado 'Nowhere Girl' lanzado en Noviembre de 1980, también incluye 'Institution Walls'.

Stevo, dueño del sello Some Bizzare y manager de los por entonces poco conocidos Soft Cell, escucharía a B-Movie por primera vez en un concierto de The The y Cabaret Voltaire. A la caza de nuevos talentos para su recién formado sello, Stevo firmaría con la banda, incluyéndolos en el primer lanzamiento de su disquera. Se trataba de un compilatorio de nuevas promesas como Depeche Mode (en el vinilo original aparecen como Depeché, con acento), los mencionados Soft Cell, The The, Blancmange y The Fast Set, entre otros. Este sampler 'Some Bizzare Album' (1981) incluye el tema de B-Movie, 'Moles', otra composición del vocalista y bajista Steve Hovington. La formación de B-Movie por entonces la completaba Rick Holliday en teclados, el talentoso Paul Statham en guitarra y Graham Boffey en batería. Luego de aquel sampler del sello, B-Movie enrrumbaría en su primera gira por Londres como teloneros de Blancmange, llamando de este modo la atención de la prensa y tras ello, empezarían a aparecer en los semanarios New Musical Express y Sounds. Stevo además organizaría un concierto en el Lyceum de Londres presentando el sampler de su sello con B-Movie, Soft Cell, Blancmange, Depeche Mode y The The en un concierto histórico ante más de 3 mil personas.

El mismo año, 1981, B-Movie editaría dos singles en Some Bizzare, el primero, 'Remembrance Day' en una remodelada versión con menos intro y que se asemeja a la que luego incluiría el album 'Forever Running'. El lado B traía un remix de 'Institution Walls'. 'Remembrance Day' con la versión de este single, logró ingresar al chart Inglés en Abril de 1981 llegando a la posición # 61. En Julio apareció en single la genial 'Marilyn Dreams', otra de las notables composiciones del vocalista Steve Hovington. Anecdóticamente, no rankeo en UK.

Lamentablemente la banda no gozó de una promoción adecuada por parte de su sello. Stevo andaba más preocupado por impulsar como manager a Soft Cell, y la fortuna que le cayó del cielo con el famoso 'Tainted Love', lo tenía como en otra dimensión seguramente. Pese a Todo, hubo un tercer intento desde Some Bizzare, esta vez remodelando otra canción de sus inicios en Dead Good Records, el himno 'Nowhere Girl' en su versión ampliamente conocida, con los golpes de la base rítmica marcadamente bailables, largo intro, vocalización mejor entonada e incorporación de una acústica y una voz femenina para un resultado más elaborado, evidentemente mejor producido y por que no decirlo, orientado a las pistas de baile. 'Nowhere Girl' fue el segundo y último single que B-Movie logró rankear en la lista general Británica, alcanzando la posición # 67 el 27 de Marzo de 1982. La versión Maxi para UK traía como lado B el tema 'Scare Some Life Into Me', en tanto la versión para USA vía Sire Records, traía como lado B 'Remembrance Day' además de una versión editada en formato radial de 'Nowhere Girl' con el intro cortado. De hecho la edición valiosa es la del maxi original Inglés con el sello de Some Bizzare y el lado B 'Scare Some Life Into Me'. Esa edición UK está catalogada entre las 100 rarezas más costosas de la New Wave. La voz femenina que aparece en 'Nowhere Girl' pertenece a una tal María, acreditada sin el apellido. La producción estuvo a cargo de Steve Brown.

Luego de una gira por Holanda, Bélgica, Francia y España, el futuro de B-Movie se tornó incierto. Some Bizzare rompió con la banda y el teclista Rick Holliday los abandonó en 1983. Poco después también lo haría el baterista Graham Boffey. Fue entonces cuando el guitarrista Paul Statham se hizo cargo del piano y los sintetizadores pasando a tener mayor importancia en la banda, pues además empezó a participar en las composiciones junto a Steve Hovington. La nueva formación de B-Movie que dio vida al siguiente single fue con Steve Hovington (voz) y Paul Statham (teclados, guitarra) como únicos miembros fundadores, y los nuevos integrantes Martin Winter (bajo) y Al Cash (batería). 'A Letter From Afar', single editado en Enero de 1984 por Sire Records, fue producido por el famoso John "Jellybean" Benitez y mezclado en los estudios Sigma Sound de New York.

'Forever Running', el primer y único album editado durante los años 80, fue grabado entre Noviembre de 1984 y Febrero de 1985 en los estudios Trident de Londres bajo la producción de Stephen Stewart-Short y la intervención de varios músicos adicionales como Tim Hammond en trompeta, Jem Benson en clarinete y saxo, Tony Lowe en guitarra, y dos bateristas, Graham Broad y Jamie Lane. Al Cash abandonó el nuevo proyecto. 'Forever Running' fue publicado el 10 de Noviembre de 1985. El disco incluye nuevas versiones de 'Nowhere Girl' y 'Remembrance Day'. 'Nowhere girl' cierra el disco y se trata de una ejecución notable de Statham en Piano que se aleja mucho de la original y más aún de la versión dance de 1982. También incluye otras buenas canciones como 'My Ship Of Dreams', 'Forever Running', 'Heart Of Gold' y mi favorita, 'Switch On-Switch Off'. Todas las nuevas composiciones fueron acreditadas a Hovington y a Paul Statham. 'Switch On-Switch Off' fue lanzada como el single del album en diferentes versiones maxi para UK y USA y con la canción 'Forever Running' en remix para USA. El single, a pesar de su gran calidad, fue un nuevo fracaso comercial. Luego de esto la banda se desintegró. En los años siguientes aparecieron algunos Maxis recogiendo algunas versiones de sus canciones más conocidas, combinando épocas y en ediciones limitadas, además de varios recopilatorios con sesiones BBC, demos, etc, como para mantener cierto status de culto.

Tras la separación definitiva de B-Movie, Steve Hovington formó una banda llamada One y grabó un album y algunos singles durante 1989. Paul Statham en tanto, se dedicó de lleno a su banda paralela Vision editando algunos singles durante los años 80 y colaborando además como co-escritor en los albums 'Love Hysteria' y 'Deep' de Peter Murphy. Algunas de las canciones más reconocidas del ex-Bauhaus llevan la firma de Statham.

Finalmente en Julio del 2013, B-Movie publicó un nuevo album con nuevas canciones, el segundo de su discografía, 'The Age Of Illusion', y el EP 'Distant Skies' con la formación original de los primeros años en Dead Good Records: Hovington, Statham, Holliday y Boffey.

VISAGE - VISAGE (1980)

Album debut de Visage, publicado el 10 de Noviembre de 1980 y producido por Midge Ure y Visage. La formación de este proyecto para este disco:

Steve Strange en voz

Billy Currie en violín y teclados (Ultravox)

John McGeoch en guitarra (Magazine, Siouxsie & The Banshees)

Midge Ure en guitarra y teclados (Ultravox, Rich Kids)

Rusty Egan en batería (Rich Kids, The Skids)

Dave Formula en teclados (Magazine)

Barry Adamson en bajo (Magazine)

Los únicos que no participaron en composición de letras y música fueron el lider, vocalista e ideólogo del proyecto, Steve Strange, y el bajista Barry Adamson, quien estuvo como músico invitado. Todos los demás integrantes colaboraron en las composiciones. Visage fue un proyecto paralelo compartido entre algunos miembros de Ultravox y Magazine con Steve Strange como líder.

Incluye 'Fade To Grey' (# 8 en UK en Marzo de 1980) compuesta por Billy Currie, Midge Ure y Chris Payne, considerado uno de los himnos más importantes de la New Romantic. Además este debut incluye otras joyas como 'Mind Of A Toy' (#13 en UK), canción que bien podría haber sido parte del 'Vienna' de Ultravox, 'Moon Over Moscow', 'Visage' (# 21 en UK) y 'Tar', entre otras. Este debut alcanzó el # 13 del UK Albums Chart en Enero de 1981 y se mantuvo rankeando 29 semanas en la lista general. Disco imprescindible.

HAROLD BUDD - SIMON RAYMONDE - ROBIN GUTHRIE - ELIZABETH FRASER - THE MOON AND THE MELODIES (1986)

'The Moon And The Melodies' es considerado erróneamente por algunos como el quinto álbum de Cocteau Twins, sin embargo se trata en realidad de una colaboración entre los miembros de Cocteau Twins y Harold Budd. Este disco fue publicado el 10 de Noviembre de 1986 y acreditado como Harold Budd, Elizabeth Fraser, Robin Guthrie, Simon Raymonde. 'The Moon And The Melodies' era pues una colaboración individualizada entre cada miembro de Cocteau Twins con el pianista de vanguardia Harold Budd, músico creativo de alto nivel, perteneciente al entorno de Brian Eno. A Budd se deben paisajes atmosféricos e instrumentales como 'Memory Gongs' con las evidentes influencias de Brian Eno. Música paisajista y minimal que dio lugar al nacimiento de la música etérea en los primeros años 80. 'Why Do You Love Me?' fue otro entramado instrumental con el piano de Budd sonando como un arpa y Guthrie creando capas con sus cuerdas. La pieza 'The Ghost Has No Come' contó con la participación del saxo de Richard Thomas (Dif Juz) y sobresalía por el concepto atmosférico de Guthrie desde el fondo, dejando en un primer plano al piano solista de Budd. Este disco fue incluso catalogado como una especie de evolución de 'Victorialand', restando importancia a Harold Budd, uno de los músicos más creativos que tuvo los años 80, quien supo rodearse de otros músicos de nivel como el mencionado Brian Eno, Daniel Lanois, Michael Brook y Laraaji entre otros. Harold Budd se ha mantenido vigente año a año editando discos durante todos los 90 hasta la actualidad.

En contraparte a las piezas instrumentales dirigidas por el talento de Budd, la edición vinilo (concepto que se pierde en el CD) se abre y cierra en cada lado con un tema vocalizado por Elizabeth Fraser, haciendo un total de cuatro temas vocales, entre ellos la notable 'Ooze Out And Away Onehow', canción que cierra el disco y en donde mejor se combinan las atmósferas de Budd con la fuerza de Cocteau Twins. 'Sea Swallow Me' en tanto, sigue la línea trazada por la banda en su álbum 'Victorialand' editado unos meses antes de la aparición de este disco. 'The Moon And The Melodies' fue editado por 4AD con un diseño de portada a cargo de 23 Envelope.