THE SOUND - FROM THE LIONS MOUTH (1981)

The Sound es una de esas bandas a las que llegué cuando ya había finalizado los años 80. De hecho en las revistas, fanzines y artículos de la época, apenas fueron mencionados. En los últimos años aparecieron algunas biografías y en todas se menciona que se trató de una banda injustamente relegada. Afortunadamente el Internet y el sello Renascent re-descubrieron sus discos especialmente en el 2001 que es cuando re-editan los tres primeros albums. Como sabemos, The Sound es una banda tan importante como Echo & The Bunnymen o The Chameleons.

Este 'From The Lions Mouth' es, a decir de muchos, el mejor album de esta banda del Sur de Londres liderada por Adrian Borland. 'From The Lions Mouth' fue publicado originalmente por el sello Korova el 12 de Noviembre de 1981. Pasó prácticamente desapercibido para la prensa especializada. No logró rankear en listas independientes. Este segundo album de The Sound fue producido por Hugh Jones y la banda. Hugh Jones además se hizo cargo de la ingeniería de sonido en los estudios Rockfield de Gales, apenas unas semanas después de haber producido en los mismos estudios el 'Heaven Up Here' de Echo & The Bunnymen.

'From The Lions Mouth' es un disco de contrastes, con momentos lúgubres de desesperanza y a la vez valiente, sin rendición ante las adversidades, con guitarras hirientes, punzantes, y mágicos teclados. Las atmósferas son más ensoñadoras que en el debut -Jeopardy- del año anterior. Nada más escuchar 'Winning', el tema que abre este album con un sonido más pulido. 'Sense Of Purpose' es aún mejor, todo un clásico de la banda. Postpunk de primer nivel que desborda emoción y sensibilidad y también mucha vitalidad como en 'The Fire'. 'Skeletons' es otro de los momentos brillantes del album, una canción potente con un bajo muy al estilo Joy Division pero con un sonido más colorista e igualmente enérgico. A mi gusto, la mejor del disco. Otra joya es 'New Dark Age', tema que se va armando de a pocos hasta explotar y tomar forma con guitarrazos y algunos pincelazos con el teclado y con un Borland eufórico culminando en un éxtasis brutal. Un inmejorable cierre.

Adrian Borland fue un personaje a la sombra, un tipo sensible y atormentado por la esquizofrenia de la que padecía. Caía constantemente en estados depresivos agudos, escuchaba voces e incluso ya había intentado suicidarse y había sido internado en un hospital Psiquiátrico. En los últimos años grabó seis discos solistas y se le notaba de buen ánimo, pero decidió culminar las grabaciones de su último disco sin la medicación que tenía prescrita. Borland le comentó a sus padres que las pastillas lo atontaban en exceso, y quería terminar su disco con las ideas totalmente claras. A su vez estaba aterrado de volver a ser internado. La mañana del 26 de Abril de 1999 salió de casa rumbo al estudio de grabación en Londres para terminar las grabaciones de voz. Esa misma mañana se arrojó delante de un tren del metro en la estación de Wimbledon.

El 14 de Abril del 2014, al conmemorarse 14 años de la muerte de Adrian Borland, Edsel Records publicó un Box Set sumamente recomendable con cuatro CDs, incluyendo los tres primeros albums originales [Jeopardy (1980), From The Lions Mouth (1981) y All Fall Down (1982)], además de B-Sides, rarezas, BBC Sessions y grabaciones en vivo. Todo esto acompañado con un librito de 36 páginas. Un banquete para quienes gustamos de la música de The Sound.

B-MOVIE - FOREVER RUNNING (1985)

B-Movie es una banda de Mansfield, Nottinghamshire, Inglaterra, liderada por Steve Hovington (voz). Originalmente llamados The Aborted. Luego cambian su nombre por B-Movie inspirados en una pintura de Andy Warhol del mismo nombre.

En la primera mitad de 1980 participaron en el disco 'East', recopilatorio del sello Dead Good Records. Fue la primera referencia del catálogo. Las dos canciones que incluyen en ese disco son 'Refugee' y 'Man Of A Treshold', ambas con sólo guitarras. Luego B-Movie decide agregarle a su sonido un sintetizador con el ingreso de Rick Holliday, quien además le dio un toque más New Wave a las composiciones, haciéndose cargo de la producción del primer EP 'Take Three E.P.' aparecido en Julio de 1980 en Dead Good Records. A ese primer EP en 7" y a 45RPM, le siguió otro EP en el mismo sello y en formato 12" con seis temas, en el lado A 'Nowhere Girl' en una versión algo primitiva, con guitarras, eco, Steve cantando algo despreocupado y unos teclados que son los que le daban vida por completo a la versión. Lo curioso del disco por lo inusual del asunto, es que el lado A se toca en 45RPM, y el lado B trae cinco canciones que deben girar a 33RPM, incluida 'Remembrance Day' en una versión totalmente diferente a la del album 'Forever Running', por cierto, realmente muy buena, la mejor versión. Esa joyita de EP llamado 'Nowhere Girl' lanzado en Noviembre de 1980, también incluye 'Institution Walls'.

Stevo, dueño del sello Some Bizzare y manager de los por entonces poco conocidos Soft Cell, escucharía a B-Movie por primera vez en un concierto de The The y Cabaret Voltaire. A la caza de nuevos talentos para su recién formado sello, Stevo firmaría con la banda, incluyéndolos en el primer lanzamiento de su disquera. Se trataba de un compilatorio de nuevas promesas como Depeche Mode (en el vinilo original aparecen como Depeché, con acento), los mencionados Soft Cell, The The, Blancmange y The Fast Set, entre otros. Este sampler 'Some Bizzare Album' (1981) incluye el tema de B-Movie, 'Moles', otra composición del vocalista y bajista Steve Hovington. La formación de B-Movie por entonces la completaba Rick Holliday en teclados, el talentoso Paul Statham en guitarra y Graham Boffey en batería. Luego de aquel sampler del sello, B-Movie enrrumbaría en su primera gira por Londres como teloneros de Blancmange, llamando de este modo la atención de la prensa y tras ello, empezarían a aparecer en los semanarios New Musical Express y Sounds. Stevo además organizaría un concierto en el Lyceum de Londres presentando el sampler de su sello con B-Movie, Soft Cell, Blancmange, Depeche Mode y The The en un concierto histórico ante más de 3 mil personas.

El mismo año, 1981, B-Movie editaría dos singles en Some Bizzare, el primero, 'Remembrance Day' en una remodelada versión con menos intro y que se asemeja a la que luego incluiría el album 'Forever Running'. El lado B traía un remix de 'Institution Walls'. 'Remembrance Day' con la versión de este single, logró ingresar al chart Inglés en Abril de 1981 llegando a la posición # 61. En Julio apareció en single la genial 'Marilyn Dreams', otra de las notables composiciones del vocalista Steve Hovington. Anecdóticamente, no rankeo en UK.

Lamentablemente la banda no gozó de una promoción adecuada por parte de su sello. Stevo andaba más preocupado por impulsar como manager a Soft Cell, y la fortuna que le cayó del cielo con el famoso 'Tainted Love', lo tenía como en otra dimensión seguramente. Pese a Todo, hubo un tercer intento desde Some Bizzare, esta vez remodelando otra canción de sus inicios en Dead Good Records, el himno 'Nowhere Girl' en su versión ampliamente conocida, con los golpes de la base rítmica marcadamente bailables, largo intro, vocalización mejor entonada e incorporación de una acústica y una voz femenina para un resultado más elaborado, evidentemente mejor producido y por que no decirlo, orientado a las pistas de baile. 'Nowhere Girl' fue el segundo y último single que B-Movie logró rankear en la lista general Británica, alcanzando la posición # 67 el 27 de Marzo de 1982. La versión Maxi para UK traía como lado B el tema 'Scare Some Life Into Me', en tanto la versión para USA vía Sire Records, traía como lado B 'Remembrance Day' además de una versión editada en formato radial de 'Nowhere Girl' con el intro cortado. De hecho la edición valiosa es la del maxi original Inglés con el sello de Some Bizzare y el lado B 'Scare Some Life Into Me'. Esa edición UK está catalogada entre las 100 rarezas más costosas de la New Wave. La voz femenina que aparece en 'Nowhere Girl' pertenece a una tal María, acreditada sin el apellido. La producción estuvo a cargo de Steve Brown.

Luego de una gira por Holanda, Bélgica, Francia y España, el futuro de B-Movie se tornó incierto. Some Bizzare rompió con la banda y el teclista Rick Holliday los abandonó en 1983. Poco después también lo haría el baterista Graham Boffey. Fue entonces cuando el guitarrista Paul Statham se hizo cargo del piano y los sintetizadores pasando a tener mayor importancia en la banda, pues además empezó a participar en las composiciones junto a Steve Hovington. La nueva formación de B-Movie que dio vida al siguiente single fue con Steve Hovington (voz) y Paul Statham (teclados, guitarra) como únicos miembros fundadores, y los nuevos integrantes Martin Winter (bajo) y Al Cash (batería). 'A Letter From Afar', single editado en Enero de 1984 por Sire Records, fue producido por el famoso John "Jellybean" Benitez y mezclado en los estudios Sigma Sound de New York.

'Forever Running', el primer y único album editado durante los años 80, fue grabado entre Noviembre de 1984 y Febrero de 1985 en los estudios Trident de Londres bajo la producción de Stephen Stewart-Short y la intervención de varios músicos adicionales como Tim Hammond en trompeta, Jem Benson en clarinete y saxo, Tony Lowe en guitarra, y dos bateristas, Graham Broad y Jamie Lane. Al Cash abandonó el nuevo proyecto. 'Forever Running' fue publicado el 10 de Noviembre de 1985. El disco incluye nuevas versiones de 'Nowhere Girl' y 'Remembrance Day'. 'Nowhere girl' cierra el disco y se trata de una ejecución notable de Statham en Piano que se aleja mucho de la original y más aún de la versión dance de 1982. También incluye otras buenas canciones como 'My Ship Of Dreams', 'Forever Running', 'Heart Of Gold' y mi favorita, 'Switch On-Switch Off'. Todas las nuevas composiciones fueron acreditadas a Hovington y a Paul Statham. 'Switch On-Switch Off' fue lanzada como el single del album en diferentes versiones maxi para UK y USA y con la canción 'Forever Running' en remix para USA. El single, a pesar de su gran calidad, fue un nuevo fracaso comercial. Luego de esto la banda se desintegró. En los años siguientes aparecieron algunos Maxis recogiendo algunas versiones de sus canciones más conocidas, combinando épocas y en ediciones limitadas, además de varios recopilatorios con sesiones BBC, demos, etc, como para mantener cierto status de culto.

Tras la separación definitiva de B-Movie, Steve Hovington formó una banda llamada One y grabó un album y algunos singles durante 1989. Paul Statham en tanto, se dedicó de lleno a su banda paralela Vision editando algunos singles durante los años 80 y colaborando además como co-escritor en los albums 'Love Hysteria' y 'Deep' de Peter Murphy. Algunas de las canciones más reconocidas del ex-Bauhaus llevan la firma de Statham.

Finalmente en Julio del 2013, B-Movie publicó un nuevo album con nuevas canciones, el segundo de su discografía, 'The Age Of Illusion', y el EP 'Distant Skies' con la formación original de los primeros años en Dead Good Records: Hovington, Statham, Holliday y Boffey.

VISAGE - VISAGE (1980)

Album debut de Visage, publicado el 10 de Noviembre de 1980 y producido por Midge Ure y Visage. La formación de este proyecto para este disco:

Steve Strange en voz

Billy Currie en violín y teclados (Ultravox)

John McGeoch en guitarra (Magazine, Siouxsie & The Banshees)

Midge Ure en guitarra y teclados (Ultravox, Rich Kids)

Rusty Egan en batería (Rich Kids, The Skids)

Dave Formula en teclados (Magazine)

Barry Adamson en bajo (Magazine)

Los únicos que no participaron en composición de letras y música fueron el lider, vocalista e ideólogo del proyecto, Steve Strange, y el bajista Barry Adamson, quien estuvo como músico invitado. Todos los demás integrantes colaboraron en las composiciones. Visage fue un proyecto paralelo compartido entre algunos miembros de Ultravox y Magazine con Steve Strange como líder.

Incluye 'Fade To Grey' (# 8 en UK en Marzo de 1980) compuesta por Billy Currie, Midge Ure y Chris Payne, considerado uno de los himnos más importantes de la New Romantic. Además este debut incluye otras joyas como 'Mind Of A Toy' (#13 en UK), canción que bien podría haber sido parte del 'Vienna' de Ultravox, 'Moon Over Moscow', 'Visage' (# 21 en UK) y 'Tar', entre otras. Este debut alcanzó el # 13 del UK Albums Chart en Enero de 1981 y se mantuvo rankeando 29 semanas en la lista general. Disco imprescindible.

HAROLD BUDD - SIMON RAYMONDE - ROBIN GUTHRIE - ELIZABETH FRASER - THE MOON AND THE MELODIES (1986)

'The Moon And The Melodies' es considerado erróneamente por algunos como el quinto álbum de Cocteau Twins, sin embargo se trata en realidad de una colaboración entre los miembros de Cocteau Twins y Harold Budd. Este disco fue publicado el 10 de Noviembre de 1986 y acreditado como Harold Budd, Elizabeth Fraser, Robin Guthrie, Simon Raymonde. 'The Moon And The Melodies' era pues una colaboración individualizada entre cada miembro de Cocteau Twins con el pianista de vanguardia Harold Budd, músico creativo de alto nivel, perteneciente al entorno de Brian Eno. A Budd se deben paisajes atmosféricos e instrumentales como 'Memory Gongs' con las evidentes influencias de Brian Eno. Música paisajista y minimal que dio lugar al nacimiento de la música etérea en los primeros años 80. 'Why Do You Love Me?' fue otro entramado instrumental con el piano de Budd sonando como un arpa y Guthrie creando capas con sus cuerdas. La pieza 'The Ghost Has No Come' contó con la participación del saxo de Richard Thomas (Dif Juz) y sobresalía por el concepto atmosférico de Guthrie desde el fondo, dejando en un primer plano al piano solista de Budd. Este disco fue incluso catalogado como una especie de evolución de 'Victorialand', restando importancia a Harold Budd, uno de los músicos más creativos que tuvo los años 80, quien supo rodearse de otros músicos de nivel como el mencionado Brian Eno, Daniel Lanois, Michael Brook y Laraaji entre otros. Harold Budd se ha mantenido vigente año a año editando discos durante todos los 90 hasta la actualidad.

En contraparte a las piezas instrumentales dirigidas por el talento de Budd, la edición vinilo (concepto que se pierde en el CD) se abre y cierra en cada lado con un tema vocalizado por Elizabeth Fraser, haciendo un total de cuatro temas vocales, entre ellos la notable 'Ooze Out And Away Onehow', canción que cierra el disco y en donde mejor se combinan las atmósferas de Budd con la fuerza de Cocteau Twins. 'Sea Swallow Me' en tanto, sigue la línea trazada por la banda en su álbum 'Victorialand' editado unos meses antes de la aparición de este disco. 'The Moon And The Melodies' fue editado por 4AD con un diseño de portada a cargo de 23 Envelope.

ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK - ARCHITECTURE & MORALITY (1981)

Tercer album de OMD considerado por muchos como el mejor de todos. 'Architecture & Morality' fue editado el 8 de Noviembre de 1981, un disco emocional y a la vez experimental, algo muy poco común en los discos Techno Pop de 1981-82 los cuales solían tener mayor predisposición por el sonido bailable. 'Architecture & Morality' en cambio, es un disco que puede sonar Pop como a la vez atmosférico, y es considerado su primer trabajo conceptual. Con este tercer disco producido por Richard Manwaring y la banda, alcanzaron el # 3 en el album chart de UK. 'Architecture & Morality' fue el disco de OMD de mayor popularidad y reconocimiento en UK durante la década de los 80. Los tres singles extraídos de este album fueron Top 5 en UK, la notable 'Souvenir' (# 3 en Agosto de 1981), 'Joan Of Arc' (# 5 en Octubre) y 'Maid Of Orleans (The Waltz Joan Of Arc)' (# 4 en Enero de 1982). El éxito de 'Architecture & Morality' en Inglaterra, jamás fue igualado en los posteriores discos de OMD. Lo mejor de todo, se trataba de un buen disco, con buenas canciones y sobresaliente producción, realizado con un concepto algo más artístico, sin canciones gancho y muchos rellenos, sino más bien, como una obra integral.

McCluskey, Humphreys, Holmes y Cooper, ya establecidos como la formación clásica de las Maniobras Orquestales En La Oscuridad, venían de editar un oscuro y moderadamente experimental segundo disco ('Organisation', 1980), el cual tuvo una gran aceptación debido al éxito del single 'Enola gay'. 'Architecture & Morality' fue el disco definitivo de la consagración a nivel Europeo con tres buenos singles, además de otras canciones igualmente notables como el clásico de culto 'Georgia' o 'She's Leaving'. 'The New Stone Age' le ponía la cuota de oscuridad y hasta de agresividad. 'Sealand' en tanto, con sus casi ocho minutos de genialidad, nos recordaba al 'Stanlow' del disco predecesor. Se trataba de una canción aún más lograda. 'Joan Of Arc' tenía un carácter de ensoñación casi infantil, repleto de inocencia por los efectos sonoros y el sentimiento de Andy McCluskey al interpretarla. La segunda parte de este tema, 'Maid Of Orleans', una de sus canciones más emotivas de todos los tiempos, terminaba en un in crescendo de intensidad brutal y que unido a 'Joan Of Arc', conformaba una notable parte central del disco. 'Joan Of Arc (Maid Of Orleans)' fue escrita por Andy McCluskey el 30 de Mayo de 1981, día del 550 aniversario de la muerte de Juana de Arco, con sólo ocho líneas de texto -casi un tema instrumental- y con una melodía de gaita sintetizada tocada en el Mellotron, la misma que los llevó hacia un espectacular éxito en varios países de Europa.

Por cierto, otro de los valiosos aportes de 'Architecture & Morality' en el sonido de OMD, fue el uso del Mellotron, un teclado que incorpora una serie de cintas pre-grabadas y que se asociaba más con las bandas de Rock progresivo y sinfónico de la década de los 70 y no con el Techno-Pop de los años 80. Disco imprescindible.

SIOUXSIE & THE BANSHEES - A KISS IN THE DREAMHOUSE (1982)

Siouxsie & The Banshees es una de las bandas de las cuales disfrute a plenitud especialmente durante la segunda mitad de los años 80. Fue en esos años cuando profundicé en su discografía llegando a considerarlos por algún tiempo 'la mejor banda de la década'. De hecho el primer artículo que escribí en Diciembre de 1988 fue dedicado a ellos y este 'A Kiss In The Dreamhouse', es sin duda una pieza clave en toda la discografía de los Banshees.

La mejor época de Siouxsie & The Banshees sucedió entre Enero de 1980 y Diciembre de 1982. En esos tres años, la banda grabó su trilogía fundamental: 'Kaleidoscope' (1980), 'Ju Ju' (1981) y 'A Kiss In The Dreamhouse' (1982). Estas tres obras maestras fueron concebidas con el guitarrista Escocés John McGeoch, quien ingresó en los Banshees en Enero de 1980 completando la mejor formación que tuvo la banda.

Además de los tres discos mencionados, en Octubre de 1981 Siouxsie Sioux y el baterista Budgie empezaron juntos un proyecto paralelo llamado The Creatures con un sonido más experimental, exótico y tribal. En Diciembre además publicaron un album recopilatorio llamado 'Once Upon A Time - The Singles', reuniendo las caras A de sus 10 primeros singles. Esta recopilación también fue editada en video VHS.

En Mayo de 1982 llegan al # 22 del chart Inglés con el single 'Fireworks', una canción que no aparecería en 'A Kiss In The Dreamhouse', pero que nos daría pistas de lo que la banda plasmaría en el album. Los propios Banshees comentarían en una entrevista de la época que 'Fireworks' marcaba la dirección del sonido del nuevo album.

'A Kiss In The Dreamhouse' fue grabado en los estudios Playground y Abbey Road (Studio 2) entre Junio y Agosto de 1982. Fue publicado el 5 de Noviembre y alcanzó la posición # 11 del UK Albums Chart, rankeando durante once semanas consecutivas. Este quinto album fue producido por la banda y con Mike Hedges como ingeniero de sonido. En la portada se aprecia a Siouxsie aproximándose a un espejo casi al punto de besarlo mientras el resto de los Banshees duermen entre símbolos Egipcios y pirámides. En la contraportada Siouxsie también cae en un sueño profundo.

'A Kiss In The Dreamhouse' incluye las primeras grabaciones con cuerdas de acompañamiento, además de violines, cello, campanas, armónica y teclados, y por supuesto, una de las bases rítmicas más notables de los años 80 con Steve Severin al bajo y el aguerrido Budgie en percusión. Los arreglos con ese concepto orquestal que caracteriza este disco, son verdaderamente notables. El estilo de guitarra con delays y flangers de John McGeoch y su arte arpegiando, definiría el sonido Banshee en los años siguientes. Siouxsie en tanto, se muestra muy cambiante, dulce, sensual, agresiva con su único e inimitable estilo de cantar. Qué duda cabe, 'A Kiss In The Dreamhouse' es una obra majestuosa.

La notable 'Cascade', uno de los grandes clásicos de culto de los Banshees, es la encargada de abrir este disco. Algo más de 4 minutos de energía pura y siniestra. 'Green Fingers' nos recuerda un tanto el sonido de The Cure del año siguiente. De hecho las dos temporadas que pasó Robert Smith como un Banshee, no fueron en vano. Algo de ellos quedó con él. Otro momento especialmente bueno de la primera parte del disco es 'Circle', una canción con un sonido circular que va tomando cuerpo con el correr de los minutos y que tiene muchos detalles. Insisto, la presencia de John McGeoch en la banda fue fundamental. En este disco se incorporan sonidos y arreglos que nunca fueron igualados en discos posteriores y 'Circle' es precisamente un perfecto ejemplo. La segunda parte se abre con la canción más bella del album, 'Melt!', elegida como single. Llegó al # 49 del chart Inglés en Diciembre de ese año. Algunos años después, The Mission grabaría 'Stay With Me' con una base rítmica sospechosamente similar al 'Melt!' de los Banshees. 'Painted Bird' es otro de los temas especialmente memorables de este disco. Por último, 'Slowdive', también elegida como single, con sonido algo más comercial y juguetón, violines, armónica y melodía pegadiza, hacen de este single una delicia.

En el mejor momento de la gira promocional del album, John McGeoch sufrió un colapso en el escenario debido al estrés y a la adicción al alcohol. Fue internado en un hospital Psiquiátrico para su recuperación. Robert Smith volvería por segunda vez a ayudar a los Banshees a concluir la gira, ya lo había hecho antes hacia fines de 1979, precisamente antes del ingreso de McGeoch a la banda. Robert Smith se acabaría incorporando temporalmente como miembro estable. La salida de McGeoch cerró la mejor etapa de experimentación de los Banshees.

HAPPY MONDAYS - PILLS 'N' THRILLS AND BELLYACHES (1990)

Al finalizar la década de los 80 y primeros 90, Manchester fue el punto neurálgico de la nueva Psicodelia Británica. Bandas como Happy Mondays contribuyeron a su existencia. La llegada del Acid House, el éxtasis, y la enfebrecida pasión por el baile en las innumerables manifestaciones Rave, instauró la Club Culture y los nuevos ritmos teñidos de ácido y Neo-Psicodelia. La Scallydelia fue producto de ello, con la incorporación de bases House, ritmos quebrados y guitarras con Wha-Wha.

'Pills 'n' Thrills And Bellyaches' fue la obra cumbre de Shaun Ryder y su banda. El nombre Happy Mondays fue una especie de homenaje al famoso 'Blue Monday' de New Order. A su vez, los lunes felices también contribuirían con otro nombre: Madchester, tomado del EP 'Madchester Rave On' (1989), nombre que marcaría la partida de nacimiento oficial del histórico movimiento contra-cultural apodado Madchester.

Luego de media docena de EPs publicados entre 1985 y 1989, con clásicos como '24 Hour Party People' (1987), 'Wrote For Luck' (1988), 'Hallelujah' (1989), además de dos albums, 'Squirrel And G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out)' (Abril 1987, producido por el ex-Velvet Underground, John Cale) y 'Bummed' (Noviembre 1988, producido por el productor de Joy Division, Martin Hannett), aparece en Noviembre de 1990 'Pills 'n' Thrills And Bellyaches' producido por el famoso Paul Oakenfold y Steve Osborne para un resultado sorprendente, no tan retro como The Stone Roses ni pretencioso como el U2 de esos años.

Este tercer album incluía la canción más exitosa de Happy Mondays, 'Step On', original de John Kongos ('He's gonna step on you again', 1972) con la cual llegan al # 5 del UK Singles Chart. También la genial 'Kinky Afro' (igualmente # 5 en la lista general de UK y # 1 en el Modern Rock Tracks de USA), 'Dennis And Lois', 'God's Cop' y 'Loose Fit', entre otras. 'Pills 'n' Thrills And Bellyaches' alcanzó el # 4 del UK Albums Chart. Un disco de Rock y Funk teñido de ácido que marcó una época de grandes cambios generacionales en la música.

MY BLOODY VALENTINE - LOVELESS (1991)

A decir de muchos, 'Loveless' no es sólo el mejor album publicado en los años 90, sino que además se trata de uno de los más influyentes de la historia y es que pocos discos tienen la capacidad de cambiar radicalmente la concepción de la música escuchada hasta entonces.

La publicación de 'Loveless' fue precedida por dos EPs formando una trilogía conceptual, como ya lo habían hecho en 1988 con 'Isn't Anything' y los EPs 'You Made Me Realise', 'Feed Me With Your Kiss'. Esta vez, el primero de ellos, 'Glider EP', representó el eslabón intermedio en la evolución de la cadena 'Isn’t Anything' (1988) / 'Loveless' (1991).

'Glider' apareció en el mes de Abril de 1990 con un arte provocador y sugerente, tanto como su contenido. 'Soon' llegó a las pistas de baile de toda Europa con su base rítmica secuenciada, sumamente bailable, y samples de guitarras superpuestas en donde la voz también sampleada de Bilinda, fue usada como un instrumento más en la musicalización. Lo particular de la canción fue la ausencia de coros / estribillos, reemplazando éstos por secuencias instrumentales repetitivas (loops), haciéndose interminables hacia el final. El tema 'Glider' fue algo más sencillo pero igualmente innovador e influencial pues se trataba de una melodía hecha con loops de guitarras al revés y sonidos cada vez más estridentes. 'Don’t Ask Why' lograba con éxito interminables ataques neuróticos de electricidad punzante. Por último 'Off Your Face' era una canción fácilmente paladeable con una melodía preciosista. Simultáneamente fue también lanzado el 12” 'Glider Remix' con una remezcla de 'Soon' orientada aún más a las pistas de baile y remezclada por Andrew Weatheral. Al reverso se incluía una versión mucho más prolongada del tema 'Glider'. Pero sus dos trabajos más complejos y ambiciosos aparecerían en 1991.

El EP 'Tremolo' llegó a las tiendas en Febrero de 1991, en tanto, el extraordinario album 'Loveless' en Noviembre, ambos con portadas en rojo intenso. Con ellos, My Bloody Valentine llegó a la cúspide de su carrera.

'Tremolo' se iniciaba con 'To Here Knows When' con capas de guitarras formando una a una melodías emergentes del ruido (una constante en su estilo), frotando cuerdas como violín e incluso pasándolas al revés. Todo un trabajo de orfebrería y con ausencia de base rítmica. En 'Swallow' resaltaba una vez más la voz sampleada de Bilinda, la misma que era usada imitando a una flauta y generaba una melodía oriental acompañada por percusiones exóticas. 'Honey Power' fue la pieza potente del disco, en donde la voz se transformaba en guitarra y era incorporada en la sección de cuerdas como un instrumento más, al estilo de la Psicodelia Germana de los primeros 70.

El album 'Loveless' publicado el 4 de Noviembre de 1991, daba inicio con 'Only Shallow' y su explosión de watios y electricidad, convirtiendo el caos en orden y la agresión en arte, atacando hermosas texturas con punzantes cambios. La participación en las voces de Bilinda Butcher fue aún más frecuente y sobresaliente, dotando a las composiciones de una atmósfera de melancolía y espiritualidad que trasciende a este mundo. Las impresionistas melodías de 'Loveless' dejaron entrever la influencial coloración sónica de los míticos Cocteau Twins.

'Blown A Wish' fue un trabajo repleto de voces sampleadas y bases sumergidas. Algo que ciertamente venían haciendo con anterioridad, aunque para el 'Loveless' con mayor relevancia técnica. El album contó con la participación de 16 ingenieros de sonido. Entre ellos, Alan Moulder y Guy Fixsen (éste último, productor de Moonshake y futuro cerebro en Laika) consiguieron un resultado asombroso. Los temas 'I Only Said' y 'Come In Alone' poseían una característica en común, la misma que sería una constante para muchas bandas de la época, sumergiendo la base rítmica y resaltando de la estructura ruido elaborado con incontables capas de guitarra, finales desquiciadamente repetitivos y voces susurrantes como en 'When You Sleep', en donde la voz de Bilinda y Kevin se fusionaban como una sola.

Algunos retazos instrumentales sobrantes de las grabaciones, fueron aprovechados para unir las canciones, otorgándole un carácter aún más conceptual. 'Loveless' denotó todo un trabajo de minucioso barroquismo que redefinió los conceptos del Rock, cimentando la base de la escena avantgarde Británica de los primeros años 90. La del Shoegaze claro está: Slowdive, Pale Saints, Chapterhouse, Ecstasy Of Saint Theresa, Stereolab, Closedown, Ride, Lush, Curve y tantos otros, entendieron a su modo el fenómeno del ruido, llevándolo al plano artístico de forma más inteligente que el de los artistas impuestos por la industria y la moda, aquellos llamados Alternativos, quienes predominaron en rankings y medios de difusión durante los años 90, entorpeciendo la labor de propuestas más innovadoras e indesgastables. 'Loveless' marcó un antes y un después en la música. Tras 24 años desde su publicación, sigue sonando a vanguardia pura.

BAUHAUS - IN THE FLAT FIELD (1980)

"No fue la canción de Bowie, ni el cabello anaranjado y puntiagudo. Fue el momento en que el brazo de Bowie cubrió lánguidamente los hombros de su guitarrista Mick Ronson. Yo tenía 15 años y no podía creer lo que había visto. Al día siguiente fui al centro con mi papá, y temblaba cuando compré el disco, porque sabía que cambiaría mi vida y no estaba seguro si quería hacerlo" - Daniel Ash

Los orígenes de Bauhaus se remontan a las convulsionadas épocas del Punk-Rock en Reino Unido. Los integrantes procedían de Northampton: Daniel Ash (guitarra, voz) y los hermanos Haskins, Kevin (batería) y David "J" (bajo, voz). Empezaron como trío bajo el nombre de The Craze. Lo que hacían en aquellos días era básicamente Punk. Con la llegada de Peter Murphy (voz), también llegaría el nuevo apelativo, Bauhaus 1919 -nombre tomado del movimiento artístico Germano- debutando finalmente con el abreviado de Bauhaus, el 31 de Diciembre de 1978 en un pub de Wellingborough, UK.

"Algo que pudo favorecernos era que vivíamos en un lugar no tan cercano a Londres (Northampton): por ende no se notaban las influencias de esa escena. Entonces, el influjo creativo no estaba presente, estaba todo por ser hecho... También nos daba mucha idea de lo que pasaba, el programa de radio de John Peel en la BBC, donde presentaba grupos nuevos todo el tiempo... No estuve muy interesado en el Punk; creo que rescato más el hecho de ese espíritu de poder acudir a la música, de tocar y hacer cosas, sin necesariamente tener una preparación o ciertas habilidades para ello... Yo personalmente escuchaba a T Rex, a Brian Eno y sus diferentes etapas, a David Bowie y eso me permitía adentrarme en esos sonidos. Pero no puedo desconocer que hubo además influencia de gente como Rolling Stones o The Beatles o hasta Everly Brothers" - Peter Murphy

Bauhaus se convirtió con la crítica en su contra, en la banda líder del por entonces nuevo movimiento musical Dark-Gothic Rock demostrando que la crítica es falible y que las inclinaciones cambian. Sus influencias fueron básicamente las del Glam-Rock Inglés de los primeros años 70: Marc Bolan, Bowie y el Roxy Music de la etapa con Brian Eno. De hecho esa huella quedó registrada en sus discos, donde les rindieron tributo mediante re-lecturas (covers) de viejos clásicos. Su sonido también denotaba deudas con la Velvet Underground y mucha de la agresividad y oscura modernidad After Punk. Las presentaciones eran impactantes, no sólo por sus buenos performances sino, también por la imagen que proyectaban. Tanto el maquillaje exuberante, los peinados heredados de los Bromley Contingent, como las vestimentas y los movimientos calculados de Murphy, marcados por los shows teatrales de Bowie y su camaleónica ambigüedad espacial, los convirtieron en un grupo de músicos expresándose a través de la teatralidad, en comunión con la innovación estético-musical.

Murphy parecía emular la espectacularidad de Iggy Pop, inclusive luciendo como él, aunque sin llegar a tales grados de locura. Daniel Ash se sentía identificado con la irreverencia de los New York Dolls, con su apariencia andrógina y provocadora. David Jay en tanto, lucía sobriamente tras sus gafas oscuras, tal y como lo hiciera tiempo atrás Lou Reed en épocas de la Velvet Underground.

Agosto de 1979 fue la fecha del debut discográfico en la pequeña independiente Small Wonder Records de Londres. El disco en cuestión era el 12” single 'Bela Lugosi’s Dead', un himno de la escena Gótica con sus más de nueve minutos de cuerdas chirriantes y reverberadas, profundas líneas de bajo y enfermiza secuenciación rítmica. Luego de aquel histórico debut, Bauhaus graba tres 7" singles y el primer album 'In The Flat Field' para la naciente discográfica 4AD. El primero de los singles fue 'Dark Entries' (Enero 1980) con su violencia rítmica de estribillo pegadizo y chirridos de guitarras.

"Llegamos a 4AD luego de haber grabado un sencillo con un pequeño sello llamado Small Wonder. El sello estaba naciendo bajo el nombre de Axis, y fuimos de las primeras bandas en grabar allí. Hubo un asunto legal debido a que otro sello tenía ese mismo nombre y así fue surgiendo el sello 4AD... Recuerdo que al principio Peter Kent nos llevó, pero Ivo no estaba tan seguro de ficharnos. Luego de eso, Peter se separó e Ivo quedó al frente del nuevo sello. Ahora el reto era más grande, inclusive firmamos por cuatro discos, porque él veía el potencial... Luego el fenómeno se hizo más grande. Me refiero a que comenzamos a salir de gira; estuvimos en distintos escenarios y nos pedían más cosas. Así que nos sugirieron pasar a un sello con una estructura más grande. Y fue así como pasamos a Beggars Banquet... De todos modos, si reconozco que el paso por el sello 4AD fue importante, como experiencia y como medio para tener más proyección" - Peter Murphy

Luego del single 'Terror Couple Kill Colonel' (Junio 1980), el primero en ingresar al chart independiente, y de su tour inaugural por los Estados Unidos en Septiembre, aparece finalmente el esperado primer album.

'In The Flat Field' fue grabado en los Southern Studios de Londres bajo la producción de la propia banda y con Tony Cook como ingeniero de sonido. Publicado el 3 de Noviembre de 1980, se mantuvo dos semanas en el tope del Indie chart. También ingresó a la lista general Británica (# 72).

Del disco sobresalen especialmente las piezas más contundentes y agresoras como 'Stigmata Martyr', la genial 'In The Flat Field' y 'St. Vitus Dance' en donde las improvisaciones ruidistas de Daniel Ash y la vocalización melodramática de Murphy, marcan el sello distintivo del estilo Bauhaus. Un estilo altamente influencial para la naciente escena Oscura. 'Double Dare', 'A God In An Alcove' y 'The Spy In The Cab' son igualmente agresivas, aunque más minimales y a medio tiempo. Ésta última, la crujiente 'The Spy In The Cab' es otro de los picos altos de este disco debut. Peter Murphy suena realmente brillante.

La despedida a 4AD fue con el single 'Telegram Sam' (Diciembre 1980), cover de los T Rex de Marc Bolan. Como lado B traía 'Rosegarden Funeral Of Sores', original de John Cale, el ex-Velvet Underground.

'In The Flat Field', ademas de ser uno de los mejores discos debut de los años 80, es una pieza clave, fundamental para el desarrollo de la escena Dark-Gothic Rock.

BC GILBERT & G LEWIS - 3R4 (1980)

Tras la separación temporal de Wire a fines de 1979, los cuatro miembros fundadores tomaron diferentes caminos, Robert Gotobed (batería) se perdió durante algunos años sin ninguna actividad musical relevante, Colin Newman (vocales y sintetizador) prosiguió como solista grabando algunos discos notables, en tanto los dos miembros restantes de Wire, Graham Lewis (bajo) y Bruce C. Gilbert (guitarra), formaron el dúo CUPOL, nombre bajo el cual se registró en Julio de 1980 un 12” para la 4AD con dos experimentos de vanguardia minimalista, destacando sobremanera la extensa pieza de 20 minutos denominada 'Kluba Cupol'.

En el mismo año, apareció este disco 3R4 acreditado a BC GILBERT & G LEWIS simplemente. Se trataba de un disco de electrónica experimental con 4 tracks, dos de ellos en extremo cortos (usados como intro para cada lado del vinilo, de apenas algo más de un minuto), y los otros dos en extremo extensos, 17 y 20 minutos. Un disco visionario que se adelantó a su época, lleno de detalles, y en donde conjugaron el minimalismo con el maximalismo. De hecho Gilbert & Lewis tuvieron una muy prolífica obra entre 1980 y 1983 principalmente, grabando discos muy influyentes que sirvieron de base para muchos músicos experimentales de principios de los años 90. Las raíces del Post-Rock, Aislacionismo y Rock Océanico también se encuentran aquí. Difícil "retacear" algún track en particular debido a lo conceptual de la obra.