MOONSHAKE - EVA LUNA (1992)

En los años 80, discográficas independientes como 4AD y Creation Records, dieron cabida a muchas bandas ignoradas por la Industria Musical principal. Estos sellos, más que simples discográficas fueron una auténtica expresión artística, ocupándose no sólo de fichar a músicos arriesgados y vanguardistas, sino que buscaron identidad también a través de la estética de sus 'productos', meticulosos y muy innovadores en diseño (cubiertas de discos, video-clips promocionales y hasta en afiches). Independientes como las mencionadas, instauraron una nueva, innovadora e influyente forma de impulsar el arte a través de la música, y también de su estética, con estrategias en los que los diseños evitaban los datos sobre el contenido del disco (como en el caso 4AD), destacando de las portadas el arte en sí, en tanto, los créditos y títulos, en la mayoría de los casos aparecían prácticamente diminutos y algunas veces confusos, provocando la curiosidad del público. Algo de publicidad adecuada, jugueteando con lo anónimo, redondeaba el concepto. Qué duda cabe, marcaron escuela para otros sellos en el futuro próximo.

La independiente Londinense Too Pure fue de hecho una de las discográficas más notables e influyentes de los años 90. Formada por Richard Roberts y Paul Cox en 1990 se inició como un pequeño sello experimental dando cabida a una nueva camada de músicos con nuevas ideas. Too Pure atravesó por problemas financieros. El propio Ivo Watts-Russell (fundador de 4AD) contribuyó con una inyección de efectivo por la compra de una tercera parte de la empresa. Esto le permitió a Too Pure continuar y crecer, y ciertamente, para hacer historia. Bandas como Stereolab, Seefeel, Pram, Laika, Mouse On Mars, PJ Harvey, Th' Faith Healers, Seely, Scala y por supuesto, Moonshake, le dieron color con música de calidad a una década infestada de música alternativa y Grunge. Muchos de los grupos mencionados fueron llamados Post-Rock, debido a que utilizaron instrumentación de Rock en otros lenguajes, desmarcándose de todo canon clásico.

Moonshake tomó su nombre prestado de una genial canción de CAN, incluida en el album 'Future Days' (1973). Esta banda de Londres fue liderada por David Callahan (voz, samplers, guitarras) y co-liderada por Margaret Fiedler (voz, guitarras y samplers). La primera formación también contó con John Frenett (bajo) y Miguel "Mig" Moreland (batería, percusión).

David Callahan había pertenecido a una banda Indie llamada The Wolfhounds entre 1986 y 1990. También había hecho tareas de producción para McCarthy, la banda de Tim Gane y Laetitia Sadier de Stereolab.

Moonshake tuvo su período de existencia entre 1991 y 1997. Margaret Fiedler y John Frennett abandonarían el proyecto en 1993 para dar vida a otra banda fundamental de los años 90, Laika, junto a Guy Fixsen, uno de los ingenieros de sonido de 'Loveless' (My Bloody Valentine). Precisamente Fixsen y Moonshake producirían el primer lanzamiento de la banda, 'First EP', publicado en Creation Records en Mayo de 1991, el mismo que incluía cuatro reveladoras canciones, entre ellas ‘Hanging’ y la notable 'Gravity' con una marcada influencia Shoegaze, específicamente My Bloody Valentine. En 'Gravity', Margaret Fiedler nos sorprendía con su voz susurrante y dulce. Desde el arranque, Moonshake combinó hermosas texturas, ruido, percusión Jazzeada e hipnóticos paisajes Krautrock. Elementos de Breakbeat, Dub y Psicodelia también fueron una constante en el particular sonido de la banda. Las cuatro canciones fueron vocalizadas por Margaret Fiedler, quien además se hizo cargo de parte de las composiciones. De hecho la mejor etapa de Moonshake fue entre 1991 y 1993 con la formación original.

Luego del EP debut en Creation Records, firmaron con Too Pure. El lanzamiento del primer album ‘Eva Luna’ fue precedido por dos singles, el primero, ‘Secondhand Clothes’ con ‘Blister’ y ‘Drop In The Ocean’ como lados B, tres joyas de su discografía grabadas en Londres en Diciembre de 1991 e igualmente producidas por Guy Fixsen y la banda, y el segundo, ‘Beautiful Pigeon’, grabado en Londres en Julio de 1992 bajo la misma producción.

Finalmente el álbum ‘Eva Luna’, publicado el 26 de Octubre de 1992, contó con la colaboración de dos miembros adicionales, Yvette Lacey (flauta) y Terry Edwards (saxo, trompeta). Fue grabado en los estudios Protocol de Londres en Agosto de 1992 siempre con Fixsen como eficaz productor. Los picos del álbum los marcan ‘City Poison’, ‘Sweetheart’, ‘Beautiful Pigeon’, ‘Spaceship Earth’ y ‘Tar Baby’. La edición para USA además incluía las tres geniales canciones del segundo single ‘Secondhand Clothes’. 'Eva Luna', sin duda es un disco que reúne la belleza y la violencia a partes iguales, contrastando las voces de Margaret Fiedler y David Callahan, con instrumentación de buen nivel envuelta en letras con imágenes lúcidas, ruido de guitarras, bajos ondulantes, inteligentes bases electrónicas e instrumentos de viento conjugados de manera única. Una pesadilla de la que no querrás despertar jamás, eso es ‘Eva Luna’.

SWANS - THE BURNING WORLD (1989)

En los primeros años como banda, la música de Swans estuvo notoriamente predominada por la personalidad de Michael Gira, sin embargo, el floreciente talento de su compañera en la banda y en la vida, Jarboe, sería la causa de la formación de un proyecto paralelo (entre Gira y su musa) llamado SKIN.

Skin tuvo un corto período de existencia (1986-88), el cual sirvió para dar cabida a la otra estela creativa, mucho más rica en armonía que no encajaba en la propuesta de los iniciales Swans. Es posible que la influencia de Jarboe sobre Gira haya sido la razón del cambio en el sonido de la banda a partir de CHILDREN OF GOD (1987), un disco mucho más lírico e inclusive religioso pero, sobre todo, profundamente melódico y místico, donde Gira, por fin, logró encontrar su equilibrio, renaciendo musical y espiritualmente. Fue grabado por el trío básico, Michael Gira-Jarboe-Norman Westberg, además de Algis Kizys (bajo) y Theodore Parsons (batería).

THE BURNING WORLD (1989) no contó con la participación de estos dos últimos miembros. Es a partir de entonces que los Swans se quedaron permanentemente como un trío, aunque con músicos de apoyo como Shankar y Fred Frith en violines, o Bill Laswell en bajo, quien a la vez se hizo cargo de la producción del disco. El trabajo fue una profundización estilística del anterior. Reincidía en las partes melódicas, sin abandonar la violencia y la oscuridad de sus inicios. Casi un lamento gótico, en donde la participación de Jarboe fue cada vez más imprescindible. Esa segunda etapa se prolongó hasta 1997, año de la lamentable separación de los Cisnes, quienes afortunadamente nos dejaron una gran herencia.

Los mejores momentos de The Burning World: 'Saved', 'Can't Find My Way Home', 'Mona Lisa Mother Earth' y 'The River That Runs With Love Won't Run Dry'.

'Saved' Fue la canción con la cual conocí a esta banda, banda en ocasiones creadora de música enfermiza y brutal, y en otras de música bella, muy atmosférica. Sin duda, la combinación de ambas personalidades, la de Michael Gira y la de Jarboe, provocan ese tipo de genialidades. 'Saved' llegó al # 28 del Modern Rock Tracks de USA y al # 96 del UK Singles Chart. El album vendió 5 mil copias en Reino Unido. La bonita portada que lo ilustra pertenece al conocido fotógrafo Robert Mapplethorpe, quien graficó la escena New Wave de USA desde los inicios. Otras de sus portadas famosas fueron realizadas para gente como Patti Smith y Television.

MY BLOODY VALENTINE - ECSTASY (1987) / ECSTASY AND WINE (1989)

En Febrero de 1989, tras el reconocimiento de My Bloody Valentine con el album 'Isn't Anything' (1988) -lanzado por Creation Records-, la discográfica para la que grabaron durante 1987, Lazy Records, publicó en un solo disco las siete canciones del Mini-LP 'Ecstasy' (1987) y las tres del single 'Strawberry Wine' (1987) en formato album, cambiando convenientemente el título por el de 'Ecstasy And Wine'.

Precisamente este disco producido por la banda, fue grabado con la formación invariable y definitiva: Kevin Shields (líder, composición, producción, además de voz y guitarra), Bilinda Butcher (voz, guitarra), Colm O’Ciosoig (batería, samplers) y Debbie Googe (bajo).

El single 'Strawberry Wine' contenía tres canciones, de las cuales destaca especialmente 'Never Say Goodbye' pues se trata de la primera cantada a dúo entre Kevin y Bilinda con un sonido tan melódico e inocente como puro y cristalino. En 'Can I Touch You' el sonido es más limpio y se alejan un tanto del ruido. El mini-album 'Ecstasy', publicado el 23 de Octubre de 1987, representa el alejamiento del sonido Anorak Pop. 'I Don’t Need You' tal vez sea la única en donde queda un tanto esa influencia de bandas de la época tipo The Primitives (propietarios del sello para el cual grabaron este disco).

En 'Ecstasy' desaceleran más sus coloridas melodías, 'Safe In Your Sleep' es un buen ejemplo, inclusive disminuyen el uso del ruido y la distorsión de un modo mucho más controlado, como en el caso de 'The Things I Miss', y más elaborado por cierto, como sucede en la cresta del disco, 'Clair', una magnífica canción que confunde su inocente melodía en un mar de ruidos. 'Clair' es el antecedente de lo que vendría luego. En este tema de hecho marcan distancia con muchas bandas Noise de la época. La combinación de ingenuidad vocal, melodía y ruido controlado, sería una constante en las cada vez más elaboradas propuestas experimentales de la banda. El frenético violín que suena en 'Clair' pertenece a Nick Brown. Por último, 'She Loves You No Less', la pieza que abría la placa, fue la primera en la que Bilinda Butcher asumió el protagonismo vocal.

En esa época, el recurso fácil de los críticos era comparar su propuesta con la de The Jesus & Mary Chain a quienes se les llegó a atribuir el paternalismo del ruido y se les relacionó por ello absurdamente con la Velvet Underground, pero Shields, fue quien se abrió paso por el camino aún no explorado en el Rock, creando un sonido conceptual, trabajando el ruido y convirtiéndolo en un elemento estético. Este 'Ecstasy' es el primero de los grandes discos de MBV. La influencia de The Byrds se deja sentir en algunas canciones. De hecho disco imprescindible.

DEAD CAN DANCE - THE SERPENT'S EGG (1988)

Banda emblemática de la casa 4AD, dirigida por Lisa Gerrard y Brendan Perry, formada en Melbourne, Australia en 1983. The Serpent’s Egg, disco producido por Dead Can Dance y John A. Rivers, estuvo predominado por las polifonías de Lisa Gerrard y por atmósferas sumamente espirituales (The Host Of Seraphim), e incluso tribales (Mother Tongue), cánticos eclesiásticos medievales de la era gregoriana y todo lo que ello conlleva, sonoridades de Siria y Bizancio en Orbis De Ignis, por ejemplo, pero sin duda, los pasajes más notables fueron alcanzados en Severance y Ullyses en donde se mantuvo el concepto aplicado en el disco predecesor, Within The Realm Of A Dying Sun (1987), aunque sin superarlo. Para este cuarto disco incluyeron igualmente el cello, la viola y el violin. La imagen de portada es una serpenteante fotografía del Amazonas vista desde el cielo.

THE CURE - CONCERT: THE CURE LIVE (1984)

Esta fue la primera grabación en concierto de The Cure a la que muchos tuvimos por primera vez acceso... eran las épocas en las que era impensable ver a Robert Smith y su banda en Lima. Épocas en las que la FM prácticamente se mofaba de la música de grupos como The Cure. Super FM en 1982/83 y Doble Nueve desde 1984 serían las únicas emisoras que pasaron su música en la primera mitad de los años 80.

'Concert' fue grabado en las ciudades de Londres (Hammersmith Odeon) y Oxford en Mayo de 1984. Recopilaba 10 canciones del setlist de la gira del album The Top. El disco fue producido por Dave Allen y la banda. La formación de The Cure por entonces era Robert Smith (voz, guitarra), Porl Thompson (guitarra, teclados, saxo), Laurence Tolhurst (teclados), Phil Thornalley (bajo) y Andy Anderson (batería).

'Concert' Incluía 'Shake Dog Shake', 'Primary', 'Charlotte Sometimes', 'The Hanging Garden', 'Give Me It', 'The Walk', 'One Hundred Years', 'A Forest', '10:15 Saturday Night' y 'Killing An Arab'. La edición cassette además incluía como lado B el preciado 'Curiosity (Cure Anomalies 1977 - 1984)' con diez canciones consideradas rarezas, tomadas de la colección de cintas de Robert Smith.

'Concert' alcanzó el # 26 del UK Albums Chart en Noviembre 1984. Este 'Concert' y meses antes 'The Top' marcaron la revitalización del sonido de The Cure y el inicio de la segunda etapa de la banda. Al año siguiente publicarían su famosa recopilación que los hizo más conocidos alrededor del mundo.

THE THE - SOUL MINING (1983)

Segundo disco de Matt Johnson o The The, publicado el 21 de Octubre de 1983 y producido por el propio Matt Johnson con la colaboración de Paul Hardiman. Johnson además se encargó de los sintetizadores y percusión. Las grabaciones de este disco contaron con la participación de varios músicos entre los que destacaban especialmente Zeke Manyika (Orange Juice) en batería, Thomas Leer en Sintetizadores, Jools Holland en piano, Martin McCarrick (Siouxsie & The Banshees) en cello y Anne Stephenson (The Woodentops) en violin. Soul Mining Incluye una de las mejores canciones de los años 80: 'Uncertain Smile', además de 'This Is The Day', el primer hit de The The en UK. En algunas ediciones apareció otra gran canción, 'Perfect'. Disco imprescindible.

Artwork por Andy Johnson Dog, diseñador gráfico Inglés, hermano de Matt Johnson, también encargado del diseño de otras portadas de The The, tanto albums como singles.

PIETER NOOTEN / MICHAEL BROOK - SLEEPS WITH THE FISHES (1987)

Para muchos, el mejor disco de Clan Of Xymox fue 'Medusa' (1986). 'Medusa' marcaba la evolución y el techo de creatividad de esta banda Holandesa, apostando por un estilo más sofisticado y aún más atmosférico, con la inclusión de pasajes ambientales sin base rítmica y con un Pieter Nooten lleno de ideas innovadoras.

En 'Sleeps With The Fishes', Pieter Nooten profundizó aún más en el concepto de 'Medusa' y esta vez junto al talentoso Michael Brook. Nooten se hizo cargo de las composiciones, voz y teclados, en tanto Michael Brook fue el productor e ingeniero, y también cumplió tareas en los teclados, guitarra y bajo. Brian Eno participó en los sintetizadores al igual que el Francés Jean-Philippe Rykiel y finalmente, en percusión participó Peter Ulrich (Dead Can Dance). 'Sleeps With The Fishes' fue concebido con talentosos músicos de primer nivel y el resultado de esta obra de arte habla por si misma.

'Sleeps With The Fishes', publicado el 21 de Octubre de 1987, tuvo algunos buenos acercamientos al sonido de 'Medusa', pues igualmente se utilizaron instrumentales sin base rítmica para otorgarle ese concepto atmosférico que caracterizó al disco. 'Several Times' I, II y III por ejemplo, fueron alternadas con piezas vocales, tal y como sucedía en 'Medusa'. Lo mismo ocurría con 'Finally' I y II, y 'Suddenly' I y II.

Entre los temas vocales destaca especialmente 'Searching', guitarras y atmósferas sintetizadas combinando la electrónica con bellos motivos que nos conducen imaginariamente por ensoñadores parajes llenos de exotismo. Igualmente sobresaliente la re-lectura del 'After The Call' de 'Medusa', esta vez sin base rítmica, solo cellos y cuerdas tratadas con unos hipnóticos teclados apareciendo hacia el final de la pieza. 'Equal Ways' originalmente incluida en el 'Clan Of Xymox album', tuvo el mismo concepto en este 'Sleeps With The Fishes', sólo atmósferas, dejándola desprovista del peso de los golpes cuadrados para de ese modo, elevar el resultado. 'Theme I', el instrumental que abre 'Medusa', fue re-construido y re-titulado como 'Clouds'.

'Sleeps With The Fishes' no sólo nos induce a pensar en una evolución de 'Medusa', sino que deja cierta incógnita en el aire: acaso, la evolución que debió tener Clan Of Xymox como banda.

THE HUMAN LEAGUE - DARE (1981)

Cuando fue editado este tercer album de The Human League, ya llevaba algunos años comprando vinilos e intercambiándolos con amigos. Dare fue el primer album New Wave / Techno Pop que tuve entre mis manos. Aunque por entonces sonaba con mucha insistencia 'Don't You Want Me' en toda la FM, las canciones que me animaron a adquirirlo fueron especialmente 'Love Action (I Believe In Love)' y 'Open Your Heart'. Todo el album sonaba prácticamente al completo en Super FM. Inclusive 'Love Action' fue elegida como canción del año en la recordada radio New Wave. Dare me acompañó durante algún tiempo en aquellos meses de 1982, así que como imaginarán, es uno de los discos a los cuales le tengo especial cariño.

En Octubre de 1980, The Human League atravesaba por un mal momento. Dos de sus miembros fundadores abandonaban el grupo, Ian Craig Marsh (teclados, voz) y Martyn Ware (teclados, voz), ambos decidieron formar su propio proyecto al que llamaron HEAVEN 17 con el vocalista Glenn Gregory. PHILIP OAKEY, el vocalista principal de The Human League, decidió continuar con la banda y bajo el mismo nombre junto a ADRIAN WRIGHT, quien inicialmente se había encargado de los efectos y elementos visuales.

Hacia fines de Octubre de 1980 y a una semana del inicio de una nueva gira, Philip Oakey debía de cumplir con Virgin Records. Empecinado en armar una nueva formación, casualmente conoció a JOANNE CATHERALL (18 años) y a su amiga SUSANNE SULLEY (17 años) en un club de Sheffield, el Crazy Daisy ubicado en las esquinas de York Street y High Street. Se trataba de un club avantgarde y para la ocasión, Joanne y Susanne usaban un look conocido como 'Numanoid' inspirado en Gary Numan. El maquillaje impactante, la vestimenta y el baile de las dos, dejaron impresionado a Philip Oakey quien de inmediato y luego de charlar por unos minutos, les ofreció formar parte de su grupo para la nueva gira. De hecho Joanne y Susanne se mostraron entusiasmadas. Ellas sabían de quien se trataba. Para entonces, The Human League ya eran conocidos en Sheffield. Ellas tenían incluso compradas las entradas para una de sus presentaciones. Fue así como Philip Oakey fue a las casas de Joanne y Susanne para pedirles permiso a sus padres. Inicialmente sus padres se mostraron desconfiados ante aquel tipo de peinado extraño y tacones, pero finalmente accedieron. En los shows, la gente esperaba ver una formación de hombres y al verlas a ellas bailando a los lados y haciendo coros, los pifeaban y les llovían latas de cerveza. A pesar de los resultados de la gira, a Philip Oakey le gustó lo que habían logrado al incorporar nuevos coros femeninos, enriqueciendo de esta manera su propuesta algo fría e industrial plasmada en los dos primeros albums. Fue así como decidió mantenerlas permanentemente como parte de la nueva formación de The Human League.

Con la nueva formación que incluía al recién llegado IAN BURDEN (sintetizadores), con nueva imagen y nuevas ideas, grabaron el single 'Boys And Girls' (Febrero de 1981), seguido por su primer hit 'The Sound Of The Crowd' (# 12 en UK en Mayo), y el himno 'Love Action (I Believe In Love)' (# 3 en UK en Agosto). 1981 fue un año magnífico para la banda quienes decidieron reforzar su sonido enteramente electrónico con un sexto integrante, JO CALLIS (sintetizadores). Fue así como aparecieron 'Open Your Heart' (# 6 en UK en Octubre), 'Don’t You Want Me' (# 1 en UK en Diciembre) y el esperado album.

DARE fue publicado el 16 de Octubre de 1981. El disco lo produjo Martin Rushent y la banda. El trabajo de Rushent fue fundamental. Ya antes había producido a The Stranglers, Buzzcocks, The Rezillos, Generation X, XTC, Altered Images y Pete Shelley entre otros. Así que era un tipo que andaba muy familiarizado con la nueva música y gracias a trabajos como este para The Human League, años después sería galardonado como uno de los mejores productores Británicos.

El album Dare tuvo un gran impacto en Inglaterra en aquel 1981. Ingresó directamente al # 1 y estuvo en el tope durante un mes haciendo un total de 72 semanas en lista. Fue el único # 1 de The Human League en la lista de albums de UK, triple platino por cierto. Además de las canciones mencionadas incluye 'The Things That Dreams Are Made Of', 'Do Or Die', 'Darkness' y por supuesto, 'Seconds'.

En 1982 The Human League hizo historia en USA con este disco. Propició la segunda invasión Británica, así de claro. El 3 de Julio de 1982 llegó a la cima del chart Norteamericano el single 'Don’t You Want Me' manteniéndose por tres semanas en el tope, pasando a convertirse en Oro y permaneciendo un total de 28 semanas en listas. Human League fue la primera banda Británica de la New Wave que llegó a la cima del US chart con una composición producida en su totalidad por nueva tecnología. Aquella fue como una puerta abierta para los siguientes grupos Ingleses, básicamente electrónicos, los que se infiltraron en los medios de difusión Norteamericanos con toda la parafernalia creada por la industria Británica, es decir: el lanzamiento en simultáneo de 7” y 12” singles (fomentando el coleccionismo), la producción a gran escala de video-clips (como nuevo medio de promoción y eficaz difusión) y la organización de interminables giras de artistas Británicos por los Estados Unidos. Luego de The Human League llegó Soft Cell, A Flock Of Seagulls, Naked Eyes y un largo etcétera. Dare fue # 3 en US.

Debido al éxito de The Human League en US durante 1982, grabaron bajo el nombre de THE LEAGUE UNLIMITED ORCHESTRA un album llamado LOVE AND DANCING (1982), reuniendo los mejores momentos del Dare en versiones instrumentales con secuencias remezcladas y efectos añadidos. Todas las pistas fueron unidas como para aprovechar el boom de las remezclas y versiones maxi en discotecas. Dare y Love And Dancing hacen la dupla perfecta. Banda top de aquel inolvidable 1982.

BAUHAUS - MASK (1981)

"Cuando comenzamos la banda, queríamos buscar una imagen a través de referencia a la belleza masculina, no como un asunto homosexual. Lo queríamos como un reflejo de asuntos como Bowie o una belleza masculina, un prototipo. Recuerdo cómo buscábamos ropa en las tiendas de donaciones. Y encontrábamos abrigos y vestidos de gente que había muerto hacía muchos años. Era ropa barata y elegante... Comenzamos a apoderarnos de este aspecto y poco a poco vimos cómo se empezaba a generar una especie de imitación. Sobre eso ya no tuvimos control y ahí fue cuando nos dimos cuenta que todo había superado la búsqueda inicial. Ya el asunto de la cultura Gótica era visible y se había separado en si, de la música" - Peter Murphy

Bauhaus se formó en Northampton, Inglaterra, en 1978 y se separaron en 1983. Durante ese período grabaron 4 albums que marcaron la naciente escena Gótica o como se le solía llamar en las enciclopedias Británicas de los años 80, la escena Dark-Gothic Rock.

Luego de debutar en el sello 4AD, aparece este segundo album Mask el 16 de Octubre de 1981 por Beggars Banquet, sello desde el cual editarían todos sus discos. Con el single 'Bela Lugosi's Dead' (1979) e In The Flat Field, el album debut del año anterior, Bauhaus ya había causado desconcierto frente a la crítica. Su música oscura y agresiva y la doble polaridad entre la expresión teatral de su vocalista, Peter Murphy, y la inquietud musical del guitarrista Daniel Ash, fueron los ingredientes principales en la novedosa propuesta de esta revolucionaria banda influenciada por el Glam Rock de David Bowie, T Rex y Roxy Music, el vanguardismo de Brian Eno y el Rock marginal de la Velvet Underground y The Stooges.

Mask fue precedido por dos singles de adelanto, 'Kick In The Eye' en Marzo de 1981 y 'The Passion Of Lovers' en Junio. 'Kick in The Eye' fue la primera canción que lograron ingresar a la lista general Británica (# 59) seguida por The Passion Of Lovers (# 56), canción que se escribió y grabó en un solo día. El album Mask alcanzó el # 30.

En Mask, la teatralidad y el carácter casi vampírico del grupo estaban muy presentes, con historias de desamor, perdición y ciencia ficción. En este segundo album, la banda incorpora teclados y tratamiento acústico con melodías de piano disonantes, sumados a los efectos y el caos instrumental de Daniel Ash, y a la potente y notable base rítmica de los hermanos Haskins con Kevin aporreando los tambores y David con sus acostumbradas e hipnóticas líneas de bajo.

'Hair Of The Dog', la canción que abre Mask, es siniestra y demencial, muy cruda y corrosiva con un Peter Murphy erigiéndose como uno de los vocalistas dramáticos más personales de aquellos años de ebullición experimental y magia. 'The Passion Of Lovers' es todo un himno de la escena Gótica con sus ritmos Death-Rock y guitarrazos obsesivos. 'Dancing' nos invita al pogo, se trata de una canción intensa de beat marcado con un Daniel Ash luciéndose en saxo, guitarra y efectos, y un Murphy fuera de sí. La tenebrosa y nebulosa 'Hollow Hills' cierra la primera parte de este Mask con unos coros que hacen las veces de almas en pena. 'Kick In The Eye', single del album y tema que abre la segunda parte del disco, rankeó en el # 29 del Club Play Singles de los Estados Unidos. Sin duda, la canción más recordada de Mask. 'In Fear Of Fear' es otra buena canción de rítmica contagiosa, algo más colorida y con el distintivo saxo de Daniel Ash. En 'The Man With The X-Ray Eyes' en tanto, Murphy hace gala de su teatralidad e interpretación vocal llegando al clímax en el tema final, 'Mask', canción que da título a esta obra maestra y en donde destaca la acústica de Ash y los coros insistentes de Murphy con quejidos incluidos.

A mi gusto, In The Flat Field (1980) y este Mask (1981) fueron los discos más creativos y valiosos de Bauhaus. The Sky's Gone Out (1982), pese a que fue un rotundo éxito en el chart Inglés (# 4 en Octubre de 1982), es un trabajo menos consistente en el que predomina la personalidad de Peter Murphy, relegando a un plano secundario los fundamentales aportes de Daniel Ash. Ciertamente el disco se abre con dos buenas piezas, 'Third Uncle' (cover de Brian Eno) y 'Silent Hedges'. Luego la fuerza se diluye y las atmósferas enrarecidas se tornan carentes de imaginación. Era evidente que las cosas como grupo ya no marchaban bien. En esos meses Daniel Ash da vida a su propio proyecto TONES ON TAIL. El disco final de Bauhaus, Burning From The Inside (1983) fue más que nada una recopilación de trabajos individuales del cuarteto. 'Slice Of Life' fue la primera de las composiciones vocalizadas por Daniel Ash y es también el eslabón que une a Bauhaus con Love & Rockets por su similar vocalización y estilo. 'Kingdom’s Coming' estuvo también impregnada por la personalidad de Ash en tanto que los 9 minutos de 'Burning From The Inside', denotan las ambiciones del enigmático Murphy, mientras 'King Volcano', su pronunciada predilección por el exotismo. 'She's In Parties', la pieza que abre el cuarto y último album fue también el último single (# 26) y ciertamente el más logrado e identificativo de la banda.

La previsible separación de Bauhaus se produce en Julio de 1983. El día 5, en su última presentación del Hammersmith Palais en Londres, se sucedió un largo encore. Todo ello quedaría registrado y posteriormente sería lanzado bajo el nombre de Bauhaus Rest In Peace: The Final Concert (1992).

Bauhaus pasó a mejor vida por el choque de ideas y de liderazgo existente entre Murphy y Ash. Tras los santos óleos aparecieron los compilados correspondientes para mantener su nombre fresco durante los años 80. Una banda de culto por excelencia. Una gran banda, realmente brillantes, de las mejores del siglo XX. Como sabemos, en 1998 Bauhaus se reunió para celebrar los 20 años con la edición de un album en directo, Gotham, grabado durante la gira. En 2005 y 2006 tourearon por América del Norte y Europa, y en el 2008 editaron un nuevo disco, Go Away White. Mask seguirá siendo recordado como una de las obras más notables de la primera generación Goth.

RIDE - NOWHERE (1990)

1988 y 1989 fueron las épocas del Acid House, del New Beat Belga y también de las bandas provenientes del Industrial y la EBM quienes se contagiaron del Electro y el House. Por otro lado también surgirían muchas bandas Indie Pop y a su vez, el Noise Pop / Feedback Pop de The Jesus And Mary Chain y el Dream-pop / Ethereal de Cocteau Twins influenciarían algunas nuevas propuestas musicales interesantes. También eran las épocas de la nueva Psicodelia y el sonido Madchester con los Happy Mondays, The Stone Roses e Inspiral Carpets como propulsores. Épocas de los flequillos al estilo Sixties, del ruido cada vez más elaborado y las melodías inocentes. Todas las bandas, ruidosas o no, un tanto más electrónicas o más guitarreras, fueron parte del llamado Baggy.

Los primeros discos Shoegazing aparecen básicamente desde dos de los sellos independientes más importantes de aquel período: 4AD con Lush y los Pale Saints, y Creation Records con My Bloody Valentine y Ride. Los semanarios Melody Maker y NME fueron los encargados de acuñar el término Shoegazing a manera de burla debido a los músicos, quienes dejaban el lado escénico de sus shows para tocar sus guitarras observando sus pedaleras en el piso. Alan McGee diría: “La prensa musical llamó a aquello shoegazing porque las bandas no miraban hacia el público y empleaban mucho tiempo aplicando efectos con los pedales”. El Shoegazing o Shoegaze levantó vuelo en 1990 y Ride fueron de las primeras en enaltecer este nuevo sonido. Lo curioso es que los primeros grupos de este género poco tenían que ver unos con otros. Tan sólo el ruido los emparentaba. Las influencias musicales de las cuales se nutrieron, marcaron la diferencia.

Ride en los inicios estuvo fuertemente influenciado por My Bloody Valentine, The House Of Love, The Smiths, The Jesus And Mary Chain y por el concepto artístico del sello 4AD. Pero Ride además proponía un sonido mucho más Psicodélico y a la vez romántico. Concibieron algunas de las más hermosas melodías del género.

Esta banda de Oxford, UK, estuvo liderada por Andy Bell (guitarra, voz, compositor principal y futuro bajista de Oasis), aunque fue Mark Gardener (guitarra, voz) el encargado de las entrevistas y de proyectar la imagen de liderazgo. De hecho Mark Gardener fue la voz principal. Según palabras del propio Alan McGee (propietario de Creation), "Mark tenía 19 años pero podría tener 29. Era uno de esos tipos seguros de sí mismo. Menos tímido que Andy, participaba más en las fiestas del sello y conseguía hacerse visible de una manera que Andy no podía. Eran todos buenos chicos, pero no servían de cara a la prensa. Tratábamos de trabajar cómo podían decir algo incómodo, una cita que pudiera servir de titular, pero no eran ese tipo de gente. Así que intentamos proyectar un poco más a Mark por encima de Andy como frontman y pin-up, y aquello fue probablemente un error, porque los celos irrumpieron cuando Mark salió solo en una portada del NME”.

La formación de la banda la completaban Steve Queralt (bajo) y Laurence Colbert (batería). Colbert, por cierto, fue uno de los mejores bateristas de la primera generación Shoegaze. Seguramente uno de los geniales aportes del Shoegaze fueron la de los bateros, muchos de ellos de gran nivel como es el caso de Colm O'Ciosoig (My Bloody Valentine), Simon Scott (Slowdive), Chris Cooper (Pale Saints) y Laurence Colbert (Ride).

Antes de la publicación del album debut 'Nowhere', aparecieron tres EPs, práctica común en varios grupos de entonces.

- Ride EP (Enero 1990) con 'Chelsea Girl' como pieza estrella, además de la genial 'Drive Blind' y 'Close My Eyes'. Este primer EP alcanzó el # 71 en UK. Los 4,000 ejemplares del primer tiraje se agotaron en apenas tres días. En total venderían 60,000 copias.

- Play EP (Abril 1990) con la clásica 'Like A Daydream' como canción principal (remezclada por Alan Moulder), además de la destacable 'Perfect Time'. Este segundo disco llegó al # 32 en UK.

- Fall EP (Septiembre 1990) con la romántica 'Dreams Burn Down' y la energética 'Taste'. Este tercer lanzamiento llegó al # 34 en UK.

'Nowhere' fue grabado en los Blackwing Studios de Londres bajo la producción de Marc Waterman y publicado por Creation Records el 15 de Octubre de 1990. Alcanzó el # 11 del UK Albums Chart. Todas las composiciones estuvieron a cargo de Andy Bell, excepto 'Decay' de Mark Gardener.

'Nowhere' es considerado uno de los cinco mejores albums de la primera generación Shoegaze y fue el disco más exitoso de Creation Records hasta la fecha de su publicación.

Este album debut incluye ocho canciones de gran nivel como la psicodélica efervescencia de 'Seagull' con su intro prolongado, la colorida 'Kaleidoscope', 'In A Different Place' con la base rítmica marcial estilo The Cure, 'Polar Bear' con reminiscencias a The Stone Roses, la mencionada 'Dreams Burn Down' incluida en Fall EP y cerrando el disco, el momento cumbre con 'Vapour Trail', himno Shoegaze por excelencia vocalizada por Andy Bell. Un gran disco, de aquellos que jamás se borran de nuestra memoria, reflejo de una época de grandes cambios en la música Británica y por que no decirlo, publicado en uno de los períodos más fructíferos de la historia del Rock Británico.

ULTRAVOX - QUARTET (1982)

Alguna vez lo he mencionado, Ultravox fue mi banda favorita junto a The Cure en 1984. Me sigue pareciendo un grupo brillante con discos como este, indesgastable, atemporal, una joya de la mejor electrónica Británica de los primeros años 80. Durante algún tiempo tuve especial predilección por este album aunque finalmente me terminó de gustar aún más 'Vienna' (1980).

Para 1982, Ultravox ya había superado por completo el abandono de su talentoso primer líder John Foxx, también había saboreado el éxito en las Islas Británicas con Midge Ure como nuevo guía y con Conny Plank como respaldo desde los controles. 'Vienna' (1980) y 'Rage In Eden' (1981) los consolidaron como una de las formaciones más importantes de UK en aquel momento, pero la música avanzaba a velocidad y la banda sintió que necesitaba hacer algunos cambios. Empezaron por la imagen, dejando atrás los trajes para lucir algo más informales. También cambiaron de productor, George Martin nada menos, el mismo productor de The Beatles y con él, Geoff Emerick como ingeniero de sonido (Revolver, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Abbey Road). El resultado, un disco algo menos barroco pero contundente y con algunas de las mejores canciones de su discografía.

'Quartet' fue publicado el 15 de Octubre de 1982. El tema que abre este album es la genial 'Reap The Wild Wind' con sus teclados atmosféricos, lanzado como single de adelanto del disco. Alcanzó el puesto # 12 en UK en Septiembre de aquel 1982. 'Quartet' sin duda fue un disco aún más enérgico que el anterior y trajo consigo una vez más tanto singles de éxito en Reino Unido como calidad, 'Serenade' o 'Mine For Life' por ejemplo, derrochan energía manteniendo una buena dosis de elegancia y sofisticación. 'Hymn', uno de los mejores pasajes de 'Quartet', también fue lanzada como single, llegó al # 11 en UK en Noviembre con un video de primera, como muchos de los que ilustró la banda en su trayecto. La emotiva 'Visions In Blue', la canción que abría la cara B del album con un bonito arreglo con Midge Ure al piano en intro y outro, también fue publicada como single y alcanzó el # 15 en UK en Marzo de 1983. Otra canción genial es 'We Came To Dance' (de mis favoritas de toda la discografía de Ultravox), soberbio tema y cuarto single del album, # 18 en UK en Junio de 1983. 'Quartet' tuvo 4 singles, todos dentro del Top 20 de UK. El album en tanto, llegó al # 6 en Octubre de 1982 y fue el de mayor acogida en USA. Ultravox nunca gozó de la misma fama y popularidad en US y eso tal vez debido a que mantuvieron la esencia de su sonido y no optaron por la fácil.

'The Monument', la gira que presentó 'Quartet' con una imponente escenografía, fue grabada en una de sus fechas en el Hammersmith Odeon de Londres, Diciembre 1982, y publicada posteriormente como album en Octubre de 1983. La versión en VHS fue aún más completa y es igualmente imprescindible para entender el gran momento por el que atravesó esta brillante banda en aquellos meses de 1982/ 83.

DAVID BOWIE - "HEROES" (1977)

La fascinación de Bowie por los trabajos ecléctico-vanguardistas de Brian Eno, lo llevó a grabar una preciada trilogía: 'Low' (Enero 1977), "Heroes" (Octubre 1977) y 'Lodger' (Mayo 1979).

'Low' descubrió a Bowie ante una inexplorada faceta de máximo esplendor, intentando recrear mediante entramados instrumentales (al lado de Brian Eno), la incontrolable pasión que lo embargaba, causada por las sonoridades Germanas y su problemática. La influencia del dúo Germano Cluster (con quienes Eno venía trabajando en la misma época) fueron de gran influencia. Low fue un referente para muchas bandas en el futuro y una transición de su gran disco: 'Heroes' con Robert Fripp en guitarra y Bowie encargado de las tareas de producción junto a Tony Visconti. Fue grabado igualmente en la cuidad de Berlín.

La primera cara se caracteriza por temas vocales (como en 'Low'), aunque esta vez, cortantes, violentos y eléctricos. De ellos, sobresale 'Joe The Lion', y 'Heroes', ésta última compuesta por Bowie / Eno y ciertamente la más lograda de la primera fase. La parte dos del trabajo fue más experimental, siguiendo la línea trazada desde 'Low'. Destacaban las enteramente instrumentales 'Sense Of Doubt' (notable recreación impresionista de desolación), 'Moss Garden' (con el koto pulsado por Bowie, remontándonos a la China) y 'Neuköln', con un saxo que nos trasladaba a la India. Estas dos últimas, también composiciones de Bowie / Eno.

El no menos talentoso 'Lodger' cerró su etapa más fructífera como músico de vanguardia. Fue grabado en la ciudad de Montreaux e inspirado por bellos parajes Africanos. Eno, por aquel entonces, nutría más sus conocimientos en experimentos sonoros junto a grupos de inmensa creatividad como Cluster. Eno, fue el personaje clave en esta trilogía. Los dotó de una atmósfera mágica y envolvente, en plena era Punk. De hecho especialmente las dos obras publicadas en 1977 serían fuente de inspiración para muchos músicos Postpunk. 'Heroes' llegó al # 3 y el single al # 24 del UK Chart.

INXS - LISTEN LIKE THIEVES (1985)

INXS fue la primera banda Australiana de la New Wave que logró gran notoriedad y popularidad. 'Original Sin' (1984), single producido por Nile Rodgers (Chic) con la participación vocal de Daryl Hall y Dave Stewart, llegó a la posición # 58 del Billboard, en tanto con 'What You Need', single extraído de este album, alcanzaron la posición # 5. Luego vino el Kick y el despegue definitivo. Al margen de ventas y popularidad, este album Listen Like Thieves publicado el 14 de Octubre de 1985, contiene algunas de sus mejores canciones como 'This Time', 'Biting Bullets', 'Kiss The Dirt (Falling Down The Mountain)', 'Same Direction' y la canción que da título a este quinto album producido por Chris Thomas.

En Reino Unido (Inglaterra, Escocia, Irlanda del Norte y Gales) consiguieron ingresar con este album, por primera vez, a la lista general alcanzando la posición # 48 en Febrero de 1986.

DEATH IN JUNE - NADA! (1985)

Tercer album de estudio de esta mítica banda Inglesa con una propuesta difícil de encasillar... Folk Apocalíptico, Neo-Folk, Postpunk, Post-Industrial y hasta Gothic son algunos de los estilos o etiquetas que han acompañado sus diversas transformaciones disco a disco.

La música de Death In June se caracteriza por un notable tratamiento acústico, ritmos marciales (en ocasiones producidos por una pesada drum machine), electrónica abrasiva estimulada por la era Industrial, exploraciones en la vieja tradición Folk Europea y bellos acordes de guitarra, todo ello formó parte de su singular e innovador sonido.

Entre 1977 y 1980, los dos miembros fundadores de la banda formaron parte del quinteto Crisis, grupo influenciado por la escena de finales de década, música energética y oscura que sirvió de plataforma para lo que vendría luego. Tras la disolución del proyecto, dos de sus integrantes dieron vida a Death In June en 1981: Douglas Pearce (líder, vocales, guitarra, batería y teclados) y Tony Wakeford (bajo, vocales). La formación la completaría Patrick Leagas (vocales, batería, caja de ritmos, teclados, trompeta). Bajo esa formación grabarían el sobresaliente album debut THE GUILTY HAVE NO PRIDE (1983) y BURIAL (1984). En Burial además colabora Richard Butler en teclados, aunque no fue acreditado.

El lanzamiento del tercer album "NADA!" (1985) fue precedido por 'Born Again' (1985), single de adelanto en donde por primera vez se acredita la participación de Butler en los teclados (integrante de The Joy Of Life). Para entonces Tony Wakeford había abandonado el proyecto para formar su propio grupo Sol Invictus, sumándose a la formación de Death In June, David Tibet (el cerebro de Current 93). El single 'Born Again' incluía una nueva versión de 'The Calling (MK II)' con una contagiante drum machine programada por Patrick Leagas, quien luego de aquel lanzamiento iniciaría sus andanzas bajo el nombre de Sixth Comm/ Mother Destruction. 'Born Again' marcó el inicio de las colaboraciones en el proyecto Death In June.

El siguiente single 'Come Before Christ And Murder Love' (1985) se realizó con la participación de David Tibet, Andrea James (integrante de Somewhere In Europe) y Gary Carey (miembro de The Joy Of Life) quienes se unieron al núcleo fundamental: Douglas / Pearce.

"NADA!" (1985) fue un album caracterizado por la presencia de la caja de ritmos, la misma que en ocasiones era convertida en un elemento pegadizo, e incluso bailable, en 'Carousel' por ejemplo. También usaron el novedoso componente (novedoso por la forma) para experimentar en 'C’est Un Reve', 'Crush My Love' y 'Behind The Rose (Fields Of Rape)'.

Otras innovaciones que aportó el album fueron plasmadas concretamente en 'The Torture Garden' con sus peculiares cánticos eclesiásticos de fondo y durante toda la pieza, y 'The Honour Of Silence', tema acústico a dos guitarras de reminiscencias etno-españolas. "Nada!" tal vez no sea el mejor de los discos de Death In June editados en los años 80, pero su escucha es indispensable para todos aquellos que deseen ahondar en la música de esta notable banda y su evolución. Todo Death In June es especialmente recomendable.

KRAFTWERK - RADIOACTIVITY (1975)

Quinto disco de Kraftwerk, grupo que como sabemos se caracterizó por su sonido monocorde y sintetizado sobre bases minimalistas. Kraftwerk marcó las pautas a la nueva generación de músicos de vanguardia de su ciudad natal, Düsseldorf, embrión que dio forma a una expresión artística y vital más acorde con el mundo industrializado. Si bien es cierto, sus inicios se impulsaron desde una onda cósmica, la música de Kraftwerk estaría luego ocupada por el desarrollo de mensajes sonoros asociados al mundo moderno. La guerra nuclear, las autopistas, los ferrocarriles, las luces de neón, los robots, el mundo computarizado, todo ello sería parte del menú terrenal que nos ofrecería Kraftwerk en contraposición al cosmos, el espacio y el universo de otras bandas Germanas de inicios de los 70s. Su sonido frío, calculado, cuadrado, repetitivo y maquinal, fue la semilla de una nueva música que floreció desde todos los confines del globo en las décadas siguientes, siendo reconocidos como los padres del Electronic Pop, Techno Pop, Synthpop o como gustes llamarlo.

Para su quinta placa Radioactivity o Radio-Aktivität, publicada el 10 de Octubre de 1975, Karl Bartos (percusión) se unió a Kraftwerk, Klaus Roeder en tanto, abandona su puesto. Así, el cuarteto se transforma en enteramente electrónico, con Karl Bartos y Wolfgang Flür (en metales percusivos), Florian Schneider (melodías sintetizadas) y Ralf Hütter (coloración y efectos de sonido, como las señales de radio e interferencias que caracterizan a Radioactivity). El nuevo disco, fue uno de los más logrados de la electrónica llevada al lenguaje popular, y es precisamente el que completa su extraordinaria trilogía Ralf & Florian (1973) / Autobahn (1974) / Radioactivity (1975). La pieza que da título al album, sería la encargada de hacer el trabajo sucio, funcionando como single a través de Europa y sorprendiendo a muchos nacientes músicos. 'Radioland' fue un claro ejemplo del elaborado ruidismo que manejaban, alternando ondulantes frecuencias sobre una base minimal. La influencia de Radioactivity sobre la escena Británica, fue aplastante. 'News', por ejemplo, sería posteriormente calcada por los OMD y retitulada 'Radio Prague' en 1983. Una nueva corriente se había gestado, la misma que se entronaría, traspasando la difícil barrera del declive Germano, cuando la mayoría de bandas Krautrock dejaban sentir su desgaste.

THE JESUS AND MARY CHAIN - AUTOMATIC (1989)

Tercer disco de los hermanos Escoceses Jim Reid (voz, guitarra) y William Reid (guitarra, voz). En este album producido por ellos mismos, rindieron tributo a las raíces del Rock. Automatic fue un disco evidentemente más eléctrico y enérgico en donde también dieron cabida a los sintetizadores y con el cual lograron sobresalir en el mercado Norteamericano. 'Blues From A gun', 'Between Planets', 'Coast To Coast', la famosa 'Head On' y 'Here Comes Alice' los consolidaron globalmente, reforzando sus exitosas giras con el lanzamiento del obligado video recopilatorio. En discos posteriores, The Jesus & Mary Chain no estuvieron muy alejados de la propuesta del Automatic, disco con el cual alcanzan el # 11 en el UK Albums Chart.

DEPECHE MODE - SPEAK & SPELL (1981)

El primer demo de Depeche Mode con tres canciones de Vince Clarke, el instrumental 'Big Muff' de Martin Gore y algunos covers, fue enviado a 12 compañías disqueras en un sólo día. De ellas, Rough Trade mostró cierto interés haciendo llegar aquel demo a manos de Daniel Miller, dueño de la Mute Records, pero desafortunadamente para la banda, Miller los rechazó.

Poco después apareció uno de sus primeros temas, 'Photographic', en el ya clásico sampler del sello Some Bizzare, disco que sirvió de trampolín para nacientes bandas de la New Wave como Soft Cell, Blancmange y B-Movie, entre otras. Gracias a ese hecho, Stevo, dueño de la casa discográfica, les propuso firmar contrato. En Diciembre de 1980 Depeche Mode se presentó en el club Bridgehouse como teloneros de Fad Gadget. Entre el público asistente se encontraban representantes de la CBS, Island, Phonogram y Daniel Miller de Mute Records. Fue entonces cuando Miller se dio cuenta del potencial de la banda, invitándolos finalmente a firmar para su empresa discográfica.

Este album debut Speak & Spell publicado el 5 de Octubre de 1981, producido por el propio Daniel Miller y la banda, como sabemos, estuvo predominado por las composiciones de Vince Clarke (apenas 'Tora! Tora! Tora!' y 'Big Muff' pertenecen a Martin Gore) y ciertamente abundan los estribillos en exceso pegadizos. Además de los dos notables aportes de Gore, destacan 'Puppets', 'Nodisco', 'Photographic' y 'Dreaming Of Me', ésta última se incluyó en algunas ediciones reemplazando a 'I Sometimes Wish I Was Dead'. Las más populares: 'Just Can't Get Enough', 'New Life' y 'Boys Say Go!'... en general, un buen despegue tras el cual Vince Clarke los abandona para formar su propia banda Yazoo.

SONIC YOUTH - DAYDREAM NATION (1988)

'Teenage Riot' abría este doble album a manera de anzuelo, una notable canción con buenos cambios y algo accesible -ya lo habían hecho con 'Schizophrenia' en Sister (1987) y con 'Tom Violence' en Evol (1986)- precisamente este Daydream Nation, publicado el 4 de Octubre de 1988, tiene ciertas similitudes con Evol en 'Kissability' por ejemplo, la musicalidad y colorido de Evol se sienten en varios momentos de este disco en donde además hacen uso de prolongadas cortinas de cuerdas creando tensión eléctrica (sin base rítmica) para rematar los finales ('The Sprawl' es un buen ejemplo) tal y como ya lo habían hecho en Bad Moon Rising (1985). Los conceptos duros y veloces del Sister, fueron igualmente aplicados en 'Silver Rocket' y 'Cross The Breeze', llegando a los extremos de violencia incontenible ('Total Trash') del Confusion Is Sex (1983), aunque en un sentido más elaborado. 'Providence' recreaba atmósferas recargadas de ruidismo puro, a lo The Whitey Album (1988), en tanto 'Trilogy: The Wonder/ Hyperstation/ Eliminator, Jr', sintetizó el replanteamiento de su sonido como un todo armónico. En Daydream Nation resumieron las mejores ideas planteadas en los discos predecesores llegando finalmente al tope del Indie chart. Disco de cabecera.

Daydream Nation fue producido por Sonic Youth / Nick Sansano y grabado en los estudios Greene de New York entre Julio y Agosto de 1988. Fue publicado en el sello Enigma. Algunos años después crearían otro sello, Sonic Youth Records, desde donde editarían algunos de sus trabajos más experimentales. Pese a las buenas críticas de la prensa independiente y al # 1 conseguido en el Indie Chart, las ventas fueron pobres. Enigma, el sello de la banda, entró en crisis y quebró. Hoy por hoy 'Daydream Nation' es considerado un clásico absoluto.

BRIAN ENO - THURSDAY AFTERNOON (1985)

Una de las tareas más enriquecedoras -musicalmente hablando- que tuve el placer de cumplir, fue escuchar discografías íntegras para la realización de los libros que publiqué hace unos años. Sin duda, la discografía de Eno es de las que más disfruté, pues entendí de distinta forma mucha de la música que solía escuchar por esos años. En el caso de Eno hay bastante para explorar, desde ese par de discazos grabados junto a Robert Fripp, pasando por los discos grabados con la gente de Cluster, los más clasicistas tipo Discreet Music, o los tres primeros solistas con partes cantadas, la serie Ambient, etc. Muchos músicos notables han reconocido la tremenda influencia de Brian Eno en la música que luego ellos crearon, como en el caso de Robin Guthrie por ejemplo, y es que tras escuchar albums como The Plateux Of Mirror (1980), la obra maestra Apollo - Atmospheres & Soundtracks (1983), The Pearl (1984) y Thursday Afternoon (1985), podemos entender de dónde surgen las ideas originales para el nacimiento de la Ethereal-Music protagonizada en esos años por Cocteau Twins, This Mortal Coil y otros.

Este album Thursday Afternoon publicado el 1 de Octubre de 1985, consta de una sola pieza de 61 minutos de duración. Participan en las mezclas y producción de la obra Michael Brook (también en guitarras), Daniel Lanois y Roger Eno. Ambient de primera línea. Un disco tan dulce como hipnótico. Imprescindible.

“Como venía de una formación en artes visuales, no era posible para mí hacer música en la manera en que los demás la hacían. Tendía a operar los equipos probando diferentes cosas, escuchando lo que sucedía. Esa es probablemente la primera diferencia: Yo intentaba realmente escuchar cómo sonaban los resultados, no como se suponían que debía sonar. La mayoría de la gente esperaba que los sintetizadores reprodujesen sonidos que habían escuchado antes. Pero yo creía que el sintetizador era un instrumento fascinante que podía hacer cosas completamente nuevas. De manera similar, cuando recién empecé a grabar, el estudio era una especie de herramienta de registro de canciones pre-escritas. Pero, para mí, el estudio significaba la posibilidad de pensar en la música de manera diferente. No como algo que tenga que ejecutarse en tiempo real, sino como algo que puede ser construido, como una pintura. Me permitía pensar en situaciones, atmósferas y paisajes, más que en la linealidad de la narración. Casi todos los procesadores que hay en un estudio te permiten cambiar la sensación de localización topológica desde donde la música proviene”

Brian Eno (Keyboards 1995)