THE SMITHS - STRANGEWAYS, HERE WE COME (1987)

Último album de estudio de The Smiths, publicado el 28 de Septiembre de 1987, tres semanas después de que se anunciara la disolución definitiva del grupo debido a la partida de Johnny Marr. Strangeways, Here We Come marcó la evolución en el sonido de The Smiths. Se trata de un disco de mayor elaboración, con arreglos más sofisticados, con sintetizadores e incluso cajas de ritmo. El disco fue producido por Marr, Morrissey y Stephen Street. Llegó al # 2 en el Albums Chart de UK.

Algunos puntos importantes a destacar: Johnny Marr se hace cargo además de la guitarra y teclados, de la armónica y arreglos de saxo y cuerdas sintetizadas. Stephen Street en tanto, de la caja de ritmos (en 'I Started Something I Couldn't Finish', 'Paint A Vulgar Picture' y 'Death At One's Elbow'). Morrissey por primera vez en The Smiths, se hace cargo de un instrumento, el piano, en la canción 'Death Of A Disco Dancer'. Strangeways, Here We Come es el album más elaborado de The Smiths y el punto de partida de algunas ideas que continuaría Morrissey en carrera solista y con la colaboración de Stephen Street.

La canción que abría el disco, 'A Rush And A Push And The Land Is Ours', irónicamente no tiene ni una sola guitarra. Desde la apertura del álbum ya marcaba diferencia. El sonido Jangle característico de la banda se mantiene intacto en canciones como 'Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before' y 'Girlfriend In A Coma', seguramente las dos más recordadas del album. 'Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me' incluye un intro en piano, angustiante y opresivo. Tanto Marr como Morrissey han comentado alguna vez que durante las grabaciones de este album, en Marzo de 1987, solían escuchar el White Album de The Beatles y precisamente en canciones como la antes mencionada, es notoria esa influencia en las ideas sobre todo de producción. Los gritos que se escuchan en el intro de 'Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me' pertenecen a una protesta de mineros. Otras canciones destacables, 'I Started Something I Couldn't Finish', la acústica 'I Won’t Share You' y 'Paint A Vulgar Picture', esta última constituye toda una declaración de principios, en donde Morrissey crítica duramente a las discográficas que se aprovechan de la muerte de los músicos y lucran con ese trágico hecho.

Strangeways, Here We Come fue registrado en los estudios Wool Hall, en Bath, donde Morrissey grabaría pocos meses después su primer álbum solista Viva Hate con Stephen Street como productor.

DEPECHE MODE - MUSIC FOR THE MASSES (1987)

La influencia de Alan Wilder en el sonido de la banda a partir especialmente del album Black Celebration (1986) es enorme. Music For The Masses tiene mucho que ver con ese nuevo concepto. Seguramente las ideas de Wilder en su máxima expresión se reflejan mejor en su propio proyecto llamado RECOIL, nombre bajo el cual Wilder grabó en la misma época los albums 1+2 (1986) y HYDROLOGY (3+4) (1988) plagados de electrónica hipnótica y atmósferas de raigambre clasicista. Fue precisamente aquel, el camino que tomaría Depeche Mode en su nueva evolución aplicando estos conceptos al Pop.

Music For The Masses, publicado el 28 de Septiembre de 1987, fue producido por David Bascombe y la propia banda destacando especialmente el trabajo de Alan Wilder en los arreglos. Este disco contiene, como sabemos, la alucinógena gema Pop 'Never Let Me Down Again', 'Sacred', 'The Things You Said', 'Little 15', 'Pimpf', 'Nothing', 'Behind The Wheel' y 'Strangelove'.

Quienes gustan de la época post-Black Celebration de Depeche Mode, encontrarán especial fascinación por los trabajos antes referidos de Alan Wilder como Recoil. En ellos, la electrónica paisajista de bandas alemanas como Neu! o Harmonia dejan sentir su influencia.

DEPECHE MODE - A BROKEN FRAME (1982)

"Banda conocida necesita tecladista, menor de 21 años"

- Melody Maker, Diciembre de 1981

Tras la partida de Vince Clarke, Depeche Mode publicó un anuncio en el semanario Melody Maker. Fue así como llegó Alan Wilder a la banda, ciertamente se quitó algunos años. Tenía 22. Inicialmente ingresó para cubrir las presentaciones en vivo. A pesar de que participó en las grabaciones de A Broken Frame, su nombre no figuró en los créditos del disco y tuvo que esperar algunos meses para ser considerado oficialmente miembro de la banda. La primera actuación del grupo con la nueva formación fue en Londres, en Enero de 1982.

El primer single de adelanto de A Broken Frame, 'See You', una canción escrita por Martin Gore cuando tenía 16 años, llegó al # 6 del chart Inglés en Febrero de 1982. En el lado B aparecía un revelador tema, 'Now This Is Fun' con un largo intro instrumental en la línea del 'Big Muff' del album debut y con el mismo concepto futurista de Martin Gore. Aquella vena electrónica es la que predominó en A Broken Frame.

El segundo single de adelanto, 'The Meaning Of Love', llegó al # 12 en Mayo. En el lado B Depeche Mode nos regalaba un instrumental oscuro, 'Oberkorn (It's A Small Town)' que usarían como intro en sus actuaciones del Tour de presentación del nuevo album.

Finalmente en Agosto apareció un tercer single de adelanto, la memorable 'Leave In Silence', # 18 en UK. Como lado B, una notable versión instrumental del clásico 'My Secret Garden'. 'Excerpt From: My Secret Garden' de hecho está entre lo mejor de su discografía.

La salida estratégica de estos tres singles de adelanto, dejaron el camino liso para el album A Broken Frame, editado el 27 de Septiembre de 1982 y con el cual llegan al # 8 del albums chart en UK, dos posiciones más arriba que el debut con Vince Clarke. A Broken Frame además incluía 'The Sun & The Rainfall', una canción visionaria que destaca del resto del disco. Ciertamente el punto flaco del album es 'A Photograph Of You'. 'Satellite' y 'Monument' bien pudieron quedar fuera y aparecer como lados B. Por último, el sobresaliente instrumental 'Nothing To Fear', tiene el estilo característico de los temas instrumentales del Martin Gore de aquellos meses, con aquel estilo futurista, dejando un tanto de lado la lírica en pos de un enriquecimiento instrumental, pero todo eso sirvió de algo. Al fin y al cabo, fueron meses de aprendizaje y de apertura a un nuevo sonido. A Broken Frame es un disco menos comercial respecto al primero, algo apresurado, cierto, pero un buen disco, con buenas canciones y algunas realmente notables... fue como la verdadera partida de nacimiento para el estilo de la banda. Sin A Broken Frame no tendríamos Depeche Mode, tan simple como eso, no habrían madurado a tal velocidad, tampoco habría aparecido canciones tan bien logradas como 'Get The Balance Right' -primer single editado en 1983 tras A Broken Frame- por ejemplo. Después de todo, con este disco se marca cierta evolución, convirtiendo el Pop en un producto indesgastable -a diferencia del primer album- y llevando ese producto hacia un terreno de constante evolución.

A Broken Frame: Letra y música por Martin Gore, producido por Daniel Miller y la banda, con Eric Radcliffe y John Fryer como ingenieros de sonido y con la mejor portada de un disco de Depeche Mode a cargo de Brian Griffin.

Dave Gahan en 1990: "Creo que todos nosotros estamos de acuerdo en que A Broken Frame es nuestro disco más flojo. Es muy blanco, está mal producido y por culpa de él nos etiquetaron como una banda floja, absolutamente frívola. La verdad es que en esa época nosotros estábamos aprendiendo. Fue el primer trabajo de Martin como letrista y compositor; lo obligaron a meterse en esa historia sin casi darle tiempo a pensárselo. Si soy sincero debo decir que no estábamos preparados para grabar un segundo disco a tan poco tiempo después de haber sacado el primero. Cuando lo vuelvo a oír, pasados los años, la verdad es que me siento avergonzado"... a pesar de esas críticas, el tiempo se ha encargado de situar a A Broken Frame en el pedestal que merecía.

PSYCHEDELIC FURS - FOREVER NOW (1982)

The Psychedelic Furs, de hecho es una de las bandas más entrañables de los años 80. El sello característico de su sonido es la voz de Richard Butler, como lo es Robert Smith en The Cure o Ian McCulloch en Echo & The Bunnymen. Al escuchar una de sus canciones, en los primeros segundos sabes bien de quienes se tratan. En mi caso, la primera vez que escuché algo de ellos fue en 1981 a través del video de la canción 'Pretty In Pink' que solía programar Gerardo Manuel en su recordado programa Disco Club, tanto como 'Love My Way' en 1982, una de las mejores canciones de la década de los 80. Fue single de adelanto del album Forever Now. Afortunadamente existía Super FM. Algunas canciones del Forever Now sonaron en esa emisora.

Esta banda de Londres estuvo formada en sus inicios por Richard Butler (voz), su hermano Tim Butler (bajo), John Ashton (guitarra), Roger Morris (guitarra), Vince Ely (batería) y Duncan Kilburn (saxo). Como sexteto grabaron dos albums, The Psychedelic Furs (1980) y Talk Talk Talk (1981). El album debut fue grabado apenas en diez días e inclusive la voz de Richard Butler fue grabada en la primera toma. Un disco bastante denso, caótico, espontáneo y con un sonido Postpunk caracterizado por la voz rasposa de Richard Butler y los saxos de Kilburn. Las murallas creadas por sus guitarras se adelantarían a algunas ideas del posterior Shoegaze hacia finales de década. En el segundo album Talk Talk Talk, para algunos entendidos el mejor album de las pieles psicodélicas, el trabajo desde las melodías y la producción fue notable. Forever Now, el tercer album de la banda, fue publicado el 25 de Septiembre de 1982 y grabado como cuarteto. El guitarrista Roger Morris y el saxofonista David Kilburn abandonarían a los Furs.

Forever Now dejó atrás el sonido caótico y oscuro de sus dos primeros discos y apostó por un sonido más luminoso. En este album experimentaron con los sintetizadores. El aporte de Todd Rundgren fue esencial para este cambio estilístico. Rundgren se encargó de los teclados y de la producción de Forever Now. También incorporaron en cello a Ann Sheldon, Gary Windo en saxo, y Donn Adams en trombón. La nueva propuesta plasmada en Forever Now fue algo así como un rayo de luz entrando por la ventana, con unos teclados impecables, vitales, y con la voz de Richard Butler más limpia y menos áspera. Inclusive el ruido de las guitarras fue más controlado. Ciertamente un cambio radical en su estilo, un estilo ahora más colorido, con nuevos matices y arreglos más elaborados y complejos, dejando a los sintetizadores como el instrumento protagonista del album y desplazando de esta manera el papel que ejercía Kilburn con su saxo en los discos predecesores.

La encantadora 'Love My Way' fue como el arco iris para Psychedelic Furs. Este single los dio a conocer alrededor del mundo. A pesar de sólo llegar al casillero 42 del chart Británico y al 44 del Norteamericano, pasó a ser una de las canciones más representativas de la nueva música Británica, con su dulcificado Pop y repetitivo teclado que proporcionaba un sonido más delicado, a la vez digerible y acorde con la imparable escena Electro-Pop del Reino Unido. Otra pieza que destaca en este tercer disco es 'President Gas', canción en la que por primera vez expresan opiniones abiertamente políticas, con comentarios sarcásticos acerca de Ronald Reagan. 'President Gas' es una de sus canciones de culto por excelencia, con sus guitarras afiladas y con murallas de sonido al viejo estilo, un tema estremecedor que incorpora un cello inspirado -según Richard Butler- en 'La Consagración De La Primavera' de Stravinsky. 'Run And Run' en tanto, es una canción efervescente y contagiosa. 'No Easy Street' es más hipnótica y atmosférica con unos teclados y un solo de saxo a cargo de Todd Rundgren. Otras canciones especialmente destacables, la dinámica e incluso bailable 'Goodbye' también con sintetizadores y saxo, y el single 'Sleep Comes Down' con 'President Gas' en concierto como yapa en el lado B.

Forever Now vendió medio millón de discos en Estados Unidos y tras el relativo éxito, los hermanos Butler se afincaron definitivamente en New York. En el albums chart de UK alcanzaron el # 20 en Octubre de 1982.

DEPECHE MODE - SOME GREAT REWARD (1984)

Cuarto album de Depeche Mode, publicado el 24 de Septiembre de 1984. El disco fue producido por Daniel Miller, Gareth Jones y la banda. Incorporó elementos del Industrial Germano. Some Great Reward fue grabado casi en su totalidad en la ciudad de Berlin. Incluye 'Blasphemous Rumours', 'Something To Do', 'Lie To Me', 'Master And Servant', 'If You Want' y 'Somebody' entre otras joyas. Todas las canciones fueron escritas por Martin Gore a excepción de 'If You Want' de Alan Wilder.

En esa época el grupo adopta una imagen andrógina influenciada por el Glam -especialmente Martin Gore- con cuero, ropa negra, cadenas, crestas y maquillaje. En cuanto a la propuesta del disco, Depeche Mode va dejando atrás el sonido adolescente de sus primeros albums apostando por un sonido más maduro con un Alan Wilder involucrándose como un tercer productor. Some Great Reward llegó al casillero # 5 del UK Chart, la posición más alta para un album de Depeche Mode hasta ese entonces. Así mismo, el single 'People Are People' fue su primer hit en USA obligando a la compañía a publicar un album recopilatorio llamado igualmente People Are People, con algo de lo mejor de la banda, a manera de disco de introducción para el mercado Norteamericano.

BLANCMANGE - HAPPY FAMILIES (1982)

Este disco viene con anécdota... Una tarde de 1987, tras el mostrador de una tienda de música en Miraflores mientras grababa algunos cassettes, apareció un tipo llamado Carlos Olcese. Bajo el brazo llevaba algunos vinilos promocionales y le pregunté por ellos. Se trataba de varios discos en concierto de la BBC. Por aquella época Radio Miraflores presentaba semanalmente un vinilo en concierto por cortesía de la BBC. Eran discos estrictamente promocionales que no se conseguían así como así. Carlos tenía un programa en Radio Miraflores junto a Gigio Perizoli, un programa muy conocido para quienes gustábamos de la New Wave. El programa se llamaba Radio Waves y lo transmitían los Sábados por la tarde.

Probablemente era un Sábado aquella vez que lo conocí, pues andaba muy apurado y él sólo pasaba a revisar los discos de la tienda, alguna novedad o tal vez algún disco antiguo que no conseguía. Probablemente dejó a grabar algún cassette, no lo recuerdo. Lo que si recuerdo es verme ahí, entusiasmado observando esos BBC entre los que llamó mi atención especialmente dos. En el primer vinilo venía un concierto de Aztec Camera en el lado A y en el reverso uno de Bronski Beat. Ambos lados con un extracto de lo mejor de las presentaciones de 1984 de estas dos bandas. El otro vinilo traía BLANCMANGE igualmente en concierto en el lado A con una presentación de 1983, de la gira del primer album Happy Families. Al reverso venía un grupo de Black Music llamado Hot Chocolate. Amablemente me permitió extraer algunas canciones de esos vinilos y abusando tal vez de su amabilidad (a pesar de la falta de tiempo), me permitió grabar todas las canciones (6 ó 7) de Blancmange. Por entonces, a este grupo le tenía especial cariño por alguna razón que ahora no recuerdo. Ese cassette me acompañó algunas tardes del verano de 1987 y le encontré especial gusto a aquel primer album de Blancmange del cual conocía muy bien (desde 1982/ 83 y gracias a Super FM) las clásicas 'Living On The Ceiling' y 'Waves'.

Blancmange es un dúo de Londres, formado en 1979 por Neil Arthur (voz, guitarra) y Stephen Luscombe (sintetizadores, teclados) quienes, fascinados por la música oriental, tomaron como principal fuente de inspiración para la construcción de su sonido, el exotismo de la música hindú, infiltrando mediante los sintetizadores estas influencias al Electronic Pop. Era 1982, los meses de la fiebre Techno. El 17 de Abril de aquel año debutaron en el Chart Inglés en la posición 65 con el single 'God's Kitchen' / 'I've Seen The World'. A fines de Julio alcanzaron el peldaño 46 del UK Chart con una de las canciones que más me gusta de este dúo, 'Feel Me', y para fines de Octubre ya eran muy conocidos por Europa con el tercer single 'Living On The Ceiling' que fue su primer hit con el # 7 en UK. Obviamente esos ecos llegaron hasta Lima y qué mejor radio que Super FM, la única radio que se atrevía por entonces en programar New Wave y Tecno. 'Living On The Ceiling' era una de las infaltables en toda pista de baile de la época, y no sólo en lugares donde solo se pasaba New Wave. Esta canción incluía dos instrumentos Hindúes, la Sitar y la Tabla. Otra de las buenas canciones de este album debut fue precisamente la que abría el disco, 'I Can't Explain', mención aparte para uno de sus himnos, 'Waves', que sonó mucho en el verano de 1983. Obviamente no a nivel comercial. El video clip promocional de 'Waves', de hecho está entre lo mejor de esos años. Happy Families es uno de los mejores discos debut de los años 80 y fue producido por Mike Howlett, un productor que tuvo mucho que ver con las primeras producciones de la New Wave (desde fines de los 70) para bandas como Fischer-Z, Martha & The Muffins, OMD, Original Mirrors, Modern Eon, The Teardrop Explodes, A Flock Of Seagulls y más.

Happy Families fue publicado el 24 de Septiembre de 1982 y en Septiembre del 2013, al cumplirse los 31 años desde su edición, fue re-grabado y re-titulado como "Happy Families Too..." con nueva portada. Así mismo el dúo estuvo de gira re-interpretando la totalidad de las canciones del album. Disco imprescindible.

PRIMAL SCREAM - SCREAMADELICA (1991)

El verano Británico de 1988 dejó una tremenda huella que se vio reflejada en las propuestas de muchas bandas nacientes de aquel período. La llegada del Acid-House, el éxtasis, y la enfebrecida pasión por el baile en las innumerables manifestaciones Rave, instauró la Club Culture y los nuevos ritmos teñidos de ácido y Neo-Psicodelia. La Scallydelia fue producto de ello, con la incorporación de bases House y guitarras con Wha-Wha. Igualmente el Grebo parte de aquella época, con su mixtura de sabores. Bandas como Happy Mondays, The Stone Roses, Inspiral Carpets y The Charlatans, entre otros, levantaron los cimientos de la nueva Psicodelia Británica. Bajo ese contexto aparece uno de los albums más innovadores de los años 90: Screamadelica.

Bobby Gillespie (líder y voz) formó parte de The Jesus & Mary Chain haciéndose cargo de la batería. La aventura con los Escoceses sólo duró hasta Enero de 1986, tiempo a partir del cual Bob se dedicó de lleno a lo suyo, Primal Scream. La alineación original contó con Robert Young (bajo) y Jim Beattie (guitarra).

El primer sencillo 'All Fall down' / 'It Happens' (1985), encerraba las maravillas de la primera floreciente época en talentos de Creation. Un par de gemas de sutil belleza Pop, decoradas por las cuerdas de Beattie y la cándida voz de Bob. Lo siguiente fue el maxi 'Crystal Crescent' (1985), manteniendo la frescura en sus tres surcos. 'Velocity Girl' y 'Spirea X' (con sus dos minutos de incandescencia Pop) les darían nombre a dos formaciones de los años 90. La segunda fue liderada y fundada por el propio Jim Beattie en 1991. Luego de dejar a los Primal Scream grabó dos singles y el album 'Fireblade Skies' (1992) bajo el nombre de SPIREA X para la 4AD. Ciertamente, material poco relevante, aunque con algunos auténticos chispazos de espontaneidad.

Tras el lanzamiento del sobresaliente album SONIC FLOWER GROOVE (1987), la banda perdió un tanto la frescura que caracterizó sus inicios. Tal y como quedó demostrado en el segundo disco largo llamado PRIMAL SCREAM (1989). Aquellos dos primeros artefactos contenían algunas de sus mejores canciones: 'Gentle Tuesday', 'Silent Spring', 'Imperial' y 'You’re Just Dead Skin To Me'. Martin Duffy, teclista de los Felt, colaboró en aquellas grabaciones. Es sin embargo SCREAMADELICA (Septiembre 1991) el disco definitivo, repleto de amalgamas sónicas teñidas por las más diversas influencias en plena fiebre Rave y de furor por los ritmos bailables. Aquel, fue el disco que le llenó los bolsillos de libras a McGee, y el que aportó con sus fuertes dosis de innovación al Pop independiente Británico.

Canciones como 'Loaded', 'Come Together', 'Don’t Fight It Feel It', 'Slip Inside This House' y 'Movin' On Up', denotaron influencias de Rhythm & Blues, Soul, Gospel, Acid-House, dub y Scallydelia. En tanto, 'Inner Flight' y la memorable 'Higher Than The Sun' fueron puro Pop psicodélico sobre bases rítmicas House-Groovy. 'Damaged' nos remontaba a las épocas del Darklands de los hermanos Reid, con aromas Country añadidos. A lo largo del disco se emplearon desde saxos, trompetas, violines, hasta sítares y gaitas. En la supervisión de las perillas estuvieron Andrew Weatheral, Alex Paterson alias The Orb, y Tony Martin alias Hypnotone. 'Screamadelica' alcanzó la posición # 8 del UK Singles Chart.

GANG OF FOUR - ENTERTAINMENT! (1979)

Poca gente aprecia a esta banda más allá de canciones como 'I Love A Man In A Uniform', 'Independence' o 'To Hell With Poverty'. Banda altamente influencial y a la que considero entre mis bandas Postpunk preferidas de fines de los 70s y primeros 80s.

Esta banda de Leeds estuvo originalmente formada por Jon King (voz), Andy Gill (guitarra), Dave Allen (bajo, guitarra) y Hugo Burnham (batería). Este magnífico debut fue producido por Andy Gill, el notable guitarrista de Gang Of Four, y Rick Walton. Debutaron en Octubre de 1978 en el sello independiente Fast con un single llamado 'Damage Goods', sobresaliendo notoriamente por su innovadora música bailable, muy radical, ritmos Funk y líricas provocativas político-ideológicas de inconformismo existencial que se ganaron la atención de la crítica, obteniendo evidentes resultados positivos, lo que les posibilitó ficharse en una disquera de mayores atractivos económicos como la EMI para la cual grabaron un single inicial, 'At Home He’s A Tourist' con otra clásica como lado B, 'It's Her Factory'. Con este segundo single ingresaron al chart Británico para ocupar la posición # 58 en Junio de 1979. Poco después, el 23 de Septiembre del mismo año publican el primer album Entertainment! (# 45 en UK en Octubre de 1979) con la muestra definitiva de su genial sonido que los convirtió en uno de los grupos básicos al final de la década de los 70. Los frenéticos ritmos y esa rasposa manera de tocar la guitarra de Andy Gill, los identificó plenamente en el Reino Unido. El bajo de Dave Allen sonaba al P-Funk de George Clinton. Gill, desde la guitarra, hacía evidentes sus preferencias por bandas como Television. Así, la comunión entre la frescura de la New Wave, la energía y vitalidad del naciente Postpunk, y las contagiantes bases rítmicas del Funk, se unirían para dar vida a una de las propuestas más innovadoras de la emergente New Wave. Canciones como 'Not Great Men', 'Damaged Goods', 'I Found That Essence Rare', 'At Home (He's A Tourist)', 'Anthrax' y 'Natural's Not In It', hicieron de Entertainment! un sobresaliente e impecable debut.

'Not Great Men' no sólo es un himno de la primera New Wave, es además un precedente directo del llamado -por algunos- Disco-Punk en los Dos Miles con grupos como The Rapture o LCD Soundsystem como cabezas visibles de ese sonido que tiene muchas deudas con Gang Of Four. The Gossip también bebe de la misma fuente. Igualmente el sonido de esta banda de Leeds influencia a Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs y Editors entre muchos otros.

Entertainment! desde su título arroja repudio sobre la industria del entretenimiento, esa industria retorcida de los noticieros sangrientos que exhiben la carne humana como plato principal. Irónicamente este disco lleno de mensajes reflexivos no tuvo como finalidad llegar a la masa sino a la gente pensante. Un grupo valiente y adelantado a su época sin duda.

FELT - IGNITE THE SEVEN CANNONS AND SET SAIL FOR THE SUN (1985)

Cuarto album de Felt y el último para la independiente Cherry Red, el sello que los cobijó desde su formación al apagarse los años 70. Felt Estuvo formado por Lawrence Hayward (voz), Maurice Deebank (guitarra) y Gary Ainge (batería). Su música fue sencillamente Psicodelia Pop de gran riqueza melódica, alternando con climas reposados conseguidos por sus largos desarrollos y entramados guitarrísticos, hacia situaciones de rítmica más ágil.

Los tres iniciales albums: Crumbling The Antiseptic Beauty (1981), The Splendour Of Fear (1984) y The Strange Idols Pattern And Other Short Stories (1984), son prueba suficiente como para considerarles entre parte de lo mejor de la década de los años 80, re-inventando la Psicodelia de forma muy personal, con la siempre fluida e imaginativa guitarra de Deebank y la peculiar forma de vocalizar de Hayward. Sin duda, el manto de su influencia cubrió a muchas bandas de finales de década, algunas de ellas, pertenecientes a las filas de Creation Records, sello para el cual grabarían sus restantes discos.

Los Cocteau Twins, en el mejor momento de su carrera, destellarían sus chispazos de magia sobre el cuarto album de los Felt, Ignite The Seven Cannons And Set Sail For The Sun, publicado el 20 de Septiembre de 1985 y producido por Robin Guthrie, y en el que Elizabeth Fraser participa haciendo un magnífico dueto en la canción 'Primitive Painters', sin duda, de lo mejor del Pop Británico. Maurice Deebank, quien ya había lanzado un disco como solista, Inner Thought Zone (1984), decidió abandonar a los Felt. Con ello, la música del grupo nunca volvería a ser la misma. Al parecer empezaría su agónico final. La fuerza y la belleza que Deebank le imprimía a sus cuerdas ya no acompañarían más a la voz de Hayward. En su lugar reclutaron a Martin Duffy (teclados), razón por la cual el instrumento protagonista cambió, pero la destreza de Duffy no fue suficiente para respaldar y fortalecer las composiciones. Fue así como la música de la banda se tornó más débil y menos intensa, optando por algunas melodías de atmósferas serenas al piano. La segunda etapa de Felt es igualmente recomendable, aunque incomparable con la primera etapa y con Deebank en la guitarra. Con este album llegaron a la cúspide de su carrera. Difícil destacar alguna canción en particular. Todo el disco es una joya.

COCTEAU TWINS - BLUE BELL KNOLL (1988)

Tras un largo descanso de casi dos años, en Septiembre de 1988 se publicó el quinto album de Cocteau Twins, Blue Bell Knoll. Este disco marcó el inicio de la tercera etapa estilística de la banda. Para algunos fue como un regreso al sonido del Treasure (1984) e inclusive de los EPs publicados durante 1985, con un sonido más dulce y colorido, aunque la portada (fotografía del Alemán Juergen Teller), no de muchas pistas sobre su contenido.

Entre los mejores tracks destaca la canción que da título al album, también 'The Itchy Glowbo Blow', 'Cico Buff', 'A Kissed Out Red Floatboat', 'Athol-Brose' con juegos vocales de Elizabeth Fraser en tres pistas simultáneas. En 'For Phoebe Still A Baby' incluso fueron sincronizadas a manera de coro. Ciertamente, Técnicas que venían aplicando desde su segundo disco largo Head Over Heels (1983). Blue Bell Knoll resultó ser un trabajo bastante melódico y colorido aunque ciertamente, carente de la fuerza de sus discos iniciales en pos de un mayor enriquecimiento melódico.

Blue Bell Knoll, grabado en September Sound, Twickenham, Inglaterra, fue el primer album de Cocteau Twins distribuido en los Estados Unidos por un sello importante, Capitol Records. Este hecho fue fundamental para conseguir finalmente el reconocimiento en Norteamérica.

'Carolyn’s Fingers', el tema estrella del album, llegó al # 2 del Modern Rock Tracks de USA. Precisamente en ese mismo mes, Billboard empezó a publicar el Modern Rock Tracks. 'Carolyn's Fingers' con el video-clip rotado en MTV, los hizo populares en USA. Circularon singles promocionales en 7", 12" y CDr sólo para los Estados Unidos. 'Blue Bell Knoll' fue el penúltimo album grabado para 4AD y marcó la consagración del trío Escocés a nivel global.

COCTEAU TWINS - HEAVEN OR LAS VEGAS (1990)

El disco predecesor 'Blue Bell Knoll' (Septiembre 1988) fue grabado tras un largo descanso de casi dos años y marcó el inicio de la tercera etapa estilística de la banda priorizando las melodías coloridas mostradas en los EPs. Con 'Blue Bell Knoll' ganaron finalmente el reconocimiento en Norteamérica.

'Heaven Or Las Vegas', publicado el 17 de Septiembre de 1990, amplió el concepto trazado por la banda en el disco anterior, experimentando con un bello sonido y a la vez mostrándose más accesibles. De hecho fue el disco más exitoso de Cocteau Twins. Alcanzó el # 7 del UK Albums Chart. Algunos lo consideran el mejor de todos los albums publicados por los Escocéses. 'Heaven Or Las Vegas' es simplemente fantástico. El disco ideal para introducirse al mundo de Elizabeth Fraser, Robin Guthrie y Simon Raymonde, quienes además se hacen cargo de la producción. Un trabajo minucioso en su elaboración, decorado por las pinceladas de Guthrie desde las cuerdas y por la diversidad de cambios en la programación rítmica. Ciertamente, una propuesta menos complicada y más digerible, aplicando las viejas técnicas en sus renovadas ideas. 'Fifty-Fifty Clown', 'Pitch The Baby' y 'Cherry Coloured Funk' son los momentos más inspirados, en tanto, 'Iceblink Luck' y 'Heaven Or Las Vegas' son las piezas más Pop. Un Pop de alto nivel con intro y cierre prolongados, poniendo mayores detalles en la musicalización de cada pieza, sin apresuramientos y convencionalismos. Algunas de ellas casi pareciesen haber sido grabadas en directo, sin ningún montaje de estudio. Un disco de belleza y poder hipnótico al cual es difícil de renunciar.

A pesar de los elogios del propietario de 4AD, Ivo Watts-Russell, la banda se alejó del sello e Ivo no renovó el contrato debido a diferencias personales. Por la misma época también Guthrie había padecido algunos problemas de adicción pero lo más importante, Elizabeth Fraser le dedicó más tiempo a su hija Lucy Belle (hija de Elizabeth y Robin), quien apenas cumplía un año cuando fue publicado este album. Luego de otros cuatro años aparecerían dos discos más en el sello Fontana antes de su separación definitiva.

IAN McCULLOCH - CANDLELAND (1989)

En 1988, McCulloch declararía nunca haber estado de acuerdo con el lanzamiento del quinto album de Echo & The Bunnymen publicado un año antes. Al mismo tiempo abandonaría su banda para emprender su propia carrera en solitario. Dos pérdidas importantes influyeron en la música y las letras del primer disco de la voz de los Bunnymen, la muerte de su padre y la del baterista de su banda, Pete De Freitas.

'Candleland' es un disco gris, cálido y lleno de melancolía y nostalgia. Ray Shulman se hace cargo de la producción, del bajo, los teclados y la programación. En la hermosa canción que da título al album, participa en voces Elizabeth Fraser de Cocteau Twins. Boris Williams, el baterista de The Cure, participa en 'Proud To Fall' y 'The White Hotel'. Otras canciones destacables: 'Faith And Healing' con acercamientos al sonido de New Order (última banda con la cual Tourearon los Bunnymen antes de la separación temporal), 'The Flickering Wall' y 'The Cape'.

'Candleland' fue grabado en los Church Studios, Orinoco Studios y Tower Bridge Studios de Londres y The Grande Arms en París. Fue publicado en Septiembre de 1989 y alcanzó la posición # 18 del UK Albums Chart.

CRANES - LOVED (1994)

La primera mitad de los años 90 no sólo fueron los años del Grunge, de la mal llamada música alternativa y de la electrónica de masas (con el cómplice apoyo incondicional de los medios de difusión). Afortunadamente el Shoegaze, la IDM y el Post-Rock marcaron la diferencia y fueron la mejor opción para quienes buscábamos música no necesariamente comercial. Uno de los buenos grupos que destacaron por entonces fue la banda de los hermanos Alison y Jim Shaw: Cranes.

Cranes publicó una de las trilogías perfectas de los años 90: 'Wings Of Joy' (1991), 'Forever' (1993) y 'Loved' (1994). En el primero dejaron en claro su predilección por lo Etéreo y siniestro del Dark Ambient con tintes Góticos, y también por el sonido demoledor de algunas bandas Industriales, además por el Modern Classical y en menor medida, el Shoegaze. Un interesante licuado de influencias que dieron origen a uno de los mejores albums de 1991. En 'Forever' en cambio, su sonido se hace algo más accesible, es decir, menos transgresor. Las melodías son más coloridas y el trabajo de cuerdas, percusión y teclados es notable, más armonioso. En 1992, Cranes había salido de gira teloneando a The Cure en su Wish Tour. Inclusive el propio Robert Smith se hizo cargo de una de las remezclas de 'Jewel', el single de mayor éxito de Cranes en el UK Singles Chart. La popularidad de Cranes creció con 'Forever'. El 17 de Septiembre de 1994 publicaron 'Loved' con una fórmula similar a la del 'Forever', aunque sin lograr hacerle sombra. 'Loved' fue un disco más eléctrico y más contundente especialmente en la base rítmica, e igualmente atmosférico.

En 'Loved' toda la musicalización seguía girando en torno a la enigmática Alison Shaw y su voz de niña. Alison es a Cranes lo que Elizabeth Fraser es a Cocteau Twins o Siouxsie Sioux a los Banshees. Una voz cautivadora como pocas, que transmite emoción y fuerza vital.

'Loved' fue producido por la banda y la bella cubierta que lo acompaña es la imagen de una pintura del artista Francés Edgar Degas. Este tercer album sirvió además para mantener el nivel alcanzado en 'Forever'. Precisamente 'Shining Road', único single del album, llegaría al # 57 del UK Singles Chart. El video-clip en tanto, tuvo cierta rotación en MTV. Las versiones maxi incluyeron remezclas de 'Lilies' y 'Paris And Rome' a cargo de Flood (productor de Depeche Mode, Nitzer Ebb y Nine Inch Nails, entre otros) y Michael Brauer remezcló la canción principal, 'Shining Road'.

Algunos de los momentos de especial inspiración en 'Loved' los marcan las contagiosas 'Shining Road' y 'Pale Blue Sky', la deliciosa y enérgica 'Rêverie' con guiños a Cocteau Twins, la tremendista 'Lilies', todo un clásico de Cranes, ritmos abrasivos, climas aterradores y Alison cantando con cierta perversidad. El Flood Mix es aún más atmosférico e introspectivo. La maravillosa 'Beautiful Friend' es otro momento cumbre del album, deliciosamente nostálgica, 'Paris And Rome' en tanto, nos remonta a 'Wings Of Joy', una canción delicada, dulce y triste a la vez. La versión de Flood es igualmente notable. Por último, entre los diferentes lados B de las ediciones del single 'Shining Road', destaca la acústica 'September' y la tierna 'Don't Close Your Eyes'.

'Loved' es un disco mágico y estimulante, lleno de belleza interior. Como alguien diría, Cranes llueve sobre ti como gotas de sangre, como hielo nocturno.

CRANES - WINGS OF JOY (1991)

La primera vez que recibí una descripción de este grupo de Portsmouth, Inglaterra, estuvo centrada en la voz de su vocalista, Alison Shaw, y no era para menos. El color de voz de Alison era como el de una niña. Me dijeron que parecía una niña traumada, misteriosa y algo siniestra cantando con un piano de acompañamiento y ruidos semejantes a los de la música Industrial. Lo cierto es que cuando aparece este 'Wings Of Joy' en Septiembre de 1991, co-existían dos corrientes definidas en la música de vanguardia. La del Shoegaze por un lado (con el cual algunos críticos musicales la emparentaron) y la del Modern Classical y Dark Ambient impulsado por sellos como Hyperium Records de Alemania con sus magníficos samplers 'Heavenly Voices'. De hecho, siempre me parecieron estar más en la línea de los subgéneros del Gótico y no tanto del Dream Pop y Shoegaze. La música de Cranes tomó tanto las influencias del movimiento Gótico como del Industrial y esas influencias son notorias especialmente en 'Fuse' (cassette, 1986) y 'Self-Non-Self' (Mini-LP, 1989), ambos publicados por la independiente Bite Back!. Temas como 'Fracture' (del primero), 'Heaven Or Bliss' y especialmente 'Focus Breathe' y la versión remodelada de 'Fuse' (del segundo), están entre lo mejor de su época en la independiente Bite Back!, desde donde auto-gestionaron estas ediciones limitadas, temas en los cuales ya empezaban a marcar el estilo que desarrollarían en 'Wings Of Joy'. El propio John Peel les prestaría atención grabando con ellos en Julio de 1989 una de sus famosas sesiones aunque jamás publicada de forma oficial.

La primera formación que dio vida a 'Wings Of Joy' contó con el núcleo compositivo de los hermanos Shaw, Alison (voz, bajo, acústica), Jim (guitarra, bajo, teclados, batería), además de Mark Francombe (guitarra, bajo, teclados) y Matt Cope (guitarra). Hacia fines de 1989 firman para la independiente Londinense Dedicated, sello para el cual grabaron en la misma época, Chapterhouse, Spiritualized, Spacemen 3, entre otros, y en donde serían publicados todos los discos de Cranes durante los años 90.

Antes del 'Wings Of Joy', Dedicated les publicaría dos EPs:

- Inescapable EP (Agosto 1990) con la sorprendente canción que da título al disco y que fuera el primer video-clip de Cranes. También incluía la reveladora 'Give', 'Dada 331' y una segunda versión monolítica del tema principal. El EP fue producido por Cranes y Steve Hoff.

- Espero (Noviembre 1990) con la genial canción del mismo nombre y otro video promocional, además 'E.G. Shining' con cambios frenéticos de guitarras (sello distintivo de su estilo y probablemente la razón por la cual algunos críticos los etiquetaron como parte de la escena Shoegaze) y cerrando 'Cha Cha Escueta'. Disco producido por Ray Shulman.

En Mayo de 1991 aparece como single de adelanto la sepulcral 'Adoration' con 'Brighter' como lado B, ambas con el sello distintivo de Alison Shaw y su peculiar e inimitable estilo vocal.

Finalmente, el album debut 'Wings Of Joy' fue producido por la banda y publicado el 16 de Septiembre de 1991. Alcanzó el # 52 del UK Albums Chart. A diferencia de los lanzamientos de Bite Back!, en este disco el sonido de Cranes se dulcifica un tanto, predominan las piezas melódicas y envolventes, con mayor participación del piano, batería fúnebre y densas capas de distorsión épica. Pop preciosista o más bien, Pop de cámara, guitarras acústicas y todo ello como acompañamiento de la voz de Alison con su registro disonante, narrando torturas interiores, algo así como una voz de niña relatando algún cuento infantil o una historia de terror, de acuerdo a la musicalización. Una propuesta musical por momentos algo inofensiva, y por otros, densa, oscura y hasta inaccesible. Disco magistral sin duda. Los picos más altos del 'Wings Of Joy' son 'Living And Breathing', la enigmática 'Leaves Of Summer', 'Starblood' con base rítmica minimal e hirientes cambios de guitarra y con la voz de Alison comparada por algunos como la de un fantasma infantil encerrada en el ático o la de una niña poseída, también destaca la dulce 'Tomorrow's Tears' con el piano y Alison como protagonistas, la canción estrella del disco, la más luminosa de todas editada como segundo single, además este magnífico debut incluye la sombría 'Beautiful Sadness', 'Hopes Are High' y cerrando, la mencionada joya 'Adoration', single de adelanto del album.

Luego de la aparición de los video-clips de Cranes a través del MTV Europeo y de su discreta escalada en charts, Robert Smith y Simon Gallup los invitaron para telonearlos en el Wish Tour de 1992 y con ello, lograron hacerlos más conocidos, pero eso ya forma parte de otra historia, la del 'Forever' (1993) claro está.

THE CHAMELEONS - STRANGE TIMES (1986)

The Chameleons fue una de las tantas bandas Postpunk que tuvo poca fortuna en los años 80. En su primera etapa (1981-1987), su etapa más creativa, publicaron tres albums y una decena de singles. Tras la disolución de la banda, sus discos se convirtieron en objetos de culto y con los años ganaron una gran masa de seguidores, obligando a la industria a editar material inédito, como para mantener viva la llama y engrandecer el nombre del grupo. De esta manera vieron la luz algo más de una docena de discos, entre rarezas, Peel Sessions, conciertos y recopilaciones de singles. Hacia fines de 1999 The Chameleons se animaron a retornar con un éxito aplastante, del que no gozaron en sus primeros años, realizando presentaciones y grabando tres discos más con nuevo material y versiones acústicas. Esta segunda etapa se prolongó hasta el 2003.

'Strange Times', publicado el 15 de Septiembre de 1986, fue el tercer y último album de la primera etapa de The Chameleons. La banda grabó los dos primeros albums con Statik Records, un sello que era distribuido por la potente Virgin Records, lo que les ocasionó problemas para ingresar en las listas independientes pasando prácticamente inadvertidos ante la prensa especializada. Statik Records incluso editó sin su autorización el segundo album en una versión reducida para los Estados Unidos. The Chameleons, más de fuerzas que de ganas, tuvieron que seguir adelante y cumplir con su contrato en Statik pese a este incidente. Poco después cambiaron de representante. Tony Skinkiss se marchó, ocupando su puesto Tony Fletcher con quien logran finalmente desvincularse de la compañía Statik y firmar con Geffen Records. La nueva disquera les ofreció una mayor y mejor distribución de sus discos y ciertamente, también les asignó un talentoso productor, Dave M. Allen (productor de The Cure).

Los dos primeros albums de The Chameleons fueron producidos por la banda con la participación de Colin Richardson y con total libertad creativa. Este tercer album 'Strange Times', publicado por Geffen en Septiembre de 1986, fue un disco con una propuesta más accesible, menos enérgico y más melódico respecto a los dos primeros albums. En 'Strange Times' el característico teclado atmósferico del album predecesor pasó a un segundo plano, introduciendo en cambio más guitarras acústicas y percusiones agresivas con algunos momentos de magia y oscuridad.

Este tercer disco fue lo primero que sonó en una emisora Limeña de la época. Únicamente fue programado por Doble Nueve. Fue así como llegué a la música de esta genial banda. La primera que escuché fue 'Caution', una de sus canciones más oscuras, así que con lo primero que relacioné su música fue con el Dark-Gothic Rock. Casi ocho minutos de abstracción. Otro clasicazo de este album es 'Swamp Thing' con su notable intro de guitarras hipnóticas, de lo mejor de su discografía. Seguramente la más recordada seguirá siendo la emotiva 'Tears'. Otra de las que sonaba en radio. Qué épocas. Un lujo escucharlos en la FM de entonces. 'In Answer' y 'Time / 'The End Of Time' igualmente destacan del resto, aunque en este caso se trata de canciones con estructuras y estribillos mucho más Pop. En Estados Unidos circuló una edición limitada con un segundo vinilo que contiene seis canciones más, entre ellas una versión diferente de 'Tears', más acústica, a mi gusto superior a la versión eléctrica del album. También incluye dos covers, 'Tomorrow Never Knows' (original de The Beatles) y 'John, I'm Only Dancing' (original de David Bowie) además de tres lados B. Disco imprescindible.

LOWLIFE - SAN ANTORIUM (1991)

'San Antorium' fue el cuarto album de esta banda de culto Escocesa. Disco innovador y arriesgado que dejó atrás el estilo clásico del grupo debido a sus arreglos complejos y al tratamiento misterioso que se le dio a sus atmósferas. Este disco posee una gran cualidad, fue el disco mejor concebido y trabajado, repleto de meticulosos detalles y de composiciones largamente superiores a las del disco predecesor. Sobrio, hipnótico y obsesivo. Las percusiones marciales de 'Jaw' con sus guiños al ruidismo con final abrupto incluido, 'Inside In' con la deformación de la voz perdiéndose al fondo de la mezcla, la fragilidad otoñal de 'Good As It Gets' con voz de acompañamiento, la frescura de 'Suddenly Violently Random' y la acertada electrónica de la hermosa 'Bathe' hicieron de 'San Antorium' un disco imprescindible. Probablemente no encierra algunas de las mejores canciones de la banda, pero se trata de esos discos para disfrutarlos de principio a fin. Sin pausa alguna.

'San Antorium' fue grabado en los Tower Studios de Glasgow entre Mayo y Junio de 1991, y publicado el 15 de Septiembre del mismo año. La producción estuvo a cargo de Calum Maclean. Aunque recibió críticas alentadoras, la banda no salió de gira. Dos de los integrantes originales habían abandonado Lowlife en 1990. La grabación de este cuarto álbum se realizó con el nuevo guitarrista Hugh Duggie y el nuevo baterista Martin Fleming, en reemplazo de Hamish Mackintosh y Grant McDowall, respectivamente. También existieron problemas financieros. Brian Guthrie, el manager de Lowlife, tuvo que agenciarse un préstamo para que ‘San Antorium’ finalmente sea publicado. Luego de un largo silencio de cuatro años aparecería un disco más, ‘Gush’ (1995), desbandándose definitivamente en 1997.

MEDICINE - SHOT FORTH SELF LIVING (1992)

1992 fue otro de los años gloriosos para el Shoegaze Británico. De hecho la mejor época sucedió especialmente entre 1990 y 1993, y para 1992 circulaban buenos discos no sólo de bandas Británicas, sino también de algunas Estadounidenses, como este bonito debut llamado 'Shot Forth Self Living' de la banda de San Fernando Valley, Los Ángeles, California: Medicine.

Por entonces ya era algo usual apreciar en el Shoegaze las capas y los efectos en la guitarra (atmosféricos y hasta agresivos) contrastando con dulces y sensuales melodías etéreas, voces susurrantes y base rítmica prácticamente sumergida en la mezcla. De pronto escuchar una canción como 'Aruca', con ese intro absolutamente transgresor (para la época), bien podía impactar a la primera escucha, al límite de engancharte totalmente, y más aún, si esa primera impresión sucedía a alto volumen. Precisamente esa fue mi primera experiencia con esta banda. Por entonces gustaba mucho de My Bloody Valentine, y 'Aruca' recordaba mucho a los Irlandeses por el uso del ruido elaborado (aunque no tanto) y la melodía repetitiva y hasta contagiosa.

La primera formación de Medicine estuvo conformada por Brad Laner (guitarra, vocales, percusión, teclados, además de productor), Beth Thompson (Vocales), Jim Goodall (batería), Jim Putnam (guitarra) y Eddie Ruscha (bajo, cintas, dirección artística y diseño).

Medicine firmó para la influyente independiente Londinense Creation Records hacia fines de 1991. Fue la primera banda Estadounidense en hacerlo. En abril de 1992 grabaron 'Shot Forth Self Living' en Hammer Sound Records de Chatsworth, California, USA, y fue publicado el 15 de Septiembre. El disco tuvo rotación en las radios universitarias y cobertura en la prensa alternativa. Inclusive algunos de sus videos fue programado en el MTV de la época, como es el caso de 'Aruca' y '5ive'.

Antes del album, Creation Records publicó en el mes de Agosto un EP presentando a la nueva banda de su catálogo. El EP apareció bajo el nombre 'Aruca', con cuatro canciones, la ya mencionada 'Aruca', 'Onion Flower', la notable 'The Powder' y 'World Hello'. De ellas, sólo la primera formaría parte del album.

Los picos más altos de 'Shot Forth Self Living' fueron la psicodélica 'One More' y sus nueve minutos llenos de fuzztone, 'Defective', '5ive' y 'Sweet Explosion', en todos los casos, canciones influenciadas por el Shoegaze de My Bloody Valentine y el Noise de Sonic Youth, buenas melodías con crudas y experimentales texturas y algo de Psicodelia. Medicine parecían más ser una banda Británica debido a su propuesta musical tan acorde a la escena que se desarrollaba en UK, en tiempos en los que el Grunge ya había acaparado por completo el circuito Alternativo Estadounidense.

Al mes siguiente, Creation Records los incluiría en 'Creation: Indie-Pop's Been Good To Us', el nuevo sampler del sello, junto a otras bandas del catálogo como Adorable, The Boo Radleys y Swervedriver, entre otras. Luego de tres albums y cinco singles, la banda se separó temporalmente pero retornarían en los años Dos Miles con algunos discos más.

LOVE & ROCKETS - EXPRESS (1986)

Cuando pienso en como surge Love & Rockets, me es inevitable asociar la idea con JOY DIVISION. En el caso de Joy Division, al suicidarse Ian Curtis, los tres miembros restantes dieron vida a NEW ORDER con un estilo diferente. En el caso de BAUHAUS, otra banda Postpunk emblemática y de la misma época, cuando se anuncia el fin de Bauhaus, Peter Murphy continúa como solista y los tres miembros restantes forman LOVE & ROCKETS con un estilo diferente al de Bauhaus. Ciertamente Daniel Ash y Kevin Haskins crearon antes TONES ON TAIL, banda paralela a Bauhaus que estuvo en activo de 1982 a 1984.

Express es el segundo disco de esta banda integrada por las tres cuartas partes de BAUHAUS: Daniel Ash (Vocales, guitarra), Kevin Haskins (batería, percusiones) y David J (bajo, vocales). De hecho los tres primeros albums de Love & Rockets son los mejores y Express el mejor entre los mejores.

Este album publicado el 15 de Septiembre de 1986, resultó ser un disco Psicodélico, tanto como el primero, aunque mucho más elaborado, de atmósferas intensas combinando tratamiento acústico con estallidos electrificados de fuzz bass, feedback y efectos de sonido sampleados. 'Kundalini Express', 'It Could Be Sunshine', 'Love Me', 'Ying And Yang (The Flower Pot Man)' y 'All In My Mind' son las piezas esenciales del disco. Un disco mucho más melódico, multicolor y a la vez potente. La producción estuvo a cargo de la banda y John A. Rivers, quien además participó de los teclados. La re-edición en CD incluye los lados B de los singles, entre ellos el cover del clásico sesentero de Pink Floyd, 'Lucifer Sam'.

DEATH IN JUNE - BURIAL (1984)

Segundo album de Death In June, publicado el 15 de Septiembre de 1984 y grabado con la formación original: Douglas Pearce, Patrick Leagas y Tony Wakeford.

El lanzamiento de Burial fue precedido por el single 'She Said Destroy' (1984), disco que marca el inició de las exploraciones acústicas. 'Doubt To Nothing' por ejemplo, poseía hermosos detalles realizados con el eco sobre la acústica. En tanto 'The Calling', una de las más notables composiciones siniestras, combinaba misteriosos teclados, acústica y cuerdas tratadas con flanger.

Burial consistía de cinco versiones en directo como lado B (tomadas de su presentación en el Clarendon Hotel de Londres, Octubre 1983) además de cinco versiones de estudio en el lado A.

Del lado B sobresalen especialmente 'All Alone In Her Nirvana' y 'Heaven Street' (versión extendida en directo, prolongada con pasajes atmosféricos más experimentales). En tanto, del lado A destacan 'Fields', 'Sons Of Europe' con su estilo marcial, igualmente la acústica 'Death Of The West' (percusión latosa y seca marcando el ritmo) y por último otro himno, 'Black Radio' con una introducción de pistas en reversa (música y voces), sonido pantanoso y fantasmal, base rítmica rockandrollera y en extremo bailable. Disco imprescindible.