XMAL DEUTSCHLAND - FETISCH (1983)

Brillante debut de esta banda de Hamburgo, Alemania, formada en 1980. XMal Deutschland se inició como un quinteto enteramente femenino con Anja Huwe (Voz), Manuela Rickers (Guitarra), Fiona Sangster (teclados), Rita Simon (Bajo) y Caro May (batería). Con esta formación publicaron en Marzo de 1981 el single 'Schwarze Welt' / 'Die Wolken' / 'Großstadtindianer', en la independiente Zickzack de Alfred Hilsberg con un sonido Postpunk experimental. También participaron en el sampler del sello Zickzack llamado ‘Lieber Zuviel Als Zuwenig’ (Junio 1981) junto a otras bandas Germanas como Palais Schaumburg, Kosmonautentraum, Die Tödliche Doris y Einstürzende Neubauten entre las más destacadas. XMal Deutschland figura con 'Kälbermarsch', una canción con un sonido crudo, sin pulir, muy elemental y experimental, tal como el de su primer single. Luego de esto, la bajista Rita Simon fue reemplazada por Wolfgang Ellerbrock, novio de la vocalista Anja.

En Mayo de 1982, luego de cuatro canciones algo inconsistentes, XMal Deutschland dan un tremendo salto y publican el single 'Incubus Succubus' / 'Zu Jung Zu Alt' / 'Blut Ist Liebe', enteramente escrito por Anja Huwe. Especialmente notables la primera -todo un clásico de culto- y tercera canción del 12 Inch. Luego de este segundo lanzamiento y a pesar de la solidez de su propuesta, la baterista Caro May deja de creer en el proyecto, abandona e ingresa en su reemplazo Manuela Zwingmann. Como dato curioso, a inicios de ese año, XMal Deutschland participó en el Nosferatu Festival junto a otras bandas de Dinamarca, Alemania y Suecia. Fueron dos días, 6 y 7 de Marzo de 1982 con 15 bandas en total. Un album recopilatorio de este festival fue editado en Dinamarca. La canción elegida de la presentación de XMal Deutschland fue 'Allein'. De las mejores de su primera etapa en Zickzack.

Hasta entonces, XMal Deutschland no había logrado llamar la atención del público Alemán pero las cosas cambiarían luego de enviar un demo a Ivo Watts-Russell y hacer un viaje a Londres. Acabarían teloneando a Cocteau Twins durante la gira del 'Garlands'. Fue así como lograron conseguir un contrato de grabación con 4AD, sello en el cual editaron sus mejores trabajos, alcanzando los primeros lugares de las listas independientes Británicas, aún cuando sus temas eran cantados en Alemán.

"La música que comenzamos a hacer era inusual en ese entonces porque usábamos sintetizadores y éramos mujeres. Nos trataron de manera distinta. La música era fuerte pero también fue porque éramos solo chicas. Queríamos ser las mejores. La escena era interesante en Hamburgo. Por lo menos durante uno o dos años, todo era novedoso y nos gustaba. Pero más tarde, cuando fuimos a Londres, la escena era todavía más fuerte. Más estilos musicales nos gustaron" - Anja Huwe

"Después de dos singles hicimos una gira con D.A.F. en Alemania. Comprendimos que Inglaterra era un destino lógico porque nuestro sonido pertenecía a la escena de allá. La idea vino de Alex Hacke que después de escuchar nuestras cintas nos dijo que sonaba muy Inglés, que teníamos que estar ahí, 4AD era un buen sello para nosotros. Manuela fue a Londres y les dio una cinta. A Ivo le gustó y quería hacer un disco. Estábamos emocionados. Ivo supo de inmediato que había talento. Tenía claro lo que quería de nosotros, aunque no necesariamente fuera lo que nosotros éramos. No es que hubiera sido destructivo para nosotros quedarnos con él en 4AD, aunque fue moderado. O te quedas en un sello independiente y te conviertes en una especie de grupo de culto, o te desarrollas y cambias musicalmente. Esa fue nuestra orientación tras dos albumes y dos EPs" - Anja Huwe

Ivo Watts-Russell: "Lo que hice fue volar a Hamburgo para reunirme con ellos. Hubo una película a fines de los años 70 sobre Christiane F, sobre una joven de Hamburgo adicta a la heroína. Esta persona famosa vivía en la casa de Anja, donde me alojé. También fui a Reeperbahn, fue algo fascinante. Había escuchado de ese lugar por los Beatles. Ahí fue donde aprendieron a tocar a principios de los años 60. Los músicos de XMal Deutschland son personas muy gentiles. Les dije que quería hacer un disco con ellos y que podía apoyarlos en la producción. De no funcionar, asumiría la responsabilidad. Muchas veces experimento con registros grabados por otras personas, estos desaprovechaban elementos que sonaban mejor que en la versión demo. Les dije que podía grabar un disco que sonara mejor que el 'Incubus Succubus'. No sabía hasta dónde iba a llegar, hicimos el disco en Blackwing Studios donde yo era el ingeniero de sonido. Fue muy rápido. Creo que se quedaron en mi apartamento y durmieron en el suelo. No sé si han hecho eso todo el tiempo, pero no importa. El registro de la percusión en Blackwing siempre ha sido difícil, complicado. Es un aspecto muy importante, independiente del disco. En esa época no teníamos una sala dedicada específicamente a este propósito. John Fryer todavía estaba en la etapa de aprendizaje. En un grupo poderoso de guitarra -bajo- batería, el sonido de la percusión marcará el resto. La percusión es muy poderosa en un EP como 'Qual'. También hay muchas coincidencias, en particular los efectos en la voz, como en 'Garlands' de Cocteau Twins"

'Fetisch' fue publicado por 4AD el 11 de Abril de 1983. La producción estuvo a cargo de Ivo Watts-Russell y XMal Deutschland, con John Fryer como ingeniero de sonido. El disco fue grabado en los Blackwing Studios de Londres.

La primera parte de 'Fetisch' se inicia con 'Qual', una de sus canciones más significativas. Oscura con sonido cósmico, letra agresiva y ritmos trepidantes a cargo de Manuela Zwingman en los tambores. Tras la grabación de este disco abandonaría la banda. 'Geheimnis' es igualmente notable con la hipnótica guitarra de Manuela Rickers, sin duda, el sello distintivo de XMal Deutschland junto a Anja Huwe y su personalísimo estilo vocal. Otra de las canciones especialmente destacadas es la que cierra la primera parte del 'Fetisch', 'Orient' con los teclados rituales de Fiona Sangster con un tema recurrente por la época... el Oriente. Muchas bandas de la New Wave encontraron especial fascinación por los sonidos de Oriente. Un par de año antes Siouxsie & The Banshees habían lanzado su single 'Arabian Knights'. Ciertamente las comparaciones siempre son odiosas. Anja Huwe en los primeros dos años estuvo cansada de que la comparen con Siouxsie. De hecho Anja tiene un estilo diferente y las guitarras de XMal Deutschland siempre sonaron distinto a las de los Banshees y ni que decir de los teclados. Ambas bandas desde siempre tuvieron lo suyo y aportaron mucho. En el caso de 'Fetisch', las letras son simples, los mensajes son directos y elementales, pero con esa musicalización de lujo, poco importa la lírica profunda y conmovedora.

La segunda parte del album contiene especialmente tres buenas canciones, 'Boomerang' y 'Hand In Hand' de estribillo pegadizo y rítmica ágil, y 'Kaempfen', mucho más enérgica, en la línea de 'Geheimnis'. la del final también es una joyita, 'Stummes Kind'. Voces disonantes, ritmos tribales, bocetos primitivos de teclado, angustia y opresión, una extraña ensalada de sonidos oscuros y en algunos casos fantasmales, todo eso es 'Fetisch'.

"Somos una banda algo triste pero a mi me gusta describir lo que hacemos como una melancolía positiva más que cualquier otra cosa, una tristeza teñida con un toque real de esperanza. Las bandas que se muestran todo el tiempo felices solo te están vendiendo falso optimismo" - Anja Huwe

En Junio del mismo año fue editado como single la canción 'Qual' con un remix hecho por Ivo y con dos canciones como lados b, 'Zeit' y 'Sehnsucht'. La re-edición en CD incluye el album + single. Por último, en Septiembre fue editado 'Incubus Succubus II', el clásico grabado en Zickzack del año anterior, en una versión superior supervisada por Ivo Watts-Russell y con un nuevo lado b, 'Vito'.

XYMOX - TWIST OF SHADOWS (1989)

En Octubre de 1988, tras la marcha de 4AD y el fichaje a la Wing Records (subsidiada por la potente Polygram), esta banda de Nijmegen, Holanda, acortó su nombre de Clan Of Xymox a Xymox simplemente. Reformó su sonido encaminándose por un terreno algo más accesible, lo que los condujo incluso hacia las pistas de baile de media Europa. 'Twist Of Shadows' fue un disco evidentemente más enérgico y de melodías con acercamientos a la música popular (especialmente en los singles), aunque desmarcándose de ésta con inteligencia, aplicándole algo de magia y oscuridad a sus composiciones.

Con la salida de tres maxi-singles conteniendo los remixes de 'Obsession', la conmovedora 'Imagination' (con la sobresaliente vocalización de Anke Wolvert) y 'Blind Hearts', el album 'Twist Of Shadows' vendió en Norteamérica más de 300,000 copias ese año. El album fue producido por Peter Walsh. Además de los tres singles mencionados, este disco también incluye 'Evelyn', 'Craving' y 'Clementina', entre otras.

THE WILD SWANS - BRINGING HOME THE ASHES (1988)

The Wild Swans se formaron en Liverpool, Inglaterra, en el año 1980, poco después de que Paul Simpson abandonara a The Teardrop Explodes. Simpson, el único miembro estable en todas las transformaciones que ha sufrido The Wild Swans, también fue el compositor de los dos primeros singles de The Teardrop Explodes editados durante 1979. Paul Simpson en voz y Gerrard Quinn en teclados (otro ex-The Teardrop Explodes), forman The Wild Swans junto a Jeremy Kelly en guitarra, James Weston en bajo y Justin Stavely en batería.

Antes de la grabación del único single lanzado en los primeros años de The Wild Swans, el baterista Stavely abandonó el proyecto. El resto de la banda lanzó un sobresaliente single llamado 'Revolutionary Spirit' (1982) con Louis Vincent como productor. Louise y Vincent eran en realidad los dos segundos nombres de Pete De Freitas, el desaparecido baterista de Echo & The Bunnymen, quien además de financiar la salida de este disco, se encargó de la batería.

Además del emblemático single 'Revolutionary Spirit', The Wild Swans grabaron una Peel Session en Mayo de 1982 (con el baterista Alan Wills y el bajista Baz Hughes) y una sesión para Dave Jensen el mismo año. Luego de esto, el grupo se desbandó. La Sesión Peel para Radio 1 sería posteriormente editada en 1986.

Apenas con un single, The Wild Swans se convirtieron en una banda de culto por sus guitarras Postpunk en comunión con el piano y letras románticas. Los músicos que formaron parte de esta primera formación de The Wild Swans, tuvieron sus propias bandas, igualmente grupos de culto que engrandecieron el mito de los Cisnes Salvajes.

Paul Simpson se unió a Ian Broudie y dieron vida a Care, nombre bajo el cual grabaron tres singles durante 1983-84. Luego de esta aventura, Ian Broudie forma algunos años después su propia banda, Lightning Seeds... El tecladista Gerrard Quinn y el guitarrista Jeremy Kelly formaron The Lotus Eaters en 1983 junto a Peter Coyle... El baterista Alan Wills en tanto, se fue a las filas de The Room.

En 1988 The Wild Swans retornaron para finalmente grabar su primer album 'Bringing Home The Ashes' con Paul Simpson y Jeremy Kelly. El tecladista Gerrard Quinn no se sumó a esta reunión. Como sabemos, Simpson, Kelly y Quinn como trío, fueron los creadores de las primeras composiciones de The Wild Swans. En lugar de Quinn, ingresó Joseph Fearon en bajo, además de músicos de sesión en los teclados y batería. El disco fue grabado y mezclado en Londres durante la segunda mitad de 1987 bajo la producción de Paul Hardiman, y publicado el 10 de Abril de 1988. Aunque no llega al nivel de calidad de las composiciones de los primeros años (recogidas en el doble recopilatorio 'Incandescent', 2003), 'Bringing Home The Ashes' nos devuelve la magia del Postpunk y del New Romantic decididamente más guitarrero en canciones como 'Bible Dreams' y 'Young Manhood', ambas lanzadas como singles. Sonido directo, sin complicaciones, tal vez algo inofensivo pero con buena pegada, buenas melodías, buenas letras. Canciones como 'Bitterness' recuerdan un tanto a Echo & The Bunnymen y sobre todo a The Teardrop Explodes. 'Whirlpool Heart' es otra buena canción, igualmente la que cierra el album, 'The Worst Year Of My Life', o 'Mythical Beast' nos recuerda aquel The Wild Swans de 'The Iron Bed' o 'Revolutionary Spirit'. Mi canción favorita es la que da título al disco: 'Bringing Home The Ashes'. Disco imprescindible.

COCTEAU TWINS - VICTORIALAND (1986)

'Victorialand' fue el disco con el cual conocí la música de Cocteau Twins. Precisamente el album más experimental. Aún no estaba preparado para entenderlo. Era 1987. Luego de 'Victorialand', Cocteau Twins ya sonaba algo más Pop y en mi caso, 'Heaven Or Las Vegas' (1990) fue el enganche definitivo. Tras escuchar íntegramente el Box Set de EPs editado en 1991, quedé enamorado de esta banda Escocesa y más aún, el sonido se me hizo muy familiar pues eran las épocas de la explosión del Shoegaze, el Dreampop y de sellos como Hyperium. Pero volviendo a 'Victorialand', la edición que cayó en mis manos en 1987 fue la edición Argentina de DG Records, una de las disqueras más importantes de ese país, disquera que era propiedad del Argentino Daniel Grinbank, un empresario visionario que no sólo se atrevió a editar en Argentina algunos albums de Cocteau Twins, The Bolshoi, Gene Loves Jezebel, Bauhaus, Throwing Muses, Dead Can Dance, New Order, Peter Murphy, etc, sino que llevó a su país innumerables artistas.

El 7 de Abril de 1986 fue publicado este cuarto album de Cocteau Twins, considerado por algunos como la cúspide de su carrera. En 'Victorialand' participó el líder de Dif Juz, Richard Thomas, quien aportó a las atmósferas con su inconfundible saxo. 'Victorialand' representó el inicio de su sonido aún más atmosférico, etéreo, vaporoso y al mismo tiempo espiritual, caracterizado por la ausencia de percusiones. Canciones como 'Lazy Calm' describían muy bien su nueva propuesta. 'Throughout The Dark Months Of April And May' también destaca por su belleza y hace referencia a los meses más oscuros de la Antártica, igualmente 'Whales Tails' con sus delicadas cuerdas y otra referencia, en este caso a la fauna Antártica. También sobresale especialmente la impresionista 'Oomingmak' que usó 4AD en versión instrumental como cortina del video sampler 'Lonely Is An Eyesore'. 'Little Spacey', 'Feel-Like Fins' y 'How To Bring A Blush To The Snow' igualmente son composiciones que trascienden a este mundo. Los registros vocales y el color de voz de Elizabeth Fraser brillan espléndidamente en este album. Resulta difícil resaltar unas canciones de otras por lo conceptual de la obra. Un disco intenso y sumamente emocional. La palabra 'belleza' no suele estar presente en mis escritos, también es raro encontrar 'sublime', pero la música de esta banda si merece esos adjetivos.

'Victorialand' es pues un disco luminoso y ambiental que emana belleza a raudales. El título del disco se refiere a una parte de la Antártica llamada Victoria Land. Este album lleva un título contradictorio pues la música en 'Victorialand' es más bien cálida y otoñal, aunque también podría darnos la sensación de estar como en una nube o en un paraje celestial... 'Victorialand' es en esencia la voz angelical de Liz y las guitarras acústicas y efectos de Guthrie... pura atmósfera. Un disco conceptual de gran nivel que llegó a ser denominado en Reino Unido como 'La Voz De Dios'. En 'Victorialand', la lírica pasa a un segundo plano y la dulce voz de Liz es protagonizada como un instrumento más y el más importante de todos.

'Victorialand', el disco más experimental y extremo de Cocteau Twins fue el primer album que llegó al Top 10 en UK (# 10 en Abril de 1986) sólo superado por 'Heaven Or Las Vegas' (# 7 en Septiembre de 1990). Disco imprescindible.

MODERN ENGLISH - MESH & LACE (1981)

Album debut de esta banda de Colchester, Essex, Inglaterra, producido por Modern English y publicado en 4AD el 6 de Abril de 1981. Incluye '16 Days' (luego covereada por This Mortal Coil), 'The Token Man' y 'A Viable Commercial', entre otras. Afterpunk inteligente, canalizando la agresión de un modo más artístico con avanzadas técnicas de estudio (para la época). Voces procesadas, guitarras hiper-saturadas, ráfagas cortantes de guitarrazos y cambios de ritmo abruptos, collages sonoros, sonidos estridentes contrastando con coloridas armonías, potente base rítmica, coros usados como un instrumento más, efectos inesperados. Sin duda, un disco imprescindible que se adelantó a su época. Ciertamente no contiene ninguna canción gancho o de fácil acceso como en sus discos posteriores. Se trata de un disco conceptual.

La versión CD de 'Mesh & Lace' incluye 7 tracks adicionales aparecidos previamente en singles: la memorable 'Gathering Dust' (otra covereada por This Mortal Coil), la fantástica 'Tranquility Of A Summer Moment', 'Swan Of Glass', 'Incident', 'Smiles And Laughter', 'Mesh And Lace' y 'Home', es decir, todo el material lanzado por Modern English en 4AD durante 1980/ 81 a excepción del primer single 'Drowning Man' que apareció en otro sello. Modern English fue mucho más que sus inolvidables canciones 'I Melt With You', 'Spinning Me Round', 'Someone's Calling', 'Ink And Paper' y otras. 'Mesh & Lace' encierra la época más brillante y menos conocida de esta banda visionaria. Como en todos sus lanzamientos en 4AD, imprescindibles.

TONES ON TAIL - POP (1984)

Tones On Tail fue el proyecto de DANIEL ASH (voz, guitarra) paralelo a BAUHAUS que dio cabida a sus inquietudes musicales no tan oscuras sino más bien Psicodélicas. Ash forma este proyecto en los últimos días de 1981 junto a su amigo Glenn Campling (bajo). Tras la separación de Bauhaus en 1983, ingresaría Kevin Haskins (batería, electrónica). De este modo, Tones On Tail se convertía en el nuevo grupo de dos ex-Bauhaus y sus experimentos con electrónica hipnótica y samples darían vida un par de años más tarde a LOVE & ROCKETS.

El primer lanzamiento de TONES ON TAIL se produjo bajo el sello 4AD en Marzo de 1982. Se trataba de un EP intitulado que contenía cuatro canciones, de ellas 'A Bigger Splash' sobresalía por su base rítmica minimal que recordaba a la del mítico dúo Suicide de New York. De hecho Martin Rev y Alan Vega ejercieron una enorme influencia en los primeros pasos de Daniel Ash al frente de su propio proyecto. La guitarra de Ash suena genial en Tones On Tail, tanto como en Bauhaus, con notas sostenidas y distorsión controlada, pasando por silencios abruptos que marcaban la entrada a su voz, tal y como sucedía en la brillante 'Means Of Escape'. Este primer lanzamiento fue grabado como dúo. Ash (voz, guitarra, saxo, teclados) y Campling (bajo, voz) se hicieron cargo de todos los instrumentos y voces. Especialmente destacable el trabajo de Ash en toda la musicalización.

El siguiente lanzamiento igualmente como dúo fue el 12" single 'There's Only One' (Septiembre 1982) bajo la etiqueta Beggars Banquet. Lo más resaltante del disco fue la rítmica bailable y algo melosa, llena de arpegios, con una remezcla llamada 'No We Lustre' repleta de efectos en guitarra y voz. Ash se hizo cargo además de una guitarra acústica y Campling de los sintetizadores y ritmos.

El EP 'Burning Skies' (Mayo 1983) es aún más Psicodélico. Una extraña mezcla de Psicodelia y Pop con un sonido vanguardista que se aleja de toda la marejada de músicos Techno-Pop de la época. Tones On Tail tenía un sonido único con inteligentes y elaborados detalles de ingeniería. 'Burning Skies' es uno de sus temas cúspide con sus serenos espirales de introspección y descargas eléctricas dando paso a climas planeadores y un bajo atmosférico. 'When You’re Smiling' es uno de los temás más creativos y mejor elaborados de Tones On Tail con un concepto minimal y a la vez exótico y hasta espacial, con samples deliciosos como el sonido del disparo de un cañón repitiéndose una y otra vez a lo largo de toda la canción -luego 'calcado' por Primal Scream en 'Higher Than The Sun'- dándole un sentido mucho más alucinógeno al tema. Ráfagas de ruido zigzagueante apareciendo y desapareciendo, recreando atmósferas espaciales, como los vibrantes motores de aeronaves no identificadas. Falsos finales combinados con las irónicas carcajadas de alguna muchedumbre… una auténtica joya. El instrumental 'You, The Night And The Music' estuvo igualmente compuesta y producida por Ash y Campling, en tanto la pegadiza 'OK, This Is The Pops' fue el primer aporte de Kevin Haskins en composición.

Los diez temas incluidos en estos tres primeros lanzamientos de Tones On Tail, fueron compilados en el album 'Tones On Tail' (1985) lanzado bajo la etiqueta Situation Two, otra de las discográficas subsidiadas por la Beggars Banquet. Este disco recopilatorio es imprescindible e incluso supera al album 'Pop' (1984), único lanzamiento oficial de Tones On Tail en formato album. 

Antes del album debut fue publicado el 12" single 'Performance' / 'Shakes' (Marzo 1984) y el 12" single 'Lions' / 'Go!' (Mayo 1984). 'Go!' es una canción que se convirtió en todo un clásico en las pistas de baile de la época.

El album 'Pop' finalmente fue publicado por Beggars Banquet el 6 de Abril de 1984. Los mejores momentos del disco: la apacible 'Lions', 'Movement Of Fear' con climas orientales, los vacíos sonoros de 'Real Life', la brillante 'Rain' con sus texturas de ambientes siderales, ésta última, una composición majestuosa en donde intentaron con éxito representar la universalidad espiritual con sonidos que nos conducen a paisajes desolados de otros mundos. Más de ocho minutos de viaje. Pero no sólo destacan 'Rain', 'Real Life', 'Movement Of Fear' o 'Lions', el album 'Pop' también incluye su clásico 'Performance' con el cello de Caroline Lavelle y 'Happiness', que es todo un guiño al 'The Lovecats' de The Cure. Un buen disco de principio a fin.

La despedida de Tones On Tail fue con el 12" single 'Christian Says' / 'Twist' (Noviembre 1984). 'Twist' pasó a ser su canción más reconocible y recordada en donde combinaron el Garage de los años 60 con la fuerza del Afterpunk.

"Éramos un grupo heterogéneo de individuos que básicamente quería sonar como una banda de Venus o Marte!" - Daniel Ash

Al año siguiente Glenn Campling abandona el proyecto y Tones On Tail pasa a mejor vida. Fue entonces cuando Daniel Ash y Kevin Haskins le propusieron a David J (ex-bajista de Bauhaus y hermano de Kevin) formar un nuevo grupo: LOVE & ROCKETS.

PIXIES - SURFER ROSA (1988)

Black Francis (guitarra, voz) procedente de California, y el filipino Joey Santiago (guitarra), amigos desde la universidad, dieron vida a los Pixies In Panoply durante 1986 junto a Kim Deal (bajo, vocales), procedente de Ohio, y a David Lovering (batería) de Boston, ciudad en la cual se asentaron como banda, acortando el apelativo a Pixies y consiguiendo un sustancioso contrato con el innovador e influyente sello británico 4AD. El Mini-LP 'Come On Pilgrim' (1987) sirvió como debut a los duendes de Boston. Hardcore melódico, Speed Surf y efectivas pinceladas Pop fueron la base de su sonido. Inicialmente fueron ampliamente reconocidos en UK. Las primeras semillas letales: 'Vamos', 'Isla De Encanta' y la deliciosa 'Caribou'. Esta última fue precisamente lo primero que escuché de Pixies y quedé totalmente enganchado con su música.

'Surfer Rosa', publicado el 21 de Marzo de 1988, fue la confirmación del talento de los duendes con la eufórica 'Bone Machine' y las líneas del bajo de Kim como sello identificativo, la juguetona y epiléptica 'Broken Face', la dulce 'Gigantic' (única composición de Kim Deal y single del disco) vocalizada por su creadora. La sensibilidad Pop de 'Where Is My Mind?' (nada como la original), la frenética 'Oh, My Golly' con sus frases en un español masticado e ininteligible, o la revisión más electrificada del 'Vamos' del debut. En resumen, 'Surfer Rosa' resultó ser un disco innovador e influencial, tanto por los cambios repentinos, los arrecifes sonoros y su métrica desquiciada, como por la acertada combinación de ruido y melodía, aunque en un sentido crudo y algo salvaje. La producción estuvo a cargo de Steve Albini. Una curiosidad, en los créditos del disco aparece Kim Deal como Mrs. John Murphy. Seguramente conocen la anécdota. 'Surfer Rosa' abrió nuevos horizontes para muchas bandas de los años 90. Discazo.

CINDYTALK - IN THIS WORLD (1988)

¿Dark Ambient? ¿experimental? ¿Industrial? La música de gordon Sharp es sencillamente inclasificable. In This World es el segundo album de Cindytalk y se divide en dos partes.

In This World reunía material grabado entre 1985-87. Este disco igualmente destaca por el estado anímico de Gordon Sharp, quien pasa de un piano minimalista, repleto de silencios y melancólico en extremo, a distorsiones desenfrenadas y dinámicas. Las partes de piano recuerdan los climas serenos de algunas bandas de la escena Hyperium de los primeros años 90, especialmente Black Rose.

La segunda parte de este doble album es totalmente instrumental y atmosférica, de notorio raigambre clasicista, recreando largos entramados en los que se combina el característico piano con capas de ruido, consiguiendo con ello imprimirle un sentido artístico bastante innovador, ideal para disfrutar en paisajes desolados. Sharp se adelantó a su época, prueba de ello fue su reconocimiento en 1998 como parte del proyecto After The Flood junto a Warren DeFever y a bandas Post-Rock de primera línea como Labradford y Windy & Carl. En los 90, Cindytalk publicó igualmente dos albums, y a partir del 2009 uno por año. Existe una notable evolución. Ya queda de cada quien explorar en ellos.

DEATH IN JUNE - THE WALL OF SACRIFICE (1989)

Death In June, en mi humilde opinión, es un grupo tan bueno como Bauhaus e inclusive superior a The Sisters Of Mercy. De hecho Douglas Pearce es un músico muy prolífico y aún continúa grabando y haciendo giras. Este The Wall Of Sacrifice es el segundo mejor album de la banda.

Sexto disco de estudio y uno de los más preciados trabajos del proyecto Death In June. Thè Wäll Öf Säcrificè fue publicado el 6 de Marzo de 1989 e incluye tres notables piezas acústicas: Giddy Giddy Carousel, Fall Apart y Hullo Angel, sin duda, de las mejores de toda la discografía de DIJ. Heilige Leben es una pieza instrumental tenebrosa, panteónica y hasta espeluznante, con el teclado en una nota sostenida por vez y cánticos infantiles sumergidos en la mezcla. Ideas simples para grandes resultados, menos es más.

Además de Folk Apocalíptico (Neofolk) y algunos toques siniestros, en Thè Wäll Öf Säcrificè retoman el concepto marcial/ industrial del tema 'Death Of A Man' incluido en el album The Wörld Thät Sümmer (1986). La instrumental que abre el disco es Thè Wäll Öf Säcrificè, una extensa pieza de más de 15 minutos de duración, muy atmosférica y sintetizada, timbres, campanas, marchas, múltiples voces y cerrando el disco, Death Is A Drummer, con collage de ruidos diversos, más marchas marciales, tonadas militares y recreaciones sonoras del paso de tropas y de aeronaves de guerra.

Thè Wäll Öf Säcrificè contó con la participación de Douglas Pearce, David Tibet, Rose McDowall, Patrick Leagas, Andrea James, Boyd Rice (líder de NON y responsable de la existencia de otros varios proyectos interesantes como Boyd Rice Experience, Spell y especialmente Scorpion Wind) y Nikolas Schreck.

DEPECHE MODE – BLACK CELEBRATION (1986)

'Black Celebration' es un disco único por muchas razones, inclusive es considerado por muchos como el mejor album de Depeche Mode editado en los años 80. Este quinto disco fue producido por Daniel Miller, Gareth Jones y Depeche Mode.

Publicado el 17 de Marzo de 1986, 'Black Celebration' trazó un nuevo camino en la propuesta musical de la banda, un sonido alejado definitivamente de la época festiva de los primeros hits para apostar por otro más oscuro y algo más denso, hipnótico y de mayor elaboración en el que tuvo mucho que ver Alan Wilder, quien empezaba en la misma época su propio proyecto llamado Recoil. 'Black Celebration' es un disco de mayor seriedad temática a cargo de Martin Gore y que nos trajo como novedad la continuidad de sus tracks, enlazando parte de sus canciones y otorgándole de este modo un carácter conceptual a la obra. Momentos algo fúnebres, otros dramáticos, críticos e incluso románticos y hasta sensuales. Probablemente en el momento de su edición, quienes aún no se se sentían totalmente convencidos con esta banda, tras escuchar 'Black Celebration' terminaron enganchados por completo.

Este album marcó el inicio del sonido más distintivo de Depeche Mode como banda. Otra particularidad de este disco es el hecho de que las labores de vocalista se repartieron entre David Gahan y Martin Gore como nunca antes y nunca después. Martin Gore canta cinco de las once canciones incluidas en la edición original, obteniendo casi tanto protagonismo que David Gahan. De hecho el primer single (cara A) de Depeche Mode cantado por Martin Gore salió de este album, 'A Question Of Lust' (# 28 en UK en Abril de 1986). Los singles no tuvieron la misma llegada que los de anteriores albums ('Stripped' # 15 en UK en Febrero / 'A Question Of Time' # 17 en UK en Agosto) pero 'Black Celebration' fue el mejor ubicado de todos sus albums -incluyendo recopilatorios- editados en los años 80: # 4 en UK en Marzo.

Algunos otros sobresalientes momentos de este disco: 'Fly On The Windscreen - Final', 'Black Celebration', 'Here Is The House' y 'New Dress'. En la edición original para USA se incluyó a último momento 'But Not Tonight'. La letra de esta canción no apareció a tiempo en la funda interior. Originalmente 'But Not Tonight' fue el lado B del single 'Stripped' (edición UK) pero debido al éxito de esta canción tras su inclusión en el Soundtrack del film 'Modern Girls', fue añadida a la edición para USA y poco después lanzada como cara principal del single 'Stripped' para USA y Canadá.

NAKED EYES – BURNING BRIDGES (1983)

Neon fue una banda formada en 1980 en la ciudad de Bath, Inglaterra, por los dos futuros integrantes del dúo Naked Eyes, Pete Byrne y Rob Fisher, además de los dos futuros integrantes de Tears For Fears, Curt Smith y Roland Orzabal. En Neon también estuvieron Manny Elias, quien acompañaría a Tears For Fears como baterista en los dos primeros albums, y por último Neil Taylor, guitarrista colaborador de Tears For Fears en su segundo album. Dicho en otras palabras, Neon es el grupo origen de dos nombres muy importantes en los años 80, Tears For Fears y Naked Eyes.

Neon apenas publicó dos 7" singles, 'Making Waves' (1980) y 'Remote Control' (1981), ambos compuestos por Byrne y Fisher. La producción estuvo a cargo de la banda al completo. Según palabras de Pete Byrne, Neon sonaban a Naked Eyes pero con guitarra, batería y bajo. Estas cuatro canciones afortunadamente fueron remasterizadas e incluidas en el recopilatorio de Naked Eyes llamado 'Everything And More' (2002).

Volviendo a Naked Eyes, Byrne y Fisher, decidieron mantenerse como un dúo y confiar su sonido completamente en la nueva tecnología de la época. Eran muchos los dúos que se habían hecho conocidos en la New Wave de aquellos meses. Rob Fisher se haría cargo de los teclados, emulator y composición musical, y Pete Byrne (el vocalista de Neon), también sería la voz en Naked Eyes, además de escritor del texto. El productor de los nuevos Naked Eyes fue nada menos que Tony Mansfield, el líder, productor, compositor, vocalista, tecladista y guitarrista de New Musik. Mansfield fue el guía de Naked Eyes. Su aporte fue fundamental en el sonido del primer album del dúo. Además de la notable producción, Mansfield se hizo cargo de la programación de teclados, batería computarizada y guitarra. La historia cuenta que Mansfield conoció a Naked Eyes gracias a un demo que el dúo había enviado a EMI (entre otras compañías). Específicamente la canción que llamó la atención de Mansfield fue el cover de 'Always Something There To Remind Me', una famosa composición de Burt Bacharach / Hal David que se hizo muy conocida en los años 60 en la voz de Sandie Shaw (1964) en UK y Dionne Warwick (1967) en USA. Para cuando Naked Eyes grabó este clásico en clave Techno-Pop, ya había sido covereada más de una veintena de veces, sin embargo la versión de Naked Eyes le proporcionaba frescura y vigencia al viejo tema, como ya lo había hecho un año antes Soft Cell con otra famosa canción de los años 60 ('Tainted Love'), llevándola a los primeros lugares en su versión sintética. 'Always Something There To Remind Me' fue un rotundo éxito a ambos lados del Atlántico. El single fue lanzado en 1982 pero fue recién en Julio de 1983 cuando logró ocupar la posición # 59 en UK. Fue el único single de Naked Eyes rankeado en Inglaterra. El éxito en los Estados Unidos fue en cambio rotundo. 'Always Something There To Remind Me' escaló hasta el casillero # 8 en Junio de 1983.

El album debut de Naked Eyes fue grabado en los legendarios Abbey Road Studios de Londres. En UK fue publicado el 16 de Marzo de 1983 con el nombre 'Burning Bridges' y en USA en Abril, simplemente como 'Naked Eyes'. En cuanto al contenido, el orden de las canciones fue totalmente distinto y lo más importante, la edición para UK contenía dos canciones adicionales, 'A Very Hard Act To Follow' y 'The Time Is Now'. En las grabaciones del album participó Phil Towner (baterista de New Musik).

Este album debut produjo además de 'Always Something There To Remind Me', otros dos singles de éxito en los Estados Unidos, 'Promises, Promises' (# 11 en Octubre) y 'When The Lights Go Out' (# 37 en Diciembre). Curiosamente el cuarto single 'Voices In My Head' no rankeó.

Sin duda 1983 fue el año de la New Wave en los charts de USA. El 25% del total de singles rankeados en US pertenecieron a la New Wave, ya sea de US o UK, y Naked Eyes fueron de los más populares y reconocidos del Electro-Pop en las listas. Al margen de popularidad y ventas, este album debut de Naked Eyes es una auténtica joya que se disfruta de principio a fin. Canciones como 'I Could Show You How', 'Fortune And Fame', 'Low Life', 'Burning Bridges' o las antes mencionadas, dejaron una imborrable huella en toda una generación.

TALK TALK – THE COLOUR OF SPRING (1986)

Con este tercer album publicado el 15 de Marzo de 1986, esta banda de Londres consiguió el reconocimiento definitivo, el # 8 del Chart Británico y su primer disco de oro. Al margen de las ventas y de la creciente popularidad del trío, el album poseía una sobresaliente producción a cargo de Mark Hollis y Tim Friese-Green, éste último, el cuarto integrante que se unió al grupo en Marzo de 1983 como tecladista y brazo derecho de Hollis, ocupándose de las tareas de producción y composición del material de la banda. A pesar de ello, fue como una mano invisible que encaminó a los Talk Talk por un terreno más ambicioso en calidad compositiva lírico-musical, producción, y estética de 'Living In Another World' y 'Life’s What You Make It', por ejemplo, ya que la cuidadosa manufactura de las cubiertas de sus discos y video-clips, les fueron estratégicamente identificativas. Disco Imprescindible.

MORRISSEY - VIVA HATE (1988)

Disco debut de Morrissey, el artista más amado / odiado de los años 80, irónicamente titulado 'Viva Hate'. Inicialmente el nombre del album fue 'Education In Reverse', pero lo cambiaron a ultimo minuto. En Australia apareció con el nombre original. La fecha oficial del lanzamiento del 'Viva Hate' de Morrissey fue el 14 de Marzo de 1988, apenas medio año después del anuncio de la separación de su ex-banda The Smiths. El disco fue producido por Stephen Street, el ingeniero de sonido de The Smiths en 'Meat Is Murder' (1985) y 'The Queen Is Dead' (1986) y además productor junto a Moz y Marr en 'Strangeways, Here We Come' (1987). Stephen Street también se hace cargo del bajo y composición de la música para las letras de Morrissey.

En el disco también participan Andrew Paresi en bateria y Vini Reilly (The Durutti Column) en guitarras y teclados, además de otros seis músicos en cello, viola y violín. Viny Reilly es el responsable de ese sonido atmosférico del 'Viva Hate'. En el single de Adelanto lanzado un mes antes, 'Suedehead' (lo primero que se escuchó de Mozz tras la separación de The Smiths), las guitarras de Viny Reilly confundían por su parecido con Johnny Marr y ciertamente en 'Viva Hate' se incluyen otras canciones que recuerdan a The Smiths, como 'Margaret On The Guillotine' por ejemplo. Morrissey y Viny Reilly se conocieron a fines de 1977 cuando ambos formaron parte de una banda Punk llamada The Nosebleeds.

Los mejores momentos de 'Viva Hate': la épica 'Everyday Is Like Sunday', la famosísima 'Suedehead', 'Bengali In Platforms', 'Alsatian Cousin', 'I Don’t Mind If You Forget Me', 'The Ordinary Boys' y la censurada 'Margaret On The Guillotine', entre otras. Algunas ediciones incluían la notable 'Hairdresser On Fire' (lado B del single 'Suedehead'). El diseño de portada estuvo a cargo del reconocido Holandés Anton Corbijn.

DEPECHE MODE - 101 (1989)

101 fue editado como doble LP, doble CD y VHS. Este disco es el documento de la gira 'Tour For The Masses' y muestra el momento máximo de popularidad alcanzado por la banda en Los Estados Unidos durante 1987/ 88 con el album que los llevo a la cima: 'Music For The Masses' (1987). El concierto ofrecido en el Rose Bowl de Pasadena, California, el 18 de Junio de 1988 ante 70 mil personas, fue el concierto # 101 de la gira y Alan Wilder sugirió el título de este clásico album. '101' incluye parte de lo mejor de la banda durante los años 80. Es casi un 'Greatest Hits' en directo y ciertamente sirvió como carta de presentación para las nuevas generaciones. Felices 27, '101'.

THE VELVET UNDERGROUND - THE VELVET UNDERGROUND & NICO (1967)

En 1996, The Velvet Underground, la banda de culto adelantada a su época, fue finalmente reconocida por la industria de la música al ingresar al Salón de la Fama del Rock, luego de 30 años desde la grabación del primer album The Velvet Underground & Nico, disco considerado por muchos, como el mejor de todos los tiempos. La aparición de este disco marcó el verdadero nacimiento de la independencia creativa. Aunque en su momento este disco fue un fracaso financiero, como diría Brian Eno "si bien no vendió muchos álbumes, quien compró uno se fue a formar una banda”... Los Stooges, New York Dolls, Suicide, muchos Punkers, Post-Punkers, Noises, Shoegazers, todos fueron marcados por su influencia. El reconocimiento llegó cuando ya Sterling Morrison, Nico y Andy Warhol (el impulsor) habían partido de este mundo. Como alguna vez mencioné, "el tiempo es el mejor aliado de la vanguardia"

Un trabajo ignorado por la industria musical y menospreciado por los críticos de la prensa especializada de la época, censurado por las estaciones radiales… Un disco que continúa vendiéndose como un clásico tras 48 años desde su publicación. La auténtica independencia del Rock nace con este fantástico album que contiene grandes canciones como la deliciosa gema pop 'Sunday Morning', la conmovedora 'Heroin', la pegadiza 'There She Goes Again', la hipnótica 'Venus In Furs', el cántico mantra 'All Tomorrow's Parties', 'Femme Fatale' y 'I'll Be Your Mirror', entre otras, estas tres últimas interpretadas por Nico.

“La primera vez que escuché el disco de la Velvet Underground y Nico fue durante una fiesta en el campus de la universidad de Michigan. El sonido me pareció horrible. Pensé ¿cómo puede alguien hacer un disco con esta mierda de sonido? ¡es asqueroso! ¡estos tipos me ponen enfermo! ¡menuda basura!

Seis meses más tarde me atrapó. Era buenísimo. Aquel disco fue muy importante para mí, no sólo por lo que decía, y por lo bueno que era, sino porque ahí podía escuchar a unos tipos haciendo buena música sin ser buenos músicos. Me dio esperanzas” - Iggy Pop

“Todo tenía que ser más grave. Una canción escrita en ‘mi’ se interpretaba en ‘re’. Maureen no tocaba los platillos, yo tenía una viola y Lou tenía esa guitarra enorme a la que llamábamos guitarra avestruz. Armaba un ruido espantoso, y ese es el sonido de All Tomorrow’s Parties, por ejemplo. Para colmo, tanto Lou como Nico tenían voces graves. Pues todo eso hacía del disco algo único” - John Cale

“Su sonido era distinto de todo lo que se había estado tocando hasta entonces. Las tonalidades de Blues y los ritmos afroamericanos, componentes básicos de todo el Rock And Roll anterior, habían desaparecido. El sonido predominante era el áspero chirrido de la viola eléctrica de Cale y la distorsión de guitarra de Reed...” - Richard Williams

“La influencia básica de Lou en el terreno de la composición musical fue su utilización de la cadencia plagal. La cadencia plagal se basa en una estructura de un acorde/ cuatro acordes. De Do a Fa Do a Fa. Heroin es eso. Waiting For The Man es básicamente eso. Muchas de las canciones de la Velvet son eso. Lou enseñó a todo el mundo a usar la cadencia plagal, asociada a un zumbido continuo. Keith Richards y Mick Jagger también aprendieron a dominar ese sistema. Street Fighting Man, Sympathy For The Devil, Jumpin’ Jack Flash son canciones de cadencia plagal” - Robert Palmer

THE SISTERS OF MERCY – FIRST AND LAST AND ALWAYS (1985)

Influenciados por grupos como The Stooges, Suicide y The Fall, The Sisters Of Mercy emergieron como parte de la primera eclosión de bandas Góticas. Andrew Eldritch (voz) y Gary Marx (guitarra) dieron vida a la banda en los primeros meses de la década de los 80. Iniciaron sus andanzas desde los clubs baratos de Leeds, UK. Pronto Craig Adams (bajo) se uniría al invento y como resultado aparecería en tiraje de mil copias el primer single 'The Damage Done' (1980), grabado modestamente bajo la etiqueta Merciful Release, la debutante discográfica creada por Eldritch, la misma que permitiría a la banda tener total control sobre sus producciones.

Las primeras presentaciones por Reino Unido se realizaron con la famosa batería programable a la que llamaban 'Doktor Avalanche'. La primera de ellas, considerada oficialmente como el debut en vivo, fue ofrecida el 16 de Febrero de 1981 en la Universidad de York como teloneros de los Thompson Twins. Por aquella época también tocarían apoyando las presentaciones de Nico, The Birthday Party y The Clash. Antes del nuevo lanzamiento se reclutaría a un segundo guitarrista, Ben Gunn.

El segundo single 'Body Electric' de Abril de 1982, apareció bajo la firma C.N.T. (Confederación Nacional de Trabajadores) de New York. 'Body Electric' no rankeó en las listas independientes pero serviría para engrandecer el culto. La fuerte energía que The Sisters Of Mercy irradiaba en sus presentaciones, tanto por sonido como por imagen, lograría absorber a una inmensa cantidad de público.

En Noviembre de 1982 ingresaron por primera vez al Indie Chart con el single 'Alice' y en Marzo de 1983 con 'Anaconda'. The Reptile House E.P. (Mayo 1983) llegó al tope del Indie Chart Británico vendiéndose incluso en calidad de exportación. Con los logros obtenidos y encabezando una nueva generación de bandas Gothic dieron inicio en Agosto a la primera de sus giras fuera de Inglaterra recorriendo Bélgica, Alemania y Holanda. A su retorno en Octubre, graban el ya clásico single 'Temple Of Love' (# 2 en el Indie Chart Británico).

Tras la primera visita a los Estados Unidos (Los Ángeles y San Francisco en concreto), Benn Gunn abandonaría el proyecto. El guitarrista reemplazante sería Wayne Hussey. El primer lanzamiento con Hussey se produjo luego de una intensa gira por los Estados Unidos, Gran Bretaña, Alemania y Holanda. 'Body And Soul' llegaría a la posición 46 del Chart general Británico en Junio de 1984. Sería el primero en ingresar a la lista principal y la primera de sus realizaciones en video-clip. Poco más tarde consiguen la ubicación # 45 con 'Walk Away' (Octubre 1984), single compuesto por Andrew Eldritch y Wayne Hussey que sirvió de postre al primer esperado album. Tras 'No Time To Cry', otro single de adelanto, apareció finalmente el album debut 'First And Last And Always' (11 de Marzo de 1985) con el cual llegaron al casillero 14 del Chart general, evidentemente con un sonido algo más accesible respecto a los primeros singles, y con impresionantes ventas al norte de Inglaterra, Alemania, Bélgica, Suecia, Estados Unidos, Brasil y Argentina. Como sabemos, el disco contiene varios clásicos, tal es el caso de la genial 'Marian (Version)', 'Black Planet', 'Amphetamine Logic', 'First And Last And Always', 'Possession', 'A Rock And A Hard Place' y los singles 'Walk Away' y 'No Time To Cry'. El album fue producido por Dave M. Allen. Durante la gira promocional, Gary Marx anunció su deserción, una vez más, por diferencias con Eldritch. Poco después daría vida a Ghost Dance junto a la vocalista de Skeletal Family, Anne-Marie Hurst.

Los problemas en la banda surgieron a partir de la notoria dependencia de Eldritch por la nociva cocaína, repercutiendo en su salud y en las responsabilidades para con su banda. Así mismo, por el recelo entre Gary Marx (fundador y primer guitarrista) y el recientemente incorporado Wayne Hussey, quien se había ganado, gracias a su creatividad, el puesto de primera guitarra. Marx, inconforme, se topó con la dominante personalidad de Eldritch y tuvo que abandonar la banda en Abril de 1985, en pleno tour Europeo. Durante la gira promocional por los Estados Unidos, reducidos a trío, empezaron los roces entre Eldritch y Hussey.

La última presentación de The Sisters Of Mercy fue la que se ilustró en el video-concierto WAKE realizado el 18 de Junio de 1985 en el Royal Albert Hall de Londres. Eldritch, Hussey y Adams pronto se trasladarían a Hamburgo, Alemania, lugar donde se realizaría la grabación de su siguiente placa. Lamentablemente esto no se concretó. La situación ya era insostenible. Hussey planteó a su amigo Adams dejar a Eldritch y así desligarse de su acaparamiento compositivo. Como resultado, ambos retornaron a Londres.

Adams y Hussey reclutarían para el nuevo proyecto al bajista Simon Hinkler (ex-Artery) y al sobresaliente baterista de los Red Lorry Yellow Lorry, Mick Brown. El nombre elegido fue: The Sisterhood.

The Sisterhood (La Hermandad) era el apelativo de un grupo de seguidores de The Sisters Of Mercy que los acompañaban en todas las giras. Por casualidades de la vida, Eldritch ya se les había adelantado registrando bajo su firma el nombre en Diciembre de 1985. Sin embargo al mes siguiente, Hussey y compañía hacen las primeras presentaciones en directo bajo el discutido nombre abriéndole los shows a The Cult. Eldritch en tanto, tomaría acciones legales obligando a Hussey a desistir, rebautizando a su banda definitivamente como The Mission.

El primer documento sonoro que apareció bajo el nombre de Sisterhood fue lanzado el 20 de Enero de 1986 en formato de single y contenía la fantasmal 'Giving Ground', producido por Andrew Eldritch, quien también se hizo cargo de la guitarra, el bajo y los teclados. Para la ocasión, Lucas Fox (miembro de la primera formación de los Motorhead) participó en la percusión, en tanto James Ray puso la voz.

En Junio apareció finalmente el Mini-LP 'The Gift' (1986) con cinco canciones, entre ellas 'Jihad' (término Islámico que significa ‘Guerra Santa’) inspirada en las desavenencias con The Mission. La formación definitiva de La Hermandad contó con la ex-bajista de los Gun Club de New York, Patricia Morrison, y James Ray (vocalista y líder de The Performance) bajo la guía espiritual del Suicide, Alan Vega.

En 1987 Eldritch retomó el nombre de The Sisters Of Mercy desempolvando al 'Doktor Avalanche' junto a su nueva acompañante Patricia Morrison. Sin duda la mejor época es la inicial y este album 'First And Last And Always' fue algo así como la cereza del pastel. Este album cerró también la primera etapa de la escena Gótica. Un disco brillante de principio a fin.

GANG OF FOUR – SOLID GOLD (1981)

'Solid Gold', el segundo album de esta banda de Leeds, fue grabado en el famoso estudio Abbey Road de Londres en Enero y publicado el 9 de Marzo de 1981. Llegó a la posición # 52 del UK Albums Chart. A diferencia del primer album, 'Solid Gold' es un disco más arriesgado. Los ritmos ligeros dieron paso a un sonido más estilizado, sacando mayor provecho de la sección rítmica, en tanto la guitarra denota mayor creatividad en canciones como 'A Hole In The Wallet' y 'Cheeseburger'. En 'Solid Gold' los Gang Of Four dejan un tanto de lado el aspecto político y enriquecen más su sonido, diversificando la fórmula con elementos de Dub. 'Paralysed' y 'What We All Want' son mis dos favoritas de este disco. Suenan algo más experimentales. En 1980 ya habían publicado un EP con ese sonido menos rítmico y más caótico y minimal, la notable 'He'd Send In The Army' es un buen ejemplo. Esta canción fue incluida como adelanto en el EP sin título de Marzo de 1980 y como lado B del single 'Outside The Trains Don't Run On Time'. Además 'He'd Send In The Army' se encargaba de cerrar el album 'Solid Gold' y también aparecía en una versión en directo en el Soundtrack del film 'URGH! A Music War' de 1981. Sin duda, lo primero que llama poderosamente la atención al escuchar la música de esta genial banda, es la guitarra filuda y cortante de Andy Gill, aunque menos frenética en este segundo disco. Las líneas Funky del bajo de Dave Allen predominan aún más en este segundo album y de hecho, como en Entertainment!, marcan el sello característico de la banda. Los dos primeros albums son los mejores. No cabe duda. Dos albums imprescindibles en cualquier colección respetable. Luego de otros dos discos regulares y algunos singles clásicos, Gang Of Four agotó sus fórmulas.

TEARS FOR FEARS – THE HURTING (1983)

Pete Byrne y Rob Fisher (Naked Eyes) se iniciaron en una banda de Bath, Inglaterra, llamada NEON, banda formada también por Curt Smith y Roland Orzabal (Tears For Fears). Neon apenas publicó dos singles en 1980 y 1981 enteramente compuestos (letra y música) por los futuros Naked Eyes. El sonido de Neon se asemejaba a lo que luego sería Naked Eyes. Los dos futuros miembros fundadores de Tears For Fears no tenían una participación tan activa como Byrne y Fisher, pues tanto Curt Smith como Roland Orzabal, tenían además una banda paralela llamada GRADUATE, también de la ciudad de Bath, aunque formada un año antes, en 1979.

El quinteto Graduate estuvo integrado por Andy Marsden (batería), John Baker (guitarra, voz) y Steve Buck (teclados, flauta). Curt Smith se hacía cargo del bajo y segunda voz, y Roland Orzabal de la guitarra y voz líder además de todas las composiciones (letra y música). Graduate grabaron un album, 'Action My Age' (1980) y cuatro singles entre 1980 / 81. La música que hacían era New Wave y Mod revival con ciertas influencias de Ska en algunas canciones (por los ritmos y la guitarra). Su canción más conocida inclusive hacía referencia a este estilo de música. 'Elvis Should Play Ska' no llegó a ser un hit pero fue un comenzar por algo. Con esta canción sonaron en países como España, Grecia y Alemania. Para Reino Unido no existían aún. Lo curioso de estos inicios de Tears For Fears radica en el hecho que, de un lado teníamos a Curt Smith y Roland Orzabal participando de una banda con un sonido más electrónico o Techno (Neon por supuesto), y del otro, una banda New Wave más guitarrera (Graduate). Seguramente estuvieron probando en las dos corrientes emergentes más novedosas en aquel momento de la New Wave. Lo cierto es que el sonido de Neon y Graduate, aún no se acercaba ni por asomo al que luego plasmarían como Tears For Fears. El paso fue enorme. El cambio estilístico en todo aspecto fue radical y sucedió apenas unos pocos meses después.

En los últimos meses de 1981, luego de abandonar Graduate y dejar atrás el proyecto Neon, Roland Orzabal (voz, guitarra, teclados, programación de ritmos, composición) y Curt Smith (voz, bajo, teclados) forman Tears For Fears con Manny Elias (el baterista de Neon) y Ian Stanley (teclados). Orzabal y Smith se dividieron el espacio interpretativo y poco más tarde también el espacio compositivo. De este modo rompieron el molde del típico dúo New Wave / Techno de la época: acompañante y solista. En Tears For Fears ambos lideraban. El nombre Tears For Fears fue tomado de un capítulo sobre las pesadillas de los niños de un libro de psicoterapia llamado 'Prisoners Of Pain' del psicólogo Arthur Janov.

El primer single de Tears For Fears se publicaría antes de finalizar el año, en Noviembre de 1981, 'Suffer The Children', un clásico de la banda que luego sería incluido en el album debut aunque en versión diferente. En 'Suffer The Children' por primera vez ellos mismos experimentarían con secuenciadores y cajas de ritmos para una versión más acorde con el Electronic Pop del momento. El remix incluido en el maxi original de 1981 dista mucho de la versión que luego se incluiría en el album 'The Hurting'. La voz femenina que aparece en los coros hacia el final de la canción pertenece a Caroline, esposa de Roland Orzabal. La producción estuvo a cargo de David Lord.

Antes del debut en album, apareció un segundo single en Marzo de 1982, la famosa 'Pale Shelter (You Don't Give Me Love)', esta vez vocalizada por Curt Smith. En 1983 'Pale Shelter' sería re-grabada y lanzada como quinto single. El título de la canción hacía referencia a 'Pale Shelter Scene', un dibujo de 1941 del escultor Británico Henry Moore. La versión original aparecida en 1982 producida por Mike Howlett y con portada verde agua, no logró rankear en UK, el remake en tanto, llegó al # 5 del chart Inglés en Abril de 1983. Pero antes de ese quinto single, Tears For Fears tendría dos ingresos en el chart.

La canción definitiva que hizo famosos a Tears For Fears en Reino Unido fue 'Mad World', el tercer single publicado en Septiembre de 1982. 'Mad World' llegó al # 3 en UK. Con 'Mad World' dieron el despegue definitivo permaneciendo en el ranking Inglés por algo más de cuatro meses. Esta canción fue también vocalizada por Curt Smith y tuvo otros dos productores, Chris Hughes y Ross Cullum, los productores de 'The Hurting'. El single apareció en 7" y 12" además de una versión limitada de 2 discos 7" con lados B diferentes.

En Enero de 1983 publicaron 'Change', cuarto single de la banda y el tercero vocalizado por Curt Smith. Llegaron al # 4 del UK chart. Anecdóticamente, 'Change' fue la canción con la cual ingresaron por primera vez en el ranking de los Estados Unidos (# 73 en Agosto).

Todos estos lanzamientos lanzados estratégicamente como singles en diferentes formatos, le abrieron camino al album 'The Hurting', llegando al # 1 del ranking Inglés en el mes de Marzo de 1983. 'The Hurting' se convirtió en uno de esos clásicos instantáneos de la música Británica y se mantuvo en charts durante 65 semanas consecutivas. Este primer album, a diferencia de los discos posteriores, fue enteramente escrito por Roland Orzabal.

Las épocas superficiales de Graduate quedaron enterradas en apenas unos cuantos meses. Cuatro singles contundentes y un album genial. En 'The Hurting', Roland Orzabal desarrolló temas como la frustración, la angustia y la soledad. No desde una perspectiva depresiva sino más bien elaborando ensayos psicológicos sobre el ser humano. Roland Orzabal provenía de un hogar con relaciones problemáticas y el dolor de su infancia lo reflejó a través de las composiciones del album debut. Además de los singles mencionados, otros momentos brillantes en el disco se pueden escuchar en 'Watch Me Bleed', 'The Prisoner' y en la canción que da título al album. Sintetizadores, guitarras acústicas y un majestuoso paisaje lírico. Un disco dramático y emocional, sin duda, imprescindible.

En Octubre del 2013 fue remasterizado y lanzado como box set por el 30 aniversario. Tres CDs y un DVD en una edición de lujo que incluye el album remasterizado, el íntegro del material lanzado en los cinco primeros singles, versiones BBC para John Peel y David Jensen, algunas versiones en concierto y en un DVD el clásico VHS 'In My Mind's Eye - Live At Hammersmith Odeon'.

NEW MUSIK - ANYWHERE (1981)

Segundo disco de estudio de esta banda de Londres formada en 1977 por su líder Tony Mansfield. De hecho Mansfield fue el alma del grupo, compositor de letra y música, productor, vocalista, guitarrista y tecladista. La formación de New Musik la completaba Clive Gates (teclados), Phil Towner (batería, percusión) y Tony Hibbert (bajo).

Este segundo album 'Anywhere', publicado el 6 de Marzo de 1981, es uno de esos discos que disfrutas de principio a fin. Incluye canciones de alucinantes atmósferas, por momentos pareciese que la música sonara bajo el agua, melodías sin complicaciones, bonitos arreglos y mucha sensibilidad. 'They All Run After The Carving Knife' con su falso final, la minimalista 'Areas' con la voz de Mansfield sintética y con ecos, la percusión electrónica de 'Division' y 'Changing Minds', los espléndidos coros de 'Luxury'. Otras destacables: 'Design', 'While You Wait', 'Churches' y 'Back To Room One'. Difícil dejar de mencionar alguna, un gran disco. 'Anywhere' posee un gran sonido lleno de detalles, sintético y orquestado, con atmósferas subacuáticas que deben ser apreciadas a buen volumen y alta fidelidad, como para no perderse algunos detalles casi ocultos en la mezcla. Un disco aplicado, concebido de manera científica, como antes ya lo había hecho Kraftwerk en los 70s. 'Anywhere' en particular, es un disco único, su sonido es extraordinario debido a la producción y arreglos de Tony Mansfield. Disco imprescindible.

Tony Mansfield no sólo grabó tres discos con su banda New Musik. Seguramente uno de sus mayores aportes a la industria musical Británica de los años 80, lo hizo como guía del dúo electrónico NAKED EYES, formado por Rob Fisher (teclados, emulator y composición musical) y Pete Byrne (vocales y texto). Tony Mansfield se encargó de la notable producción del album debut, programación de teclados, batería computarizada y guitarra. Mansfield además fue un productor de renombre y bastante solicitado. A-ha, Aztec Camera, The Rescue, Vicious Pink, Captain Sensible, The Damned y The B-52's fueron algunos de los grupos para los cuales produjo.

KRAFTWERK – TRANS-EUROPE EXPRESS (1977)

La canción 'Trans-Europe Express' o 'Trans Europa Express' fue la primera de Kraftwerk que se escuchó en Lima. Era 1977. El video clip lo pasaron algunas veces en un programa de videos del Canal 5 seguramente por lo raro y novedoso para la época. De hecho resultaba impactante la imagende la banda luciendo como maniquís. Inclusive el single fue editado en edición nacional. Pero Kraftwerk se internacionalizó unos años antes, con 'Autobahn' (1974). 'Autobahn' los hizo conocidos en toda Europa. El album llegó al # 4 del chart Inglés en Mayo de 1975. Su paso por Inglaterra dejó huella en muchos futuros músicos ligados a la primera generación Techno de UK.

Para cuando fue publicado este sexto album de Kraftwerk, una nueva corriente musical había nacido... como diría Simon Reynolds en su libro Rit It Up And Start Again - Postpunk 1978-1984: "Para muchos Postpunks los singles más significativos del ´77 no fueron “White Riot” de The Clash o “God Save The Queen” de los Sex Pistols, sino “Trans-Europe Express” de Kraftwerk, una teogonía metronómica de la era industrial y el hitazo porno-eurodisco producido por Giorgio Moroder “I Feel Love” de Donna Summer, un track compuesto casi por entero con sonidos sintéticos. La música disco electrónica de Moroder y el sereno synthpop de Kraftwerk generaron resplandecientes visiones de la Neu Europa –moderna, futurista y Post-Rock en el sentido de no tener absolutamente ninguna deuda con la música Americana. La idea de que los sintetizadores, los secuenciadores y las máquinas de ritmo ofrecían la posibilidad de una identidad sonora auténticamente no-americana resultó enormemente seductora para grupos como The Human League y Soft Cell..."

'Trans-Europe Express' incluía la oscura 'The Hall Of Mirrors' -luego covereada por Siouxsie & The Banshees-, 'Showroom Dummies', 'Europe Endless' alternando voz humana y vocoders, con notorios acercamientos a la estructura del sonido Británico, aunque enteramente en base a electrónica (John Foxx construyó la música de su banda Ultravox! a partir de tales conceptos, infiltrando la electrónica a la música popular Británica, convirtiéndose de ese modo en el pionero del nuevo sonido en su país). 'Trans-Europe Express', la pieza principal del album en cuestión, sería el argumento que utilizaría poco después Gary Numan, diversificando la idea y adoptándola no sólo como propia, sino como su particular estilo. Este disco le abre definitivamente las puertas a la banda sonora de los años 80 con su magnífica recreación sónica, emulando las sensaciones producidas al interior de un ferrocarril que atraviesa fríos parajes industrializados, en un nuevo viaje imaginario rodeado de pálidos e inexpresivos rostros con secuencias maquinalmente repetitivas que se prolongan como los infinitos rieles del camino ('Metal On Metal'). Por esa época, la imagen de Kraftwerk era impecable, dejando atrás las melenas para adoptar recortados cabellos, traje, y delgadas corbatas, muy a los treinta, reivindicando la escuela de Frankfurt y su enlace con la cultura progresista Alemana, estropeada por la escoria nazi. Kraftwerk y discos como este 'Trans-Europe Express', abrieron un nuevo horizonte en la música que se produciría en los siguientes años en todo el mundo. El Techno-Pop ya era una realidad.

ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK – DAZZLE SHIPS (1983)

Cuarto album de esta banda de Liverpool. Publicado en Marzo de 1983 y producido por OMD y Rhett Davies. 'Dazzle Ships' es sin lugar a dudas el disco más conceptual de OMD. Lo curioso del asunto es que apenas en dos años (1980-81), OMD había grabado tres albums y se había hecho inmensamente popular en Reino Unido, especialmente con el tercer album de 1981, 'Architecture & Morality' (# 3 en UK), su album mejor ubicado en el Chart Inglés durante esa década. La popularidad del grupo no podría haber estado mejor con cuatro de seis singles rankeados en el Top 10. Es bajo ese entorno que OMD da vida a su album más significativo y claramente inspirado por el futurismo Industrial del 'Radioactivity' (1975) de Kraftwerk. La producción de Rhett Davies (productor de Brian Eno, Roxy Music, Talk Talk) es realmente notable. 'Radio Prague' es una especie de cortinilla de la Radio Praga original, una emisora real que sirvió de hilo conductor electromagnético. Fanfarrias, tonos horarios, ondas de radio, emisiones electrónicas, todo ello nos trae a la mente las ideas primarias de Kraftwerk para un resultado evocador y poético. Tonos senoidales, ruidos mecánicos, voces sugerentes de presentadores, anuncios radiofónicos, mucha magia, señales horarias, operadores telefónicos superpuestos en diferentes idiomas, en fin, una pequeña maravilla de disco, tan envolvente como fríamente hipnótico. Sin duda, el techo de creatividad de la banda.

'Dazzle Ships' produjo dos geniales singles, 'Genetic Engineering' (# 20 en Febrero de 1983) y 'Telegraph' (# 42 en Abril). Los singles no tuvieron la misma acogida que los procedentes de sus anteriores discos, pero se trataba del disco más arriesgado de OMD que por cierto llegó al # 5 del chart Inglés en Marzo de 1983. Para algunos críticos, 'Dazzle Ships' les representó a la banda un relativo fracaso comercial, provocando una crisis de confianza en Humphreys y McCluskey quienes deliberadamente optaron por un sonido más comercial, más mainstream a partir de 1984. Lo cierto es que mientras lograban fama y reconocimiento en USA, en UK fueron perdiendo terreno disco a disco, no hace falta más que revisar el archivo de UK Charts de la época para comprobarlo.

'Dazzle Ships' también incluía otras notables canciones como 'Radio Waves', canción que fuera inspiración para un conocido programa New Wave de la FM Limeña. Lo cierto es que a 'Dazzle Ships' le debemos dar un valor como obra integral más que por algunas buenas canciones. El tema que daba título al album, 'Dazzle Ships' (Parts II, III and VII), es una sombría y espectral visión de unos barcos en guerra con misteriosas sirenas que parecen surgir de la niebla, mas el solitario sonar acercándose a su objetivo. Ese tipo de detalles son precisamente los que hacen grande a este disco, sonidos sugerentes que nos inducen a viajes imaginarios, música cinemática usando esos sonidos como una pantalla de cine, conceptos deudores también del 'Autobahn' (1974) de Kraftwerk.

Tras 'Dazzle Ships', OMD volvieron a planteamientos algo más conservadores que, si bien darían sus frutos en USA con 'Junk Culture' (1984) y 'Crush' (1985), terminarían por hundir a la banda en la mediocridad. Algunos buenos singles pero nunca más un gran disco como este. Si no has escuchado 'Dazzle Ships' completo, no has escuchado OMD, así de simple.